Este Blog ha sido creado única y exclusivamente para el uso de los estudiantes del Colegio Parroquial Nuestra Señora de Montserrat del Nivel Secundaria
https://www.youtube.com/watch?v=OW3JuoVRSHg evolución de la música
Como ya sabemos la música nos acompaña desde el comienza de la humanidad, vamos a recordar algunos conceptos y luego veremos como fue su desarrollo y transformación a través del tiempo
CLASIFICACIÓN DE ACUERDO A HORNBOSTEL Y SACH
En
1914, los musicólogos Erich M. Von Hornbostel y Curt Sachs idearon una
clasificación mucho más lógica que pretendía englobar a todos los instrumentos
existentes. Esta clasificación es mucho más precisa, ya que tiene en cuenta los
principios acústicos que hacen sonar a los diferentes instrumentos.
Se basa en un sistema desarrollado a fines del siglo XIX por Victor Mahillon, restaurador de la colección del Conservatorio Real de Bruselas. El sistema Mahillon fue uno de los primeros en clasificar de acuerdo con el material o parte del instrumento que producía el sonido, pero estaba limitado en su mayor parte a los instrumentos occidentales usados en música clásica. El sistema Hornbostel-Sachs es una expansión de aquel, en el que es posible clasificar cualquier instrumento musical de cualquier cultura.
Así, se establecen cinco grandes clases de instrumentos musicales, que a su vez se dividen en grupos y subgrupos:
Se basa en un sistema desarrollado a fines del siglo XIX por Victor Mahillon, restaurador de la colección del Conservatorio Real de Bruselas. El sistema Mahillon fue uno de los primeros en clasificar de acuerdo con el material o parte del instrumento que producía el sonido, pero estaba limitado en su mayor parte a los instrumentos occidentales usados en música clásica. El sistema Hornbostel-Sachs es una expansión de aquel, en el que es posible clasificar cualquier instrumento musical de cualquier cultura.
Así, se establecen cinco grandes clases de instrumentos musicales, que a su vez se dividen en grupos y subgrupos:
AERÓFONOS:
https://www.youtube.com/watch?v=0mdGUoOuknA trompetas
CORDÓFONOS :
el sonido es producido mediante una o varias
cuerdas en tensión. Se suelen subdividir en cuatro categorías según el modo de
excitación: punteados con los dedos o con ayuda de un plectro (arpas,
guitarras, bandurrias, laúdes, vihuelas, salterios, clavecines), frotados con
un arco (violines, etc.), o golpeados con macillos (pianos, tímpanos...)
IDIÓFONOS :
están formados por materiales
naturalmente sonoros. Se los subdivide según el modo de excitación: percutidos,
punteados, sacudidos, frotados, raspados... (campanas tubulares, xilófono...).https://www.youtube.com/watch?v=yPeD29lthVA Xilofonos
MEMBRANÓFONOS :
producen sonido mediante una o
más membranas tendidas sobre sus correspondientes aberturas (son, básicamente,
los tambores, aunque también otros instrumentos, como el mirlitón o el kazoo).
ELECTRÓFONOS :
Clasificación Hornbostel–Sachs (1914)
1. IDIÓFONOS: el sonido es producido por la materia del propio instrumento, sin ayuda de membranas o cuerdas en tensión
11. Idiófonos golpeados
111. Idiófonos golpeados directamente: los sonidos pueden ser producidos claramente de forma individual
111.1 Golpe entre dos o más partes sonoras complementarias generalmente simétricas: castañuelas, cucharas, platos, crótalos, campanas entrechocadas sin badajo
111.2 Idiófonos de percusión.
El instrumento es golpeado con un objeto no sonoro o contra un objeto no sonoro
Percusión de palos: triángulo, xilófono
Percusión de placas: litófono, metalófono
Percusión de tubos: campana tubular
Percusión de cavidades: gong, tam-tam, campana
112. Idiófonos golpeados indirectamente
112.1 Idiófonos sacudidos: maracas, plancha de tormenta, matraca
112.2 Idiófonos rascados
112.21 Palo con estrías
112.22 Tubo rascado: botella de anís, güiro
112.23 Cavidad con estrías: conchas, vieira
112.24 Rueda dentada con una o más lengüetas sujetas a un marco: carracas
112.25 Tabla con estrías o surcos: tabla de lavar
12. Idiófonos punteados. Vibración de una lámina elástica fijada por un extremo
121. Punteados dentro de un marco: guimbarda
122. Punteados de tabla. Las láminas están sujetas o talladas en una tabla a semejanza de las púas de un peine: caja de música, sanza
13. Idiófonos de fricción
131. Fricción de palos: palo forrado con piel de lija
132. Fricción de placas. Lámina de acero y marco: sierra musical
133. Fricción de cavidades: copas musicales, Glassharmonika
134. Fricción de láminas: máquina de viento
14. Idiófonos soplados
141. Palos soplados: Aeosklavier
142. Placas sopladas
2. MEMBRANÓFONOS: el sonido es producido al poner en vibración una membrana o diafragma en tensión
21. Membranófonos de percusión
211. De percusión directa. Con la mano o mediante un palillo o baqueta:
211.1 De cavidad semiesférica: timbal
211.2 Membranófonos tubulares
211.21 Tubular cilíndrico: tambor
211.22 En forma de barril: tabla
211.23 Doble cónico
211.24 En forma de reloj de arena
211.25 Cónico
211.26 En forma de copa
211.3 Con marco: pandero
212. Sacudidos por impacto interior o exterior
212.1 Con cavidad
212.2 Tubular: springdrum
212.3 Sacudidos con marco
22. Membranófonos punteados
23. Membranófonos de fricción
231. De fricción a un palo en contacto con la membrana: zambomba (cómo hacerse una)
232. De fricción mediante una cuerda sujeta a la membrana: lion´s roar
233. De fricción con las manos
24. Membranas sonoras o cantadoras
Libres o de soplo directo, sin cámara de aire: papel de fumar
Con tubo o cavidad. Membrana sujeta en un tubo: kazoo, mirlitón
3. CORDÓFONOS: el sonido se produce al poner en vibración una o más cuerdas tensadas entre dos puntos fijos
31. Cordófonos simples o cítaras. El soporte de las cuerdas y el resonador pueden ser separados sin destruir el instrumento
311. Cítaras de vara: berimbao
312. Cítaras de tubo. El soporte de las cuerdas tiene la superficie curva
313. Cítaras en forma de balsa
314. Cítaras de tabla: clave a pedal, clavisimbalum, salterio, piano, cítara de concierto, dulcemel, címbalo, zanfona
315. Cítaras de artesa. Cuerdas sobre un canalón o depresión
316. Cítara de marco. Cuerdas tensadas en un marco abierto
32. Cordófonos compuestos. El soporte de las cuerdas y la caja de resonancia no pueden ser separados sin destruir el instrumento
321. Laúdes. El plano de las cuerdas es paralelo a la tabla sonora: tiorba, laúd barroco,viola da spalla, vihuela, laúd renacentista
322. Arpas. El plano de las cuerdas forma aproximadamente ángulo recto con la tapa de resonancia
323. Arpas-laúd. Idéntico al anterior, pero puente perforado: kora.
324. Tambores de cuerda punteada
4. AERÓFONOS
41. Aerófonos libres. El aire que vibra no está dentro del cuerpo del instrumento
411. Libres con desplazamiento. Aire contra los bordes de un objeto o viceversa como en un látigo
412. Aerófonos libres interrumpidos periódicamente o intermitentemente. Armónica,regal, acordeón, armonio, polikórgano
413. Aerófonos plosivos. El aire es puesto en vibración al producirse un choque en el aire contenido en la cavidad: pétard
42. Instrumentos de viento propiamente dichos
421. Flautas de soplo directo al tubo
421.1 Sin conducto. La columna de aire es conducida contra el canto del tubo
421.11 De soplo directo contra el canto o borde superior del tubo abierto. Quena, sakuhachi
421.12 Flauta de soplo lateral. Flautín, flauta travesera
421.13 Flauta globular. Sin boquilla. Ocarina
421.2 Flautas con conducto de aire. Un estrecho conducto de aire conduce la columna de aire contra el bisel de un orificio lateral. Flauta de pico, órganos positivo y portativo
422. Instrumentos de viento con lengüeta. El aire pone en vibración de forma intermitente una o dos láminas ajustadas a la parte superior del instrumento. Aulós
422.1 De doble lengüeta. Tipo oboe. Dos cañas o láminas golpean una contra la otra. Chirimía, oboe, cromorno, aulos
422.2 De lengüeta simple. Tipo clarinete. Una caña o lámina golpea sobre una parte del instrumento al entrar en vibración por acción del aire. Clarinete, alboka
423. Instrumentos de viento tipo trompeta. El aire es conducido a través de los labios en vibración
423.1 Trompeta natural. Sin mecanismos para modificar el sonido. Caracola, cuerno de animal, añafil, cornu, trompa de caza, trompa de postillón
423.2 Trompeta con mecanismos para modificar el sonido fundamental
423.21 Con agujeros digitales: cornetto, serpentón
423.22 Extensible: trombón de varas
423.23 Bugle de válvulas. El tubo es cónico
423.231Trompa de válvulas. Una parte considerable del tubo es cónica
423.232 Trompeta de válvulas. El tubo es básicamente cilíndrico
5. ELECTRÓFONOS
51. Instrumentos electromecánicos
Se basan en las vibraciones producidas por medios mecánicos usuales y transformadas en vibraciones
eléctricas: guitarra eléctrica
52. Instrumentos radioeléctricos
Se basan en circuitos eléctricos oscilantes. Algunos tienen una escala continua y otros tienen teclado: theremin, ondas martenot
ONCEAVA ACTIVIDAD
En una hoja bond o Word van a realizar un trabajo de investigación sobre una familia de instrumentos musicales, el trabajo debe contener una imagen, características, historia y comentar su expresividad en las obras en que participa, recuerden que una vez terminado el trabajo deben colocarlo en el portafolio virtual de arte para su revisión de acuerdo a las fechas programadas
HISTORIA DE LA MÚSICA
https://www.youtube.com/watch?v=xTRj1X8Hd1s historia de la música
PREHISTORIA
No se sabe con exactitud cuándo empezó la música, pero los
relatos populares cuentan que la música tuvo un origen divino y que su sonido
representaba el mensaje de la naturaleza y del hombre. El ser humano sintió la
necesidad de expresarse y de comunicarse. Buscaba cómo hacerlo: emitía ruidos,
gritaba, gemía, imitaba, en fin, ansiaba un lenguaje, y ¡nació la música! Esto
ocurrió hace aproximadamente 40 mil años, cuando el primer hombre (Homo sapiens)
fue capaz de imitar los sonidos de la naturaleza, que eran diferentes a los que
hacía cuando estructuraba su lenguaje. A este hombre se le conoce como Homo
musicus. Así, la música fue el medio de expresión colectiva de la vida diaria y
estuvo presente en rituales funerarios, cacerías y ceremonias vinculadas a la
fertilidad de la tierra.
Los primeros instrumentos musicales se crearon hace más de
dos millones y medio de años (Paleolítico Inferior), cuando el hombre aprendió
a crear utensilios de piedra y hueso. Con ellos logró obtener sonoridades ya
fuera soplando, entrechocando o, bien,
frotando. El ser humano exploró sonidos utilizando objetos, como hojas, sus labios
o sus dientes. Así, por ejemplo: el rombo, que consistía en una
pieza plana de hueso o piedra con un agujero en uno de sus extremos, en
el que se ataba una cuerda. El instrumento producía un zumbido al
hacerlo girar con el brazo en alto y por encima de la cabeza. Fue
usado para rituales nocturnos que evocaban a los espíritus.
En China, cada grupo aborigen
tenía sus propias danzas tradicionales. Por ejemplo, los habitantes de la isla
de Taiwán, influidos por su entorno, instituyeron una danza ejecutada por
varias personas formadas en hilera y cogidas de las manos, como ritual de
recolección.
LA MÚSICA DE
MESOPOTAMIA
Influyó poderosamente en
Egipto, Grecia y en otros territorios cercanos. Vale decir, en la región que se
desarrolló entre los ríos Tigris y Éufrates, desde el año 3000 a.C. hasta los
tiempos helenísticos, e incluyó Babilonia, Asiria, Sumeria, entre otros
pueblos. Bajorrelieves, textos y restos arqueológicos muestran los instrumentos
musicales que usó la gente de aquella región. Asimismo, la religión cumplió un
rol muy importante, pues los textos sagrados hablan de un tipo de canto
responsorial y del acompañamiento instrumental. En las esculturas se observan cantantes
e instrumentistas. Los músicos sumerios y babilonios se dividían en dos grupos:
nar, los que cantaban las alabanzas de dioses o reyes, y gala, los que cantaban
lamentos.
Los instrumentos musicales más
importantes de Sumeria fueron las arpas arqueadas y las grandes liras. Otros
instrumentos que aparecen en el arte mesopotámico son laúdes y tambores. Los
textos, además, informan sobre la afinación de los instrumentos de cuerda.
■ Canto responsorial. Solista
o grupo de solistas que cantaban alternándose con un coro.
■ Chirimía doble. Instrumento
de viento de doble tubo que se tocaba con las manos cruzadas.
■ Kithara. Instrumento de
siete cuerdas, de la familia de la lira. Como el arpa, pero con caja de
resonancia. Predecesor de la cítara.
■ Laúd. Instrumento de dos o
tres cuerdas hecho con caparazón de tortuga.
■ Quironomía. Signos manuales y
posiciones del brazo para designar determinados sonidos.
Instrumentos musicales del antiguo Egipto:
■ Imperio Antiguo y Medio: la
gran arpa de arco (que se apoyaba en el suelo), la antigua flauta vertical y la
chirimía doble.
■ Imperio Nuevo: el laúd de
mástil largo, el arpa de pie, de hombro y de mano, los oboes dobles y la lira.
Las ejecuciones musicales se hacían con un grupo de músicos, tocando varios
tipos de instrumentos junto a cantantes y bailarines/Mesopotamia)
La
música de Egipto
La música de Egipto comprende
tres fases: el Imperio Antiguo (2700-2100 a.C.), el Imperio Medio (2100-1580
a.C.) y el Imperio Nuevo (1580-712 a.C.), hasta llegar a la época griega y
romana. Sus temas son siempre religiosos: textos de himnos y salmos, estatuas
de dioses músicos y retratos de músicos de los templos, de bailarines religiosos
o de comidas sagradas que se acompañaban con música. Existen representaciones
donde se ve a personas haciendo signos con las manos a cantantes e
instrumentistas, como si fueran representaciones de notas y, quizá, como ritmo
(quironomía).
LA MÚSICA EN LA
ANTIGUA GRECIA
Función social de la música en Grecia
Por otra parte, el arte de los
sonidos se hizo inseparable de la tragedia y la poesía. El manejo de la voz, el
gesto de los actores y sus movimientos dependían de la música. Grandes dramaturgos,
como Esquilo, Sófocles, Eurípides y Aristófanes, fueron también músicos y
danzarines. Igualmente,
los mejores citaristas
alcanzaron privilegios sociales. La cítara fue el instrumento más importante de
la Grecia clásica (periodo helenístico); anteriormente fue la lira. Había también
cantantes que interpretaban melodías de origen popular, que admitían la
improvisación y partes para solistas. Los frescos y los mosaicos etruscos (norte
y centro de la actual Italia) nos muestran que los instrumentos más usados
fueron los de los griegos. Grecia transmite todo a Roma a partir del siglo II
a.C.
EDAD MEDIA
Durante el papado de Gregorio
I, surgen los cantos llanos, cantus firmus o cantos gregorianos, que fueron los
primeros cantos escritos con símbolos musicales llamados neumas, los cuales
indicaban la línea melódica del canto. Se caracterizan por tener una sola línea
melódica y ritmo libre. Muchas veces eran cantados en estilo antifonal.
Son cantos religiosos cantados
por voces masculinas (los monjes), escritos para ser entonados en las iglesias.
Lo que da lugar a que surjan las llamadas escuelas de copia (copistas de
música) en diferentes tiempos y lugares. Del mismo modo, en el siglo IX
aparecen los cantos a dos voces u organum, siendo una de las voces: el cantus
firmus. Así se presenta la primera manifestación escrita de polifonía.
En el siglo XIII la palabra
adquiere mayor importancia, dando lugar a una nueva forma musical, los motetes
(mots, en francés significa “palabras”). Es así, que sobre los organum a dos
voces se agregaba una tercera voz que cantaba diferentes palabras, y a veces
hasta en diferentes idiomas (francés, latín). Ocasionalmente se agregaba cierto
acompañamiento instrumental. Se tienen muchos motetes seculares para ser
tocados fuera de la iglesia.
Las danzas y canciones,
durante los siglos XII y XIII fueron escritas por los trovadores y los troveros
utilizando una línea melódica. El término “trovador” está vinculado al término
francés trouver que significa“buscar”, es decir, el trovador era un músico
aventurero que narraba historias de un lugar a otro. En esta época encontramos
algunas danzas como el estampie y el saltarello.
RENACIMIENTO
La palabra, “Renacimiento”
viene de renacer, pues durante este periodo se vuelve a las ideas de los
griegos y los romanos. Fue una época de famosos exploradores, de
descubrimientos y avances en ciencia y astronomía. El hombre investigó también
en los misterios del espíritu y de las emociones. Todo esto influyó en
pintores, arquitectos y artistas.
Los compositores demostraron
mayor interés en escribir canciones populares y música para instrumentos solos,
pues hasta ese momento se escribía mucha música vocal religiosa. La textura
predominante fue la polifónica, con el uso de imitación de voces. En esta época
se escribía tanto música religiosa como secular, la mayoría para ser cantada a
capella. Las formas principales fueron motetes y misas dentro de la religiosa,
y los madrigales en la música secular. Los compositores escribieron para varias
voces en forma imitativa. A este estilo se le conoce como contrapuntístico.
Durante el siglo XVI, la
iglesia protestante de Martín Lutero entonaba himnos en alemán en lugar de
cantarlos en latín. Estos himnos o corales alemanes eran cantados por toda la
congregación, como una manera de atraer nuevos fieles.
En cuanto a la música secular,
se escribieron canciones populares, algunas en estilo contrapuntístico y otras
en forma de melodía con acompañamiento (textura homofónica). Entre estos tipos
de canciones destacan: frottola (italiana), lied (alemana), villancico
(española), chanson (francesa) y madrigal (italiano).
Música instrumental
Hasta principios del siglo
XVI, los instrumentos cumplían un rol secundario, acompañaban a las voces o servían
para danzar. A partir de ese momento, los compositores demostraban su interés
por escribir música pura instrumental. Josquin des Prez y Palestrina fueron sus
principales compositores.
EL BARROCO
El estilo Barroco nació en
Italia y significa “piedra preciosa irregular”, y está relacionado con la
cargada ornamentación manifestada en el arte y la arquitectura del siglo XVII.
Comprende desde el año 1600 (nacimiento de la ópera y el oratorio) hasta 1750
(muerte de J.S. Bach).
El Barroco fue una época de
arte exquisito, tanto en la pintura como en la música. Las primeras
composiciones barrocas, en las que predominaba la música instrumental, las
hicieron los maestros italianos, como: Corelli, Albinoni (renombrado por su
adagio) y Vivaldi (famoso por su obra Las cuatro estaciones). Otros compositores
famosos fueron: Pachelbel, conocido por su Canon; Henry
Purcell, el gran compositor inglés; Handel, quien
escribió la famosa obra coral El Mesías; y Johann Sebastian Bach, considerado uno de los compositores más
grandes de todos los tiempos.
Algunos compositores menos
comprometidos con las iglesias fueron empleados por miembros de la realeza para
escribir música destinada a ocasiones especiales, como las danzas
aristocráticas. De este modo, al escribir la música que les encargaban, podían
acceder a una vida confortable y gozar de comodidades.
A principios de siglo,
predominó la textura homofónica que antencedió a la textura polifónica. Durante
los primeros años del Barroco, los viols fueron reemplazados por los violines.
Algunas familias italianas construyeron los mejores violines, entre ellas la
prestigiosa familia Stradivari (Stradivarius). Al mismo tiempo, se formaba la
primera orquesta constituida, principalmente, por cuerdas y clavecín. Este
último era un instrumento de teclado que cumplió un rol muy importante por su
brillante sonoridad. En la música escrita para orquesta estuvo siempre presente
el basso continuo, una melodía en el bajo interpretada por los violoncelos y
contrabajo, acompañada por el clavecín; cuyas mayores obras se encuentran en la
música vocal religiosa. A fines del siglo XVII, la mayoría de las obras estaban
basadas en el sistema de tonalidades mayores o menores.
Los compositores barrocos
crearon nuevas formas musicales como la ópera, el oratorio, la cantata, el
recitativo y el aria; también, la suite, la obertura, la sonata, el concerto
grosso, el solo concerto, la forma ritornello y la fuga.
Estos artistas tenían la
certeza de que las obras debían ser uniformes en carácter. Así, una pieza
barroca suena alegre o triste de principio a fin. En cuanto a la dinámica de la
música, esta presentaba contrastes. Por ejemplo, una sección de la música se
tocaba fuerte y la repetición de la misma se hacía suavemente, de manera
súbita. Los dos máximos representantes del barroco tardío fueron: George Frederic
Handel y Johann Sebastian Bach. Asimismo, en este periodo se escribieron las
primeras óperas.
CLASISISMO
El neoclasicismo representa el
volver a las características de la época clásica (1750-1810), en la segunda
mitad del siglo XVIII. En este periodo se afirmaron formas musicales que
continúan vigentes hasta nuestros días: la sinfonía, el concierto solista y la
sonata. Del mismo modo, se dio mucha importancia a las obras instrumentales. La
música y los músicos empezaron a depender menos de las clases altas, ya que en
este tiempo emergió la burguesía.
Por tanto, los compositores se
dedicaron a escribir obras que no dependían del mecenazgo. Viena pasó a ser un
centro importante de difusión musical. Aparte de ello se fundaron casas
editoras que abastecieron a los amantes de la música y surgieron las fábricas
de instrumentos, sobre todo de pianos que sustituyeron gradualmente a los clavicémbalos.
Fueron características de la
época: el uso de la textura homofónica (melodía con acompañamiento), el
balance, el equilibrio, la simplicidad, la belleza y el predominio de la línea
melódica. En la orquesta se agregó la sección de vientos de madera y se retiró
el clavecín; mientras que en la forma concierto, el solista adquirió mayor
importancia. Antes de finalizar el primer y/o tercer movimiento, usualmente, se
presentaba una sección de música llamada cadenza, que sugiere que el movimiento
va a terminar. En ella, el solista hace un brillante y decorado resumen de las
ideas musicales expuestas anteriormente. Era común que el mismo intérprete
escribiese su propia cadenza. Haydn y Mozart fueron dos músicos notables de
este periodo, seguidos posteriormente por Beethoven. Haydn fue uno de los
grandes revolucionarios, aportó avances en la estructura y en la forma, en la
armonía y en la melodía. Le gustaba experimentar y sorprender a su audiencia
con lo inesperado, como un súbito cambio de tonalidad.
Mozart fue un niño prodigio,
quien se desarrolló como un brillante compositor con gran facilidad. “Nadie ha
dedicado tanto cuidado al estudio de la composición como yo lo hago”, dijo a su
padre. Su música combina deslumbrantes melodías con profundidad emocional. A
diferencia de Haydn, Mozart se obsesionó con la perfección simétrica.
Por su parte, Beethoven,
compositor alemán, fue un excéntrico genio atormentado. Se aisló del mundo
debido a su sordera. Utilizó las formas que Haydn, Mozart y otros músicos desarrollaron,
combinándolas con su auténtica y poderosa musicalidad. Todo ello dio como
resultado una música que, además de ser popular, era profunda. Beethoven abrió
las puertas al Romanticismo.
La ópera, principalmente la
italiana, decae y se inicia un proceso de identidad nacional con óperas en
lengua alemana, francesa, rusa e inglesa. Se establece la diferencia entre la
ópera trágica y la ópera bufa. Mozart hizo que la música fuese el elemento más
importante, permitiendo la evolución de sus personajes en el escenario y
aportando situaciones de la vida cotidiana. La Flauta Mágica, una de sus
óperas, es una de las más conocidas que se hayan escrito.
ROMANTICISMO
“Lo que hay en mi corazón debe
salir y por eso lo escribo”, dijo Beethoven, declarándose, así como el primer
músico romántico. El Romanticismo comprende casi todo el siglo XIX, o sea,
desde 1820 hasta 1900, época cuando las emociones fluían. En cierto modo, fue
una rebelión en contra del Neoclasicismo del siglo XVIII y de la era de la
razón. Los escritores se apartaron de los esquemas convencionales y pusieron
énfasis en la libertad de expresión. Fue un movimiento internacional que
influenció en todas las artes, en que la subjetividad emocional fue la cualidad
básica. El Romanticismo tenía como precepto que en el mundo existían realidades
inevitables que solo se podían captar mediante la emoción, el sentimiento y la
intuición. La música intentaba expresar estas emociones y describir esas
verdades más profundas. Los compositores utilizaron las formas musicales del
periodo anterior y la tonalidad para expresar sus sentimientos.
Además, fue un tiempo de contrastes. Schumann y Chopin
escribieron bellísimas piezas cortas para piano, mientras que Mahler y Bruckner
escribieron sinfonías de una hora de duración, aproximadamente. Tchaikovsky,
quien tuvo una vida difícil, escribió magnífica música para ballet, al mismo
tiempo que lúgubres sinfonías. Asimismo, Sibelius basó sus composiciones en la música
tradicional de Finlandia. Cabe mencionar la importancia de la música de
Rachmaninov, cuyas expresivas sinfonías son muy usadas en el cine.
Wagner escribió su gran drama
musical, El anillo de los Nibelungos, de aproximadamente 16 horas de duración;
el cual narra la fortuna de Sigfrido y Brunilda en la fantasiosa tierra del
Rin. Por otra parte, la música empezó a conectarse con la política: Wagner,
quien era antisemita, que muy requerido por las máximas figuras nazis de
Alemania.
Verdi, autor de las célebres
óperas Rigoletto, La fuerza del destino y Aida, se vio involucrado con la
política, ya que vivió durante la dictadura posnapoleónica.
Puccini, su compañero y compatriota,
fue el maestro del melodrama; sus óperas contienen algunas de las más bellas y
memorables melodías vocales de todos los tiempos.
LOS SIGLOS XX Y XXI
La música se divide en dos etapas: la música moderna,
que va de 1900 a 1945, y la música contemporánea, desde 1946 hasta la
actualidad. Los músicos siempre buscan nuevas sonoridades, así tenemos
diferentes corrientes o tendencias que se dieron y se siguen dando en este
periodo:
El expresionismo trajo como
consecuencia que los compositores elaboraran diferentes sistemas para componer.
Tenemos así:
■ La atonalidad, sistema
contrario al de la tonalidad; es decir, no tiene un centro de atracción común
como se veía en las épocas anteriores.
Relación sin referencia a la
escala diatónica; su fi n es la melodía (fuerza generadora). Favorece las
formaciones disonantes (estridentes).
■ El dodecafonismo, es una
forma de música que establece nuevas relaciones entre los sonidos; esto es,
trabaja con una serie o planteamiento de doce notas de una escala cromática,
sin establecer ninguna jerarquía entre ellas. Contraria a la música tonal, como
también al caos que generó la atonalidad, trajo como consecuencia la independencia
entre cada sonido. Su inventor fue el vienés Arnold Schöenberg (1874-1951), miembro
de la Escuela de Viena, quien en 1912 compuso Pierrot Lunaire. Fueron sus
discípulos: Alban Berg (1885-1935), creador de las óperas Lulú y Wozzeck, y
Anton Webern (1833-1945). El desarrollo de los medios de comunicación, gracias
a los avances tecnológicos, posibilitó no solo la producción de nuevas fuentes
sonoras, sino también, la rápida difusión de cualquier innovación, como de
nuevos movimientos musicales, entre ellos destacan:
El minimalismo. Apareció en
Estados Unidos en la década de 1960, partió como una reacción constante al laberinto
de la música serial y al lúdico método de la música aleatoria. Se caracteriza
por trabajar con pocos elementos; fue impulsado por el movimiento Fluxus, el rock,
las ragas, polirritmias del norte de África, entre otros. Insistente repetición
de motivos melódicos cortos, con una actitud musical muy meditativa.
■ La simbología musical. A
mediados de la década de 1960, muchos compositores vieron necesario inventar sus
propios símbolos para sus obras, como citar fragmentos de obras de épocas
anteriores (collage). Su exponente principal es George Crumb (n. 1929), autor
de Voces Ancestrales de Niños (1970).
DOCEAVA ACTIVIDAD
Luego de leer la historia de la música, en una hoja Bond o Word elabore una linea de tiempo resumiendo las principales características, compositores y obras de cada periodo musical, recuerde que una vez terminado su trabajo deben colocarlo en su portafolio virtual de arte para su revisión de acuerdo a las fechas programadas, recuerda enviar tu portafolio del segundo bimestre completo ya que se evalúa el proceso de aprendizaje no el producto, en el formato pdf usando la orientación vertical.
COMPOSITORES DE MÚSICA CLÁSICA
CLAUDIO MONTEVERDI
Si bien la historia de la
música se remonta a las tribus prehistóricas, comenzamos nuestro recorrido
por el Renacimiento (finales del siglo XIV – siglo XVII). Fue
entonces cuando los compositores de música clásica pudieron por fin imprimir
sus obras. La imprenta de Gutenberg (1450) contribuyó a la difusión
musical. En esta época, además, nacen los primeros sistemas de afinación
de instrumentos y se comienza a alterar las notas con sostenidos, bemoles y
becuadros, buscando una mayor expresividad.
Hay varias escuelas musicales
renacentistas: la franco-flamenca, la inglesa, la alemana, la española… Y sobre
todo, la italiana, que destaca por Giovanni Pierluigi da Palestrina y
por Claudio Monteverdi.
Monteverdi es un compositor de
música clásica clave en la transición entre el Renacimiento y el Barroco
musical. Son famosos sus madrigales (piezas musicales de tres a seis voces que
cuentan una historia laica), así como L‘Orfeo, que se considera la primera
ópera de la historia.
GEORGE FREDERIC HAENDEL
La característica principal de
la música barroca (de 1600 a 1750) es el contraste: se busca la oposición
en el ritmo, en los matices, en la sonoridad, en los instrumentos, etc. Además,
en esta
época surge la orquesta (que de momento es aun pequeña) con instrumentos
agrupados por familias: cuerda, viento y a veces percusión.
Friedrich Haendel es uno de
los más importantes compositores de música clásica de esta etapa. Alemán
nacionalizado inglés, Haendel comienza escribiendo óperas en italiano, sin
éxito. Sin embargo, se da cuenta de que en inglés sí que funcionan, así que
dedica su carrera a obras instrumentales y vocales en este idioma. Ponía música
a los grandes eventos de la corte, por ejemplo la Música acuática,
compuesta para los paseos en barco por el Támesis del rey Jorge I.
Su obra más famosa es El
Mesías, una de las piezas fundamentales de la música sacra de todos los
tiempos.
ANTONIO LUCIO VIVALDI
Vivaldi nació en una familia
de músicos, y comenzó a estudiar en la escuela de San Marcos de Venecia. Para
seguir su vocación musical, se ordenó sacerdote, por lo que se ganó el apodo de
“el cura rojo”, ya que era pelirrojo. Sin embargo, el compositor y músico
italiano ofició pocas misas y demostraba escaso interés por la vida religiosa.
Por el contrario, Antonio
Vivaldi es uno de los compositores de música clásica más prolíficos, ya que
compuso más de 700 obras, entre ellas 46 óperas y más de 400
conciertos. El más famoso es el Concierto opus 8, RV 269, 315, 293,
294: en otras palabras, Las cuatro estaciones. En realidad son cuatro
conciertos, con una intención claramente pictórica: cada instrumento representa
algo descriptivo del paisaje, arroyos, pájaros, fuegos, etc.
JOHANN SEBASTIAN BACH
Considerado por muchos como el
más grande de los compositores de música clásica de todos los tiempos, la
carrera de Bach puede dividirse en varias etapas. Se corresponden con las
ciudades donde vivió: Arnstadt (1703-1707); Mülhausen (1707-1708); Weimar
(1708-1717); Köthen (1717-1723) y Leipzig (1723-1750).
Su periodo en Köthen fue uno
de los más fértiles musicalmente hablando: de esta época son sus dos conciertos
para violín y los seis Conciertos de Brandenburgo. Sin embargo, sus obras
más conocidas son de la época de Leipzig. Se trata de sus
dos Pasiones (Pasión según San Mateo y Pasión según San
Juan), la Misa en si menor y el Oratorio de Navidad.
Tal es su importancia en la
historia, que se considera que con la muerte de Johann Sebastian en 1750
finalizó la era Barroca en la música.
JOSEPH HAYDN
El Clasicismo musical coincide
con la época de la Ilustración. Con la Revolución Francesa, los ideales de
igualdad, libertad y fraternidad se aplican a la música. El arte y la
enseñanza se popularizan, y la música busca ser un lenguaje universal,
accesible para todos. Se dejan atrás las florituras y artificios del barroco.
Lo fundamental es que la música clásica sea agradable, que ‘entre por el oído’.
El austríaco Haydn es uno de
los compositores de música clásica más influyentes en el desarrollo de la
música clasicista. Con 27 años compuso sus primeros cuartetos de cuerda,
por los que se hizo famoso. El propio compositor reconoció la supremacía
de su amigo Mozart; pero Haydn hizo grandes aportaciones al desarrollo de la
sinfonía. A partir de entonces, esta comenzó a estructurarse en cuatro
movimientos.
Wolfang Amadeus Mozart (1756 –
1791). Clasicismo
Amadeus Mozart fue un
niño prodigio que a los seis años ya era un intérprete avanzado de violín, pero
tuvo una vida corta y llena de penurias económicas.
A pesar de todo, en sus 35
años de vida, este genio de la música compuso más de 600 piezas. Su obra
abarca todos los géneros: sinfonías, divertimentos, sonatas, música de cámara,
conciertos, opera y música de iglesia. Su última composición,
una Misa de Réquiem, quedó inacabada, pues una dolencia renal acabó con la
vida de Wolfang Amadeus en 1791. Solo unos pocos amigos fueron al funeral de
Mozart, quien, sin embargo, ejerció una gran influencia en los compositores de
música clásica posteriores.
Ludwig van Beethoven (1770 –
1827). Inicios del Romanticismo.
El Romanticismo musical
comienza en 1800, con la 1ª Sinfonía de Ludwig van Beethoven. En
esta época, se defiende la libertad creadora del artista. Beethoven será
considerado el primer artista independiente. Ya no se apela a la razón, sino al
sentimiento. La música se convierte en un lenguaje que intenta expresar aquello
que no se puede explicar con palabras. Cada autor romántico tiene su estilo
personal, subjetivo.
Beethoven estudió con Joseph
Haydn, y aunque decía no haber aprendido nada de él, asimiló enseguida el
clasicismo vienés. Poco a poco, fue creando su propio lenguaje, en todos los
géneros musicales.
La mayoría de las obras más
conocidas de Beethoven pertenecen a su primera etapa, la llamada ‘década
heroica’. Sin embargo, la sordera del músico hizo que se aislara de la
sociedad justo cuando su fama alcanzó su punto culminante, y desde 1818, su
música quedó relegada a un pequeño grupo de expertos, salvo por los estrenos de
la sinfonía n 9 y la Missa Solemnis.
FREDERIC FRANCOIS CHOPIN
La construcción y ampliación
del piano cambió el rumbo de la historia de la música clásica. El piano ganó en
matices y en volumen. Y si hay un compositor famoso por su virtuosismo al
piano, ese es Frédéric Chopin.
Su primera obra para piano la
compuso con tan solo siete años, aunque tuvo que ser su padre quien escribiera
la partitura. Con ocho años ya era considerado un niño prodigio, y daba
conciertos ante los aristócratas.
Chopin es un exponente
fundamental del Romanticismo pleno (el que se desarrolló entre 1830 y 1850),
por su azarosa vida personal y, musicalmente, por su uso de las formas del
folclore popular.
Wilhelm Richard Wagner.
Con el Romanticismo llegando a
su fin, los compositores de música clásica buscan un lenguaje único. Usan las
sonoridades de una manera más libre.
Richard Wagner se caracterizó
por el uso de cromatismos (es decir, de notas intermedias en la
escala). Así conseguía dar mayor expresividad a sus obras, sobre todo
a sus óperas (que él llamaba “dramas musicales”). En ellas, cada personaje
tenía una tonalidad distinta. La música estaba al servicio de la expresión
dramática.
Wagner buscaba que todas las
artes dentro de una ópera tuvieran la misma importancia (música,
vestuario, coreografía, libreto…). Él mismo escribió el libreto y diseñó
la escenografía de, entre otras, El anillo de los Nibelungos o Tristán
e Isolda.
La lista seria larga pero nos centraremos en los compositores señalados a continuación
George Bizet
Johannes Brahms
Igor Stravinsky
Peter Ilyich Tchaikovsky
Giussepe Verdi
Johannes Brahms
Antonin Dvorak
Joaquin Rodrigo
Maurice Ravel
Giacomo Puccini
Johann Strauss
Rimsy korsacov
Felix Mendelssohn
Gioachino Rossini
Manuel de Falla
Cada uno de ellos tiene una o muchas obras de gran calidad artística que la gente disfruta escucharlas y muy conocidas ahora nos toca ubicaras en su contexto histórico para comprender la evolución o el aporte que cada uno de ellos dio a la música en su tiempo pero que trascendió hasta la actualidad
TRECEAVA ACTIVIDAD
TRECEAVA ACTIVIDAD
Luego de desarrollar el tema van a elaborar una infografía de un compositor de música clásica, el trabajo debe contener biografía obras y características de su estilo, recuerde que una vez terminado su trabajo deben colocarlo en su portafolio virtual de arte para su revisión de acuerdo a las fechas programadas
EL REPERTORIO MUSICAL
Repertorio es un concepto que tiene origen en el
vocablo latino repertorĭum. Este es un término latino que significa “conjunto
de obras” En el campo teatral y musical, el término repertorio alude a un grupo
de textos comúnmente representados en teatros y salas de conciertos o bien
interpretados por un determinado intérprete, y pueden por tanto hacer
referencia:
EL PROYECTO ARTISTICO
Como ya sabemos una de nuestras competencias del área es la elaboración de proyectos en esta oportunidad vamos a imaginar un proyecto artístico para la especialidad de música, recordemos que este lenguaje artístico puede manifestarse de distintas formas, como la interpretación instrumental y vocal de forma individual o grupal, la composición de temas musicales de diferentes géneros, la elaboración de instrumentos formales (los luthieres) o creativos usando material reciclado, también se podrían incluir la organización de festivales concursos o talleres de enseñanza musical, entre otros ya que esta queda a nuestra imaginación, lo que debemos tener en claro que este documento es una planificación del trabajo necesario para el cumplimiento del objetivo.
Es un trabajo mental teórico, no se puede iniciar alguna actividad sin haberlo concluido, presentado y aprobado por la autoridad competente.
Es un documento formal debe seguir todas las pautas APA de márgenes tipo de letra espaciamiento y redacción argumentativa en su elaboración, no se explican las técnicas o procedimientos de elaboración, (no es un tutorial) puede llevar imágenes planos esquemas para ayudar a su comprensión.
recordemos que la fundamentación es lo mas importante, el porque es necesario que se realice el proyecto, no debe ser muy extensa pero debe ser persuasiva y con argumentos validos , debe mencionar lo beneficios que traerá su ejecución.
el objetivo debe ser claro y concreto debe poder evaluarse, no añadir mas de 2 objetivos secundarios y de preferencia no se mencione el aspecto económico solo la parte artística.
el procedimiento es un cronograma de actividades del inicio o presentación del proyecto hasta su evaluación de termino del proyecto no olvidar colocar los tiempos totales de ejecución.
en los costos y servicios colocar cantidades y precios los mas cercanos a la realidad, en algunos casos se debe considerar posibles cambios por inflación, no olvida colocar el costo total del proyecto
En la evaluación debe colocarse los criterios para una calificación del producto artístico y un instrumento para la evaluación de proceso ya que este debe ser supervisado durante su ejecución para evitar errores o retrasos.
TITULO
CORO MONTSERRATINO 2020
DATOS INFORMATIVOS
Profesora Lourdes La Rosa Collantes FUNDAMENTOS
Dentro del objetivo primordial de nuestra institución educativa como es brindar una educación integral y de calidad, y siendo las artes un área tan importante en la formación espiritual de los estudiantes, es que proponemos la continuación del coro escolar con los estudiantes de primero, segundo y tercer año, ésta actividad iniciada hace 3 años brindó numerosas presentaciones en las actividades religiosas y culturales del colegio.
Cabe destacar que la música coral es una actividad promovida por el Padre Serpa, muy vinculada a la historia de nuestro colegio desde su fundación, así como también ésta actividad va a desarrollar en los estudiantes diferentes capacidades como la responsabilidad, el trabajo en equipo, sensibilidad a las manifestaciones artísticas, la técnica vocal, dicción, memoria musical, así como la interpretación vocal.
Este proyecto permitirá tener un grupo de estudiantes que participen en las diferentes actividades internas del colegio, así como representarnos en eventos culturales a nivel local.
El repertorio que se abordará es la música popular peruana, latinoamericana, universal y de corte religioso, adaptado a la tesitura de los estudiantes.
Esperamos desarrollar con el proyecto coro, las potencialidades expresivas de los estudiantes a través del canto, formar la disciplina tanto a nivel personal como de trabajo en equipo para alcanzar un nivel musical coral adecuado.
OBJETIVOS
Objetivo principal
Formar un grupo coral de nivel competitivo que represente a nuestra institución en actividades internas y externas de nivel local
Objetivos secundarios
1. Enriquecer su vivencia estética musical de los estudiantes a través de la interpretación coral.
2. Fortalecer su identidad cultural mediante el conocimiento de las diversas manifestaciones culturales de su entorno.
3. Crear un espacio donde se pueda realizar una educación mutua en valores a través de la participación de toda la comunidad en un proyecto coral escolar.
4. Fomentar la práctica de valores cristianos, a través de la reflexión y vivencia de los mismos, para crear actitudes que contribuyan a actuar con responsabilidad y lograr una mejor convivencia.
PROCEDIMIENTOS
Este proyecto consta de 5 etapas, las mismas que encierran una serie de actividades que se llevarán a cabo en forma secuencial y coordinada, favoreciendo el logro de los objetivos trazados.
1 PRIMERA ETAPA:
- Aprobación del proyecto y determinación del horario, ubicación y equipamiento básico
- Selección de los alumnos de primero, segundo y tercero dentro de las clases de arte como integrantes de base del coro
- Solicitar la autorización y apoyo de los padres de familia
- Convocar a los alumnos con interés en la música de otros grados a integrarse al coro
2 SEGUNDA ETAPA:
· Implementar la logística necesaria para los ensayos
· Elaborar un programa de actividades y horario de ensayos
· Inicio de los ensayos con el desarrollo de los fundamentos teóricos y técnicas básicas de respiración e Impostación vocal.
3 TERCERA ETAPA:
· Elaborar una ficha de observación para monitorear el trabajo de los alumnos.
· Seleccionar canciones corales para el repertorio
4 CUARTA ETAPA:
· Coordinar un horario de ensayos semanales (2 veces por semana)
· Coordinar las presentaciones corales tanto a nivel interno como externo.
· Buscar auspicios para el uniforme del coro institucional
5 QUINTA ETAPA:
· Presentaciones en fechas cívicas y actividades institucionales.
RECURSOS Y MATERIALES
- Docente y estudiantes de primero y segundo
- Órgano electrónico, Equipo de sonido
- Sillas, agua, folders para las partituras
- Partituras fotocopiadas.
- 20 ponchos azules para uniforme institucional
EVALUACIÓN
La evaluación se contempla como un proceso permanente y continuo durante el desarrollo del proyecto, con la utilización de instrumentos que evaluarán los siguientes aspectos:
· Participación activa de los alumnos
· Nivel de logro técnico (empaste, vocalización, uso de la polifonía )
· El producto final será el concierto coral (grabación en vídeo)
· Satisfacción del publico (encuesta)
· Organización logística en el desarrollo del proyecto. (auditorio, folders, órgano)
Excelente | bueno | regular | malo | Obs. | |
Participación de los alumnos | |||||
Nivel técnico alcanzado por el coro | |||||
Organización logística del coro | |||||
Satisfacción del publico |
https://www.youtube.com/watch?v=7AOnZb7ZlJI
https://www.youtube.com/watch?v=qZsZkfvHHWg
https://www.youtube.com/watch?v=ncD2xjg71tw
https://www.youtube.com/watch?v=Uxs5O6hMBvg
https://www.youtube.com/watch?v=g3N-vtknJG8
CARTORCEAVA ACTIVIDAD
En hoja Bond o Word van a elaborar un proyecto artístico de la especialidad de música, el trabajo debe seguir el formato que ya conocen, proponer una actividad o producto relacionado a esta especialidad artística, al terminar lo colocaran en el portafolio virtual de arte para su revisión de acuerdo a lo programado, se insiste en la necesidad de presentar su portafolio completo del 2 bimestre en el formato pdf, en sentido vertical y recordando a los alumnos que se evalúa el proceso de aprendizaje, como va evolucionando su trabajo de la 1 actividad hasta la ultima del bimestre, recuerden responder las preguntas de retroalimentación ¿Qué tan importante consideras que será su proyecto musical? Porque ¿Qué hemos aprendido el día de hoy? ¿Cómo hemos aprendido?-¿Qué dificultades hemos tenido al realizar la actividad? ¿Cómo las superamos.
Repertorio es un concepto que tiene origen en el
vocablo latino repertorĭum. Este es un término latino que significa “conjunto
de obras” En el campo teatral y musical, el término repertorio alude a un grupo
de textos comúnmente representados en teatros y salas de conciertos o bien
interpretados por un determinado intérprete, y pueden por tanto hacer
referencia:
a un repertorio operístico, conjunto de óperas que
suelen representarse con cierta regularidad en un teatro de ópera;
a un repertorio coral, conjunto de obras de canto
interpretadas habitualmente en una época
a un repertorio teatral, textos representados habitualmente
en un teatro o por un artista;
a un repertorio de canciones, es una lista de
canciones, interpretadas por diferentes o varios cantantes solistas e grupos
musicales;
Un repertorio de canciones, repertorio musical o
set de canciones (setlist en inglés) es una lista de canciones para una
presentación que enumera el orden de canciones, chistes, historias u otros
elementos de interpretación que un artista intenta reproducir, o tiene
planeado, durante un concierto específico.
Los artistas usan repertorios de canciones por una
variedad de razones más allá de ser solo un recordatorio del orden en que se
tocará su material durante una presentación. Se usan con mayor frecuencia para
ayudar al cantante o la banda a crear el ambiente general de un concierto en
vivo al permitirles crear una sensación memorable de extensión y variedad en el
tono, el tempo y la dinámica dentro de su interpretación, que a menudo es un
factor al crear grandes espectáculos.
Recordemos términos básicos
1.- Intérprete:
Es aquel
músico que ejecuta un instrumento, instrumentista o canta una canción cantante,
Si además de interpretar la música compone la misma se lo puede denominar como
cantautor. Un intérprete resulta ser un intermediario entre la música y el
oyente.
2.- Compositor:
es aquella
persona con la capacidad de hacer composiciones musicales. Es el que
sabe escribir composiciones musicales según las reglas del arte,
donde básicamente organiza una serie de sonidos solos o agrupados en forma de
acordes teniendo como base los parámetros de la teoría.
3.-Cantautor:
es aquel que
canta, y les pone música a sus propias creaciones. Reúne las cualidades de
poeta, músico y cantante, o sea una gran capacidad de expresar en bellas o
impactantes palabras, sentimientos o hechos, y, a la vez, posee conocimientos
musicales y una voz privilegiada y educada para el canto.
Los
cantautores, que frecuentemente son solistas, pueden elegir temáticas variadas
en sus repertorios. Puede tratarse de temas románticos, de protesta social, o
filosóficos.
Para conocer bien
la música hay que hacer un análisis musical de la pieza, conocer la
forma, acordes, como está construida, etc. Conocer del autor. Quién fue,
porque la escribió, en qué momento de su vida saber
el significado preciso de todas las palabras usadas en la
canción, así como el contexto en el que están dichas.
Saber
la historia del género o estilo musical encontrar
las emociones que destacan en la pieza vivir y sentir como si
fuera en carne propia, las emociones y situaciones que describe la pieza, conectar las
emociones y situaciones de la pieza con las propias trasladar
las emociones al cuerpo para así mostrarlas al público convencerte de
lo que estás diciendo y/o cantando
EL REPERTORIO MONTSERRATINO
En este sentido los alumnos del colegio Montserrat deben tener un repertorio musical propio compuesto de música religiosa con la que acompañamos las misas los triduos y procesiones (María mírame, el profeta, ), música criolla por pertenecer al centro de lima al barrio de Montserrat que tradicionalmente es un baluarte del genero criollo(los temas de polo Campos o Chabuca Granda) del vals criollo y la música cívica que usamos en las ceremonias cívicas patrióticas (Himno nacional, Himno del colegio, Gigantes del Cenepa ) así será necesario que cada alumno escriba y memorice las letras de estas canciones, ya que poco a poco se ira aumentando nuestro repertorio
https://www.youtube.com/watch?v=XVBRsbjCuFg
MARÍA MÍRAME
CORO
María mírame, María mírame, Si tú me miras Él también me mirará, Madre mía mírame, de la mano llévame, muy cerca de El ahí me quiero quedar.
I
María cúbreme con tu manto, que tengo miedo no sé rezar, que por tus ojos misericordiosos, tendré la fuerza tendré la paz.
CORO
María mírame, María mírame, Si tú me miras Él también me mirará, Madre mía mírame, de la mano llévame, muy cerca de El ahí me quiero quedar.
II
María consuélame de mis penas, es que no quiero ofenderle más, que por tus ojos misericordiosos
Quiero ir al cielo y verlos ya
CORO
María mírame, María mírame, Si tú me miras Él también me mirará, Madre mía mírame, de la mano llévame, muy cerca de El ahí me quiero quedar.
María mírame, María mírame, Si tú me miras, Él también me mirará, Madre mía mírame,…mírame de la mano llévame…llévame, muy cerca de Él que ahí me quiero quedar.
En tus brazos quiero….quiero…..descansar
Jesucristo, Jesucristo, Jesucristo
Yo estoy aquí!
Jesucristo, Jesucristo, Jesucristo
Yo estoy aquí!
Jesucristo, Jesucristo, Jesucristo
Yo estoy aquí!
1.-Miro al cielo y veo
una nube blanca que está pasando
miro a la tierra
y veo una multitud que está caminando
como esa nube blanca
esa gente no sabe a dónde va
quien les podrá decir el camino cierto
es nuestro Señor!!
Jesucristo, Jesucristo, Jesucristo
Yo estoy aquí!
Jesucristo, Jesucristo, Jesucristo
Yo estoy aquí!
Yo estoy aquí!
Jesucristo, Jesucristo, Jesucristo
Yo estoy aquí!
Jesucristo, Jesucristo, Jesucristo
Yo estoy aquí!
1.-Miro al cielo y veo
una nube blanca que está pasando
miro a la tierra
y veo una multitud que está caminando
como esa nube blanca
esa gente no sabe a dónde va
quien les podrá decir el camino cierto
es nuestro Señor!!
Jesucristo, Jesucristo, Jesucristo
Yo estoy aquí!
Jesucristo, Jesucristo, Jesucristo
Yo estoy aquí!
Jesucristo, Jesucristo, Jesucristo
Yo estoy aquí!
Yo estoy aquí!
2.- Toda esa multitud en el pecho
lleva el amor y paz
y a pesar de todo
la esperanza aumenta más
mirando la flor que nace
en el suelo de aquel que tiene amor!
Miro al cielo y siento aumentar
la fe en mi Salvador!!
lleva el amor y paz
y a pesar de todo
la esperanza aumenta más
mirando la flor que nace
en el suelo de aquel que tiene amor!
Miro al cielo y siento aumentar
la fe en mi Salvador!!
Jesucristo, Jesucristo, Jesucristo
Yo estoy aquí!
Jesucristo, Jesucristo, Jesucristo
Yo estoy aquí!
Yo estoy aquí!
Jesucristo, Jesucristo, Jesucristo
Yo estoy aquí!
Jesucristo, Jesucristo, Jesucristo
Yo estoy aquí!
3.- En cada esquina veo
el mirar perdido de un hermano
en busca del mismo viento
una misma fe viene caminando
Es mi deseo ver aumentando
siempre esa procesión
para que todos canten
en una voz
Esta oración!!
Jesucristo, Jesucristo, Jesucristo
Yo estoy aquí!
Jesucristo, Jesucristo, Jesucristo
Yo estoy aquí!
Jesucristo, Jesucristo, Jesucristo
Yo estoy aquí!
Jesucristo, Jesucristo, Jesucristo
Yo estoy aquí!
Jesucristo, Jesucristo, Jesucristo
Yo estoy aquí!
Jesucristo, Jesucristo, Jesucristo
Yo estoy aquí!
Yo estoy aquí!
3.- En cada esquina veo
el mirar perdido de un hermano
en busca del mismo viento
una misma fe viene caminando
Es mi deseo ver aumentando
siempre esa procesión
para que todos canten
en una voz
Esta oración!!
Jesucristo, Jesucristo, Jesucristo
Yo estoy aquí!
Jesucristo, Jesucristo, Jesucristo
Yo estoy aquí!
Jesucristo, Jesucristo, Jesucristo
Yo estoy aquí!
Jesucristo, Jesucristo, Jesucristo
Yo estoy aquí!
Jesucristo, Jesucristo, Jesucristo
Yo estoy aquí!
Jesucristo, Jesucristo, Jesucristo
Yo estoy aquí!
EL PROFETA
Antes que te formaras dentro del vientre de tu madre
Antes que tú nacieras te conocía y te consagré
Para ser mi profeta de las naciones yo te escogí
Irás donde te envíe, lo que te mande proclamarás
Tengo que gritar, tengo que arriesgar, ay de mí si no lo hago
Cómo escapar de ti, cómo no hablar si tu voz me quema dentro
Tengo que hablar, tengo que luchar, ay de mí si no lo hago
Cómo escapar de ti, cómo no hablar si tu voz me quema dentro
No temas arriesgarte, porque contigo yo estaré
No temas anunciarme, porque en tu boca yo hablaré
Te encargo hoy mi pueblo para arrancar y derribar
Para edificar, destruirás y plantarás
Tengo que gritar, tengo que arriesgar, ay de mí si no lo hago
Cómo escapar de ti, cómo no hablar si tu voz me quema dentro
Tengo que hablar, tengo que luchar, ay de mí si no lo hago
Cómo escapar de ti, cómo no hablar si tu voz me quema dentro
Deja a tus hermanos, deja a tu padre y a tu madre
Abandona tu casa porque la tierra gritando está
Nada traigas contigo porque a tu lado yo estaré
Es hora de luchar porque mi pueblo sufriendo está
Tengo que gritar, tengo que arriesgar, ay de mí si no lo hago
Cómo escapar de ti, cómo no hablar si tu voz me quema dentro
Tengo que hablar, tengo que luchar, ay de mí si no lo hago
Cómo escapar de ti, cómo no hablar si tu voz me quema dentro
EL HIMNO NACIONAL DEL PERÚ (QUECHUA)
CORO
QISPICHISQAM KANCHIS
WIÑAYPAQ KANANCHIS WIÑAYPAQ
ÑAWPAQTAQA KANCHANTA,
PAKACHUN, KANCHANTA INTI
PISISUN WILLKACHASQA MUNAYMAN
HANAQCHAN LLAQTANCHISMI WIÑAYMAN
PISISUN WILLKACHASQA MUNAYMAN
HANAQCHAN LLAQTANCHIS WIÑAYMAN
PISISUN WILLKACHASQA MUNAYMAN
HANAQCHAN LLAQTANCHIS WIÑAYMAN
ESTROFA
ÑAUCHILLANPI ANTI ORQO HAPICHUN
PUKA, YURAQ UNANCHANCHISTA,
KALLPASQATA QAYAMAN WILLACHUN
WIÑAYPAQÑAN, WIÑAYPAQÑAN
WIÑAYPAQÑAN QESPIYQA QOSQA.
LLANTULLANPI KAWSASUN THAQ NISQA,
ORQOMANTA INTI PAQARPITAQ
HATUN SULLULLCHAYTA YUPAPASUN
CHASKICHUNTAQ JACOBPA APUN.
CHASKICHUNTAQ JACOBPA APUN
GIGANTES DEL CENEPA
¡Victoria! ¡Victoria! A los guerreros de nuestro Perú
Que ofrendaron su sangre y la vida En defensa de su integridad
¡Victoria! ¡Victoria! Para la amada y hermosa nación
Por la grandeza de la raza Inca y La nobleza de su corazón
Gloria eterna a los defensores Que volaron a la eternidad
En las alas de la roja y blanca Cual flamencos del sueño inmortal
Sobre la sangre de los que cayeron Al final de la lucha tenaz
Ojala que germine en el mundo La semilla de unión y de paz
¡Victoria! ¡Victoria! Y a sus gigantes del Cenepa
Defender nuestra soberanía Con gratitud, heroísmo y valor
¡Victoria! ¡Victoria! Del soldado peruano en acción
De un pueblo y su fuerza armada Siempre unidos Siempre alertas
Para arrojar a cualquier invasor ¡Victoria! ¡Victoria! ¡Por la gloria del Perú!
¡Viva el Perú!
Marcha de Banderas del Perú
Arriba, arriba, arriba el Perú
y su enseña gloriosa e inmortal,
llevad en alto siempre la Bandera Nacional,
Tal la llevaron con gloria y honor,
héroes peruanos de invencible ardor.
Arriba, arriba siempre, la Bandera Nacional.
Es la Bandera del Perú,
de blanco y rojo color,
cual la llamarada de amor,
que en Ayacucho y Junín
victoriosa amaneció
con el sol de la Libertad.
Todo peruano ha de sentir
vibrar en su corazón
amor al patrio pendón
y bajo sus pliegues luchar
y si fuera menester
por sus lauros y honor morir.
EL PLEBEYO
La noche cubre ya Con su negro crespón
De la ciudad las calles Que cruzan las gentes
Con pausada acción;
La luz artificial Con débil proyección
Que esconde en su sombra Venganza y traición.
Después de laborar Vuelve a su humilde hogar
Luis Enrique el plebeyo, El hijo del pueblo
El hombre que supo amar Y que sufriendo está
Esa infamante ley De amar a una aristócrata
Siendo plebeyo él.
Trémulo de emoción Dice así en su canción:
El amor siendo humano Tiene algo de divino,
Amar no es un delito Porque hasta Dios amó,
Y si el cariño es puro Y el deseo sincero,
¿Por qué robarme quieren la fe del corazón?
Mi sangre aunque plebeya También tiñe de rojo
El alma en que se anida Mi incomparable amor.
Ella de noble cuna Y yo humilde plebeyo
No es distinta la sangre Ni es otro el corazón.
¡Señor! ¿Por qué los seres no son de igual valor?
Así en duelo mortal Abolengo y pasión,
En silenciosa lucha Condenarnos suelen
A grande dolor; Al ver que un querer
Porque plebeyo es Delinque si pretende
La enguantada mano De fina mujer.
El corazón que ve Destruido su ideal
Reacciona y se refleja En franca rebeldía
Que cambia su humilde faz;
El plebeyo de ayer Es el rebelde hoy
Que por doquier pregona La igualdad en el amor.
Mi Perú
Tengo el orgullo de ser peruano y soy feliz
Y haber nacido en esta hermosa tierra del sol
Donde el indómito inca prefiriendo morir
Legó a su raza la gran herencia de su valor
Ricas montañas (ricas montañas), hermosas tierras (hermosas tierras)
Risueñas playas, es mi Perú
Fértiles tierras, cumbres nevadas
Ríos, quebradas, es mi Perú
Así es mi raza, noble y humilde por tradición
Pero es rebelde cuando coartan su libertad
Entonces poniendo alma, mente y corazón
Rompen cadenas aunque la muerte vea llegar
Ricas montañas, hermosas tierras
Risueñas playas, es mi Perú
Fértiles tierras, cumbres nevadas
Ríos, quebradas, es mi Perú
Ricas montañas, hermosas tierras
Risueñas playas, es mi Perú
Fértiles tierras, cumbres nevadas
Ríos, quebradas, es mi Perú
Es mi Perú
CONTIGO PERU
Cuando despiertan mis ojos y veo Que sigo viviendo contigo Perú
Emocionado doy gracias al cielo Por darme la vida contigo Perú
Eres muy grande Y siempre lo seguirás siendo
Emocionado doy gracias al cielo Por darme la vida contigo Perú
Eres muy grande Y siempre lo seguirás siendo
Pues todos estamos contigo Perú Sobre mi pecho
Yo llevo tus colores Y están mis amores contigo Perú
Somos tus hijos Y nos uniremos Y asi triunfaremos contigo Perú
Yo llevo tus colores Y están mis amores contigo Perú
Somos tus hijos Y nos uniremos Y asi triunfaremos contigo Perú
Unida la costa Unida la sierra Unida la selva
Contigo Perú
Unido el trabajo Unido el deporte
Unidos el norte, el centro y el sur
A triunfar Peruanos Que somos hermanos
Que sea la victoria nuestra gran gratitud
Contigo Perú
Unido el trabajo Unido el deporte
Unidos el norte, el centro y el sur
A triunfar Peruanos Que somos hermanos
Que sea la victoria nuestra gran gratitud
Te darte mi vida Y cuando yo muriera
Me uniré en la tierra contigo Contigo Perú
Te daré mi vida Y cuando yo muera me uniré en la tierra
Contigo Perú
Me uniré en la tierra contigo Contigo Perú
Te daré mi vida Y cuando yo muera me uniré en la tierra
Contigo Perú
Unida la costa
Unida la sierra
Unida la…
Unida la sierra
Unida la…
Déjame que te cuente, limeño
Déjame que te diga la gloria
Del ensueño que evoca la memoria
Del viejo puente, del río y la alameda
Déjame que te cuente, limeño
Ahora que aún perfuma el recuerdo
Ahora que aún mece en su sueño
El viejo puente el río y la alameda
Jazmines en el pelo y rosas en la cara
Airosa caminaba la flor de la canela
Derramaba lisura y a su paso dejaba
Aroma de mixtura que en el pecho llevaba
Del puente a la alameda
Menudo pie la lleva
Por la vereda que se estremece
Al ritmo de su cadera
Recogía la risa de la brisa del río
Y al viento la lanzaba del puente a la alameda
Déjame que te cuente, limeño ¡ay!
Deja que te diga moreno mi pensamiento
A ver si así despiertas del sueño
Del sueño que entretiene, moreno
Tus sentimientos
Aspiras de la lisura
Que da la flor de canela
Adornada con jazmines
Matizando tu hermosura
Alfombras de nuevo el puente
Y engalanas la alameda
que el río acompasara tu paso por la vereda
Y recuerda que, jazmines en el pelo y rosas en la cara
Airosa caminaba la flor de la canela
Derramaba lisura y a su paso dejaba
Aroma de mixtura que en el pecho llevaba
Del puente a la alameda
Menudo pie la lleva
Por la vereda que se estremece
Al ritmo de su cadera
Recogía la risa de la brisa del río
Y al viento la lanzaba del puente a la alameda
Cholo soy
Luis Abanto Morales
Cholo soy y no
me compadezcas
Que esas son monedas que no valen nada
Y que dan los blancos como quien da plata
Nosotros los cholos no pedimos nada
Pues faltando todo, todo nos alcanza
Que esas son monedas que no valen nada
Y que dan los blancos como quien da plata
Nosotros los cholos no pedimos nada
Pues faltando todo, todo nos alcanza
Déjame en la
puna, vivir a mis anchas
Trepar por los cerros detrás de mis cabras
Arando la tierra, tejiendo los ponchos, pastando mis llamas
Y echar a los vientos la voz de mi quena
Dices que soy triste
¿Qué quieres que haga?
Trepar por los cerros detrás de mis cabras
Arando la tierra, tejiendo los ponchos, pastando mis llamas
Y echar a los vientos la voz de mi quena
Dices que soy triste
¿Qué quieres que haga?
No dicen ustedes
que el cholo es sin alma
Y que es como piedra, sin voz, sin palabra
Y llora por dentro, sin mostrar las lágrimas
Y que es como piedra, sin voz, sin palabra
Y llora por dentro, sin mostrar las lágrimas
Acaso no fueron
los blancos venidos de España
Que nos dieron muerte por oro y por plata
No hubo un tal Pizarro que mató a Atahualpa
Tras muchas promesas, bonitas y falsas
Que nos dieron muerte por oro y por plata
No hubo un tal Pizarro que mató a Atahualpa
Tras muchas promesas, bonitas y falsas
¿Entonces qué
quieres, qué quieres que haga?
Que me ponga…
Que me ponga…
HIMNO A LA ALEGRIA
Escucha hermano la canción de la alegría
El canto alegre del que espera
Un nuevo día
Ven canta, sueña cantado
Vive soñando el nuevo Sol
En que los hombres
Volverán a ser hermanos
Ven canta, sueña cantado
Vive soñando el nuevo Sol
En que los hombres
Volverán a ser hermanos
Si en tu camino solo existe la tristeza
Y el llanto amargo
De la soledad completa
Ven canta, sueña cantado
Vive soñando el nuevo Sol
En que los hombres
Volverán a ser hermanos
Si es que no encuentras la alegría
En esta tierra
Búscala hermano
Más allá de las estrellas
Ven canta, sueña cantado
Vive soñando el nuevo Sol
En que los hombres
Volverán a ser hermanos
LA APRECIACION MUSICAL
La música como las demás expresiones artísticas el ser humano, se puede aproximar mediante la practica o ejecución, así como de la apreciación estética para esto nos guiaremos de algunas pautas:
PRIMERA se recomienda una escucha libre simplemente para disfrutar la pieza musical, luego una escucha atenta para la descripción, busquemos reconocer instrumentos, ritmos, géneros si es suave o vibrante, de fuerte sonoridad o más bien baja, en realidad lo que debemos reconocer son los elementos o cualidades del sonido.
SEGUNDA debemos buscar relacionarla con lo que ya sabemos quién es su autor, a que genero pertenece, en que año se compuso, toda esta información debe surgir de una investigación bibliográfica o de internet, otra parte del análisis seria describir la forma o estructura compositiva, el uso de los tiempos el ritmo y el tipo de melodía, esta parte si se requiere además de conocimientos musicales cierta experiencia en la identificación auditiva de las mismas.
TERCERA ensayar una interpretación o reflexión creativa o critica de la obra, esta parte está referida a la música clásica llamada también música culta, y es una parte muy subjetiva ya que si bien los grandes compositores pudieron legarnos obras que conmueven nuestra sensibilidad de manera clara e inequívoca hay otras expresiones musicales que no lo hacen de forma clara o que no están hechas para transmitir un mensaje por lo que no habría nada que interpretar
https://www.youtube.com/watch?v=ZX78m85e3io Conceptos basicos
Para apreciar adecuadamente una pieza musical lo primero que debemos tratar de eliminar son las interferencias sonoras, recordemos que la música puede tener fragmentos de muy baja intensidad y si tenemos ruido de fondo no escucharemos la pieza completa.
Esta actividad pretende acercar al alumno al lenguaje de la música para la mejor comprensión de las obras de los diferentes géneros, períodos y compositores.
Se procura, además, dar una visión integral de la música dentro del proceso histórico y cultural.
Para una correcta apreciación musical se debe tener en cuenta
El lenguaje musical
Historia de la música
Crítica musical
Instrumentos musicales
Géneros y formas musicales
GÉNEROS Y FORMAS MUSICALES
arabesco, ballet, cuarteto, divertimento, estudio, fantasía, fuga, impromptu, marcha, minué, nocturno, obertura, pasacalle, pavana, poema sinfónico
arabesco, ballet, cuarteto, divertimento, estudio, fantasía, fuga, impromptu, marcha, minué, nocturno, obertura, pasacalle, pavana, poema sinfónico
Polca, preludio, rapsodia, rondó, scherzo, sinfonía, sonata, sonatina, suite, tocata, trío, vals, variación, zarabanda
VOCALES
Aria, canción, cantata, canto gregoriano, madrigal, misa, motete, opera, duo, villancico, zarzuela, opereta, réquiem, coral, oratorio recitativo
MIXTAS
Aria, balada, canon, elegía, habanera, intermezzo, romanza, serenata
RECONOCIMIENTO DE INSTRUMENTOS MUSICALES
· Viento madera: flautín, flautas, oboes, corno inglés, clarinetes fagots, clarinete bajo contrafagot.
· Viento metal: trompeta, trompas, trombones tenores y bajos, tuba, saxofones.
· Percusión: varía muchísimo dependiendo de la obra, el instrumento principal son los timbales la caja, la marimba, los platillos, el gong o el triángulo entre muchos otros.
· Cuerdas: violines, violas, chelos, contrabajos, también el arpa y el piano.
La apreciación musical al final tiene el objeto que se adquiera y refine el gusto artístico en forma general debemos seguir los siguiente pasos
1.-nombre de la obra
2.- nombre del autor con indicación de su nacionalidad años de vida y contexto histórico
3.-referencia al conjunto de instrumentos con que se toca
4.-referencia a la finalidad de la audición ya sea la observación de instrumentos, voces, o formas musicales
Veamos un ejemplo con una obra muy conocida y de carácter narrativo como es Pedro y el lobo
https://www.youtube.com/watch?v=Va8Uz6MoKLg&t=129s peter and the wolf
TÍTULO DE LA OBRA Pedro y el lobo
AUTOR DE LA MÚSICA Serge Prokofief compositor Ruso nacido en 1891 al 1953
CONJUNTO QUE TOCA orquesta sinfónica
FINALIDAD DE LA AUDICIÓN escuchar un cuento sinfónico
INSTRUMENTOS QUE REPRESENTAN A LOS PERSONAJES
PAJARITO flauta
PATO oboe
GATO clarinete
ABUELO fagot
CAZADORES timbales y el bombo
PEDRITO instrumentos de cuerda
LOBO cornos y trompas
DESCRIPCIÓN
Siguiendo la linea narrativa del cuento los instrumentos van apeteciendo de uno en uno primero el fagot que representa al abuelo luego los violines que representa a Peter, luego ingresa la flauta, luego el oboe, luego el clarinete y después del desarrollo de la melodía aparecen los cornos y trompas para el desenlace de la obra creando un clima de tensión y agitación, luego hacen su ingreso los instrumentos de percusión como los timbales y el bombo para el desenlace de la historia, luego sigue una melodía mas alegre antes de el final.
COMENTARIO
Aquí colocaran sus impresiones luego de escuchas la obra, al igual que nuestro ejercicio de lectura visual nos servirá para valorar mejor estas expresiones artísticas, partimos del principio que todos los seres humanos reaccionamos de forma similar ante un estimulo, por lo que las opiniones tendrán un rango de variación pero no podrán ser contrapuestas, nos podrá agradar o no, eso dependerá de nuestro temperamento, estado emocional, cultura general y gusto estético.
Como resultado de nuestra apreciación debemos:
Identificar los instrumentos empleados en las obras musicales.
Reconocer el “ánimo” o disposición de la obra musical.
Relacionar el contexto histórico cultural de la obra con sus características musicales.
Identificar las principales características del género musical al que pertenece la obra.
Investigar las particularidades (características) de la obra musical
CONOCIMIENTOS Y DESTREZAS PREVIAS DEL ESTUDIANTE
Para realizar una correcta apreciación debemos estar en capacidad de:
Encontrar información pertinente en forma efectiva (eficientemente) utilizando diferentes medios como Internet, enciclopedias virtuales, videotecas, libros, revistas, etc.
Conocer conceptos musicales básicos, como: ritmo, melodía y género.
Tener destrezas en el análisis de textos y en la síntesis de información proveniente de diferentes fuentes.
https://www.youtube.com/watch?v=HkuvS-gu3aA apreciación comprensiva
YO HAGO TEATRO EN CASA
Nuestras siguientes actividades se van a
basar en los siguientes vídeos producidos por los animadores del área de formación
de públicos del gran teatro nacional, al que pertenecíamos hace algunos años, por
favor en cuanto puedan véanlos tomen notas porque la actividad n 4 será
elaborar un proyecto de teatro y la actividad n 5 será producir elaborar la obra
según las indicaciones de este curso hecho especialmente para jóvenes y cuya culminación
fue un concurso de las obras de teatro ya he visto algunas de sus publicaciones
y espero que todos ustedes puedan elaborar obras de teatro interesantes.
El lunes 13 se publicará la actividad n
4 cuyo producto será un proyecto de obra de teatro personajes argumento
contexto y desenlace.
El lunes 20 la actividad 5 será el desarrollo
de la obra presentada la semana anterior es decir su libreto terminado y un
vídeo o foto de un fragmento del montaje de la obra
PRIMERA PARTE
SEGUNDA PARTE
TERCERA PARTE
CUARTA PARTE
QUINTA PARTE
SEXTA PARTE
SÉPTIMA PARTE
OCTAVA PARTE
https://www.youtube.com/watch?v=F3rCD7rmYoU&list=PLTShBwx45HRbM8h_O3nT1wzfCGWZ-NETD&index=8
ESCANEAR UNA IMAGEN CON EL CELULAR
Estimados alumnos para mejorar la presentación de sus
trabajos les sugiero que cuando se envíen fotos o imágenes de sus trabajos por
favor envíenlos de forma que se vean sin sombra y de forma nítida.
Para lograr esto les sugiero que empleen el google fotos
scan que es una app gratuita que puede usarse en todos los celulares, pueden
usar otras aplicaciones como algunos alumnos que ya lo hacen ya que el
resultado es el mismo
ACTIVIDAD
N 4
Por
las importantes fechas cívicas pasadas no tuvimos actividades las semanas
anteriores por lo que ahora deberán resolver el siguiente
cuestionario de música, la recomendación es que estudien los contenidos
desarrollados de este tema antes de rendir su prueba y como ya conocen es
un formulario de google auto calificable una vez que ingresan a él se graba sus
respuestas y no se puede volver a repetir porque conociendo las preguntas
las respuestas serian todas correctas, lean con atención hay preguntas de
respuesta múltiple ósea que para tener el puntaje valido
deberán seleccionar las 2 características que exige la pregunta. tendrán solo un día para responder ya que el 14 de julio a las 10 pm se cerrara el link para el examen.
ORIGEN DEL TEATRO
Al comienzo de la historia los seres humanos vivían solo con
la naturaleza que los rodeaba, no existían las ciudades, ni los puentes, ni el
dinero; ni siquiera las casas se construían como ahora. Y mucho menos existía
la idea del teatro tal como muchos lo conocemos hoy día. Sin embargo, ya desde
el inicio de la historia de la humanidad apareció una necesidad muy fuerte en
los seres humanos: la de representar. Los primeros hombres y mujeres empezaron
a imitar algunos fenómenos de la naturaleza, como la lluvia, el rayo, el día,
la noche, o cualquier otro que conocían, pero no sabían explicar. Imitaban
también acciones que ejecutaban ellos o los miembros de su comunidad, como
cazar animales, dar a luz, etcétera. Dichas representaciones estaban ligadas a
algunas creencias religiosas. Así, si representaban el acto de la caza,
pensaban que esta sería un éxito; si homenajeaban a sus dioses, quienes muchas
veces eran personajes de la naturaleza, estos se lo agradecerían
posteriormente. Las representaciones se realizaban siempre de un modo similar y
eran conocidas por todos los miembros de la comunidad. A estas ceremonias se
les llamó rituales.
TEATRO GRIEGO
Los griegos de la ciudad de Atenas celebraban rituales en honor
a Dionisio (el dios que simbolizaba la fecundidad y la vida). A esta deidad se
le atribuía la introducción de la vid (uva) y por eso se le consideraba también
dios del vino. Sus fiestas eran excesivas y apasionadas. En ellas, unos 50
hombres dirigidos por un jefe constituían un coro que, mediante cantos y
danzas, alababan a este dios y, a menudo, contaban una historia antigua o un
mito. A esta celebración se le nombró ditirambo. Tiempo después, el coro se
dividió en semicoros, cada uno de los cuales respondía al otro y era guiado por
un líder llamado corifeo o jefe, de modo que estos corifeos comenzaron a
dialogar entre sí. Un día a tales cantos alguien respondió con palabras de
Dionisio y fue entonces cuando se introdujo la representación del “propio dios”.
Más adelante se invocó a otros dioses o héroes griegos, surgiendo de esta
manera los personajes. Habiendo historia, diálogos y personajes estamos muy
cerca de lo que es el teatro que conocemos actualmente. Posteriormente,
aparecieron distintas formas teatrales, tres de las cuales marcaron las pautas
de lo que sería el teatro: la tragedia, el drama satírico y la comedia.
LA TRAGEDIA
En la tragedia se mantuvo el coro, integrado por 12 a 15
hombres. El relato que se representaba estaba escrito en verso y se
estructuraba en escenas o episodios. Los cantos del coro eran seguidos por
momentos de diálogo entre los personajes importantes (nunca más de tres
personajes en una escena) y así sucesivamente. Después del último episodio el
coro cerraba la historia con un canto final.
Como las historias que se representaban estaban basadas en
mitos y relatos griegos, los ciudadanos se sentían muy identificados con ellas.
El objetivo no era solamente contarlas, sino reflexionar sobre el carácter de
los personajes y las consecuencias de las acciones individuales.
Los tres principales autores de la tragedia griega y algunas
de sus obras:
■
Esquilo (Prometeo encadenado, La Orestiada).
■ Sófocles (Antígona, Edipo
Rey, Edipo en Colona).
■ Eurípides (Medea, Electra, Las suplicantes).
EL DRAMA SATÍRICO Y LA COMEDIA
En la antigua Grecia
se convocaban concursos para que los escritores o poetas representaran sus
obras. Aparte de tres obras trágicas (una trilogía), cada poeta tenía que
presentar una sátira. El drama satírico se parecía a la tragedia tanto en su
estructura formal como en su temática de carácter mitológico, sin embargo, se
atrevía a burlarse de los dioses y sus mitos. Podría decirse que era una
tragedia divertida. La comedia tuvo un origen similar. Era representada después
del drama satírico. Su argumento se extraía más de la vida cotidiana que del
mito. Los grupos que danzaban se burlaban de los espectadores. Luego
aparecieron personajes que entablaban un diálogo en el cual ridiculizaban las
tendencias políticas, religiosas, filosóficas y literarias de la época. En el
teatro griego los actores eran todos hombres, quienes caracterizaban a varios
personajes, ya fueran estos masculinos o femeninos. Ellos usaban como vestuario
túnicas de calidades y colores distintos, según los personajes, y grandes
máscaras para que el público pudiera verlos desde lejos. Dichas máscaras
recalcaban las características de los personajes. Las máscaras morenas
representaban personajes masculinos, y las claras, los femeninos. Además, usaban
zapatos con una plataforma muy alta para ganar tamaño, a los cuales llamaban
coturnos. El movimiento era estilizado y se daba gran importancia a la voz. La
música acompañaba a las danzas todo el tiempo.
EL ESPACIO ESCÉNICO
El teatro se volvió
tan popular que, si bien al inicio se representaba en las plazas públicas bajo
toldos o tiendas, más adelante se escenificaba en construcciones especialmente
edificadas para ello en cada ciudad importante; algunos de estos teatros aun
hoy sobreviven. En la base de los cerros se creó primero un área circular y
plana utilizada para las danzas del coro, llamada orquesta o ’lugar donde se
baila’. Alrededor de la orquesta se colocaban gradas de madera para los
espectadores. Posteriormente, aprovechando la falda de los cerros, se
construyeron graderías semicirculares alrededor de la orquesta, reforzadas con
piedras. Este espacio fue llamado theatrón , palabra griega que significa
’lugar desde el cual se ve. Ahí se ubicaba al público y tenía una capacidad
para 15 mil a 20 mil espectadores. Los toldos o tiendas que se armaban en las
plazas para los actores (o skené) se convirtieron en un cuarto rectangular
frente a la orquesta, y delante de esta se armó un espacio alargado (proscenio
o ‘lugar frente a la skené’) desde donde hablaban los actores; este es el
origen del escenario. Conforme los actores ganaban importancia y la del coro
disminuía, los escenarios se fueron agrandando y tomando parte del espacio de
la orquesta. Además, se erigieron tres niveles que separaban a los grupos
participantes en la ceremonia: en el más bajo se situaba el coro; en el
intermedio, los actores, y en el más alto, los dioses.
TEATRO ROMANO
En el siglo IV a.C., la república romana había empezado su
expansión y Grecia terminó siendo absorbida por esta. Los romanos reconocieron
el alto nivel cultural alcanzado por los griegos e intentaron imitarlos en
muchos sentidos, hasta llegar a fusionar finalmente esta cultura con la suya.
Por eso se suele hablar de la cultura grecolatina.
Los romanos heredaron
la tradición de las últimas comedias griegas; y aunque sus primeras
representaciones también estuvieron ligadas a lo religioso, terminaron
convirtiéndose especialmente en un medio de entretenimiento. Los más grandes
autores de estas comedias romanas fueron Plauto y Terencio. Asimismo,
introdujeron el arco dentro de las construcciones. Con este elemento
arquitectónico, los teatros ya no necesitaron las colinas como apoyo para las
graderías y pudieron ser situados en medio de una manzana o cuadra. La reducción
de la importancia del coro hizo que el área destinada a él, la orquesta, fuera
reduciéndose cada vez más, mientras el espacio de la escena fue ampliándose.
Hacia el siglo II
d.C., la gran masa de la población romana demandaba espectáculo más que drama.
La tragedia y la comedia fueron usadas como pretextos para crear otros
entretenimientos, de tal forma que incluso las sangrientas luchas de los
gladiadores se organizaban de modo teatral. El gusto popular se orientó tanto a
la obscenidad como a la crítica política, lo que empezó a originar la censura
de la Iglesia emergente.
EL TEATRO EN LA EDAD
MEDIA Y EL RENACIMIENTO
Edad Media (siglos V
y XV) Con la caída del Imperio Romano en el 476 d.C. decae también el teatro
clásico grecolatino. La Edad Media se caracterizó por una influencia muy fuerte
de la Iglesia católica en todos los ámbitos de la sociedad: la censura eliminó
el teatro de crítica dura y entretenimiento. El teatro volvió a vincularse con
lo religioso, pero a diferencia de las ceremonias rituales de los primeros
siglos, las ceremonias teatrales medievales tuvieron un objetivo muy claro:
adoctrinar o enseñar a los pobladores, muchos de ellos analfabetos, la historia
de la Biblia. La celebración litúrgica de la misa es ya una representación
teatral de la muerte y resurrección de Cristo. En la Edad Media fueron los
mismos clérigos los que crearon y actuaron los primeros diálogos entre
personajes importantes de la historia bíblica. Tales representaciones se
realizaban al interior de las iglesias alrededor del siglo X
Estas pequeñas piezas de teatro representaban especialmente
los episodios de la Navidad (nacimiento de Cristo) y el de la Pasión
(resurrección), son conocidas con el nombre de Misterios. Como derivación de
los Misterios pero utilizando más elementos simbólicos y un tono más
trascendental, aparecen las Moralidades, las cuales tenían siempre una
intención pedagógica. Las representaciones se hicieron cada vez más largas y
con más elementos de espectáculo (decorados, vestuarios). Surgieron personajes
irreverentes que ya no podían ser representados por clérigos, entonces se
incorporó a actores del pueblo. Cada vez se incluyeron más elementos profanos
(no religiosos) y cómicos. Fue entonces que los clérigos decidieron que este
drama litúrgico debía abandonar el interior de las iglesias. Al principio se
usaron los pórticos y atrios de estas, pero luego ocuparon las calles, plazas y
cementerios. Al salir a la calle, la forma de representación cambió, se
utilizaron espacios escénicos independientes creados sobre carros de madera o
tablados, en cada uno de los cuales se escenificaba una parte de la obra: fue
el inicio de los escenarios múltiples.
“El juglar inicialmente fue el intérprete de los poemas y
canciones de los trovadores, era un artista popular que en tablados instalados
en plazas públicas ejecutaba juegos, malabares, acrobacias o improvisaciones
teatrales antes de vender al público objetos diversos.
Paralelamente al teatro medieval religioso
surgió con fuerza el teatro medieval popular (siglo XIV), realizado por los
pobladores de la ciudad. En este se dejaban de lado los contenidos directamente
ligados con la religión. El teatro medieval popular halló su espacio en las fiestas
de carnavales, los mercados o cualquier ambiente transitado cotidianamente
RENACIMIENTO (SIGLOS XVI Y XVII)
Humanismo: en el Renacimiento surgió un tipo de pensamiento
en el cual el ser humano volvió a ser tomado como centro del universo y de las
investigaciones, y es visto como una fuente casi inagotable de posibilidades.
Este pensamiento humanista influyó en muchas áreas, incluyendo el teatro.
La historia marca el fin de la Edad Media con la toma de
Constantinopla por los turcos en el año 1453. Con la caída de Bizancio (o
Constantinopla), muchos latinos huyeron a Occidente llevando consigo textos
clásicos a los cuales el resto de europeos no había tenido acceso. Esto, unido
a otros cambios sociales, hizo surgir, hacia el siglo XV, un movimiento
cultural que buscaba recuperar el arte clásico de Grecia y Roma, al que se le
llamó Renacimiento.
Durante el Renacimiento comenzó un proceso de recreación del
teatro clásico grecolatino. La corriente que persigue el estilo, las reglas y
las formas clásicas (es decir, las de la antigua Grecia) es frecuentemente
llamada corriente clasicista. Sin embargo, al no tener conocimiento exacto de
cómo eran las representaciones en las épocas antiguas, las obras clásicas se
reconstruyeron nutriéndose del teatro que se había hecho durante esos años y
que tenía gran aceptación (el teatro popular, especialmente).
EL TEATRO ITALIANO Y
LA COMEDIA DEL ARTE EN ITALIA
Siguiendo la corriente clasicista, se edificaron teatros al
estilo antiguo (tal como habían sido en el Imperio Romano), pero sobre espacios
rectangulares ya existentes; así adquirieron una forma más parecida a los
teatros de hoy (el teatro “a la italiana”).
Durante el Renacimiento comenzó un proceso de recreación del
teatro clásico grecolatino. La corriente que persigue el estilo, las reglas y
las formas clásicas (es decir, las de la antigua Grecia) es frecuentemente
llamada corriente clasicista. Sin embargo, al no tener conocimiento exacto de
cómo eran las representaciones en las épocas antiguas, las obras clásicas se
reconstruyeron nutriéndose del teatro que se había hecho durante esos años y
que tenía gran aceptación (el teatro popular, especialmente). Se descubre la
perspectiva con la cual se logra crear la ilusión de profundidad en las
pinturas de los decorados. En los teatros más cultos se puede ver un gusto
especial por el refinamiento clásico, tanto de las formas como de los textos
dramáticos. Sin embargo, en el teatro popular aparece con gran fuerza la
tendencia a la improvisación con la Comedia del Arte.
En la mencionada Comedia del Arte, los actores improvisaban
todo el tiempo sobre la base de estructuras definidas (pequeños diálogos o
secuencias ya conocidas o creadas por ellos con anticipación) que incorporaban
según la situación originada en el momento.
EL TEATRO FRANCÉS: MOLIÈRE
Francia fue el país donde más se intentó seguir al pie de la
letra las líneas clásicas establecidas por los griegos y romanos. Esta
tendencia clasicista tenía su público especialmente en las cortes, frente a
espectadores aristocráticos y cultos. Sin embargo, aunque se escribieron
algunas tragedias, estas no alcanzaron tanto éxito como la comedia francesa de
finales del siglo XVI, derivadas de la farsa ya popular en la Francia de esos
tiempos.
INGLATERRA (SIGLOS
XVI Y XVII): EL TEATRO ISABELINO Y SHAKESPEARE
Al teatro inglés de esta época se le conoce también como
teatro isabelino porque se desarrolló durante el reinado de Isabel I, a finales
del siglo XVI. Este fue el teatro que más se alimentó de las anteriores formas
populares medievales, dejando de lado muchas de las reglas del teatro
clasicista. El teatro inglés se estructuraba en actos y escenas, intercalaba el
verso con la prosa, mezclaba la tragedia y la comedia, combinaba diversas
tramas a través de grandes márgenes de tiempo y espacio, unía personajes de
distintas clases sociales, e incorporaba música, danza y espectáculo en toda la
presentación.
WILLIAM SHAKESPEARE
El mayor representante del teatro inglés, considerado además
uno de los más grandes dramaturgos de todos los tiempos. Era especialmente
hábil con el lenguaje, no solo por lo poético de sus versos y prosa, sino por
la capacidad de trasladar al espectador, mediante la palabra, a espacios muy
alejados y distintos entre sí. Fue también un gran conocedor de los impulsos y
procesos humanos. Shakespeare escribió numerosas obras que hasta hoy se siguen
representando, no solamente en Inglaterra sino en diferentes partes del mundo y
de muy diversas formas, incluso muchas de estas han sido llevadas al cine.
Algunas de sus obras más importantes son Romeo y Julieta, Hamlet, El rey Lear,
El mercader de Venecia, Otelo, Macbeth, Sueño de una noche de verano, entre
muchísimas más.
EL TEATRO ESPAÑOL Y
EL SIGLO DE ORO (SIGLO XVII): LOPE DE VEGA
En España, como en Inglaterra, el teatro también se pudo
liberar un poco de las reglas más rígidas del Renacimiento. En el siglo XVI,
España intercambió mucho con el teatro italiano, creando, para fines del XVII,
un nuevo teatro propiamente español. Las obras se escenificaban en corrales de
comedia, que eran espacios al aire libre (patios o corrales) ambientados para
la representación. Los grupos de teatro en ese entonces estaban consolidados en
compañías de actores, donde cada actor tenía un “papel tipo” que interpretaba
siempre (el gracioso, la dama, etcétera)
Otro autor importante de ese tiempo fue Calderón de la
Barca, quien escribió la conocida obra La vida es sueño y autos sacramentales
como El Gran Teatro del Mundo. Por esta misma época, el gran novelista español
Miguel de Cervantes escribió su obra maestra Don Quijote de la Mancha, llevada
también al teatro y al cine en múltiples ocasiones.
ACTIVIDAD N 5
Luego de haber visto los primeros vídeos de "como hacer una obra de teatro", deberán presentar en una hoja word o Bond un proyecto para elaborar una obra de teatro de tema actual siguiendo los 7 pasos de el formato que ya hemos estado utilizando, el proyecto debe contener necesariamente el nombre, descripción de los personajes y el argumento en 5 lineas, en coordinación con el Sr. instructor también podrán incluir el tema bicentenario o aniversario patrio, este trabajo se recepcionara hasta el 16 de julio
ACTIVIDAD N 6
En máximo 2 hojas word o bond van a enviar el guion completo
de la obra de teatro presentada la semana pasada, deben recordar que toda obra
debe cumplir con la descripción del contexto (lugar y tiempo) el conflicto (cuál
es el deseo del personaje de la obra y cuáles son sus dificultades) y un
desenlace (preferentemente creativo o inesperado) el trabajo deben enviarlo
hasta el 23 del presente.
Estamos terminado el bimestre con estas 2 ultimas actividades dedicadas a proyectos, espero se hayan superado los inconvenientes del proyecto anterior en donde muchos alumnos tuvieron que modificar sus proyectos respectivos
ACTIVIDAD N 7
PROYECTO MURAL
BICENTENARIO
En esta actividad vamos a elaborar un proyecto de mural
dedicado al bicentenario del Perú, aunque el diseño es libre deben tener en
cuenta que su proporción será de 6 longitudes de largo por 3.5 de alto, el
formato del proyecto es el mismo fundamentación porque es importante conmemorar
el bicentenario, el objetivo, que será
logra una imagen que representa al Perú en el siglo XXI y que motive al
patriotismo, procedimiento, luego de elaborar el diseño como lo trasladaremos a
una pared del colegio, entre cuantos alumnos se trabajara etc. el costo de los
materiales pinturas disolventes lijas andamios o escaleras etc. , la evaluación
como calificar la obra por el uso de colores la precisión del dibujo por el
mensaje que transmite , por la creatividad mostrada, etc. recordando que los
proyectos son planificaciones teóricas de lo que se planea hacer, pero que
requiere la selección y aprobación y financiamiento del proyecto para su
ejecución la fecha de entrega será hasta el 6 de agosto
Para la presentación
y desarrollo de cualquier actividad artística primero debemos tener un proyecto
artístico, que es un documento en el que se señala antes de iniciar nada, por
qué el cómo, cuánto costaría y su finalidad, etc. a fin de poder comunicar a los
demás compañeros, a las autoridades del colegio (en algunos casos pedir
permisos a nivel municipal) que se tiene planificado en todos sus detalles un
trabajo artístico, esta es una competencia del área por lo que debemos manejar
la elaboración de este documento, además nos ayudara a planificar mejor
nuestras acciones antes de comenzarla.
en forma general
trabajaremos con el siguiente esquema:
1.- TITULO DEL PROYECTO
Debe ser llamativo explicito pero no muy largo
Debe ser llamativo explicito pero no muy largo
Algunos ejemplos
podrían ser para una imagen religiosa “Pintando a María”
“Imágenes del cielo”
o más concretos como “Mural a la virgen”, “Dibujo religioso”
2.-DATOS INFORMATIVOS
Aquí deben poner tus datos personales nombre apellido grado y sección en caso de grupo el nombres de los integrantes del grupo su grado y sección
3.- FUNDAMENTACION
Aquí deben redactar en forma clara y precisa porque es útil o necesario llevar a cabo tu proyecto, a quien o quienes beneficiara y que apoyo requieren para hacerlo algunos autores proponen resolver estas preguntas
¿QUÉ HACER?:
Propuesta.
¿PARA QUÉ? :
planteamiento del contexto y del problema.
¿A QUIÉNES?:
personas implicadas como destinatarios.
¿CON QUIÉNES?:
personas implicadas como responsables.
¿DÓNDE? : lugares y
espacios en donde se realizan las actividades.
¿CUÁNDO? : cuadro
temporal en el que se realizará.
¿CUÁNTO? : Etapas
previstas y cantidad de actividades especificas a llevar a cabo.
¿CÓMO? : técnicas a
usar.
¿CON QUÉ? : medios e
instrumentos con los que contamos.
EVALUACIÓN:
Monitoreo – Evaluación Parcial – Evaluación Final.
por ejemplo:
1.-Que siendo el
aniversario de la virgen una fecha importante para los alumnos del colegio
deseamos elaborar murales alusivos a esta fecha como decoración de las
instalaciones del plantel
2.- Que deseando
explorar nuevas técnicas artísticas, mostrar nuestras habilidades para el
dibujo, canto o danza, o sintiendo la necesidad de expresar
nuestros sentimientos o postura en esta significativa fecha
4.- OBJETIVOS
En esta parte del proyecto se deben definir exactamente qué es lo van a lograr o elaborar al termino del proyecto, son de 2 tipos el objetivo principal y los secundarios, en todo caso no deben ser más de dos o tres y en ningún caso para el curso el objetivo debe ser económico o de una campaña de solidaridad, por ejemplo:
Se elaborará un
mural dedicado a la virgen de 4.00 por 1.20 mts.
Realizaremos una
pintura en lienzo de 40 x 30 cm. a tempera
Se interpretará una
canción peruana en grupo
Y como objetivo
secundario podemos poner
demostraremos
nuestra habilidad artística, el conocimiento de esta técnica, etc.se recomienda
que los objetivos sean:
CLAROS: Formulados en un lenguaje comprensible y preciso,
fáciles de identificar.
FACTIBLES: Posibles de alcanzar con los recursos
disponibles, con la metodología adoptada y dentro de los plazos previstos.
PERTINENTES: Tienen una relación lógica con
el tipo de problema que se pretende solucionar.
5.-PROCEDIMIENTOS
En el procedimiento debe ir un cronograma de las actividades a realizar, desde la presentación del proyecto hasta el término de el mismo y luego la evaluación de cumplimiento de objetivos, si bien estas fechas podrían cambiar un poco deben mantenerse los tiempos programados, si se planifica para una semana de trabajo no se puede demorar un mes ya que eso invalidaría el plan de trabajo
6.-COSTOS Y MATERIALES
En esta parte se enumeran los materiales a emplear con cantidades y costos lo más exacto posible, ya que una variación importante de costos podría invalidar el proyecto, se debe tomar en cuenta los servicios que son pagos por algún proceso del proyecto que no se va a ver físicamente pero es indispensable para su culminación, como por ejemplo si vamos a comprar material la movilidad es un costo pero no aparece en el producto final
7.- EVALUACIÓN
La evaluación de un proyecto debe ser parte del proceso, como se está desarrollando y plantear criterios acordes al lenguaje artístico del proyecto, por ejemplo no es lo mismo evaluar una pintura que una danza, se deberá evaluar con diferentes criterios, indicadores como creatividad, presentación o limpieza, cumplimiento del trabajo en equipo se deben tener en cuenta, asi como el tiempo, si se plantea un proyecto para una semana de trabajo y vamos 4 días y no se ha llegado a la mitad eso debe ser parte de la evaluación.
ACTIVIDAD N 8
DISEÑO DE MURAL
BICENTENARIO
En esta actividad vamos a elaborar un diseño de mural dedicado
al bicentenario del Perú, aunque el diseño es libre deben tener en cuenta que la
dimensión del diseño será de 24 cm de largo por 14 cm de alto que las imágenes
deben mostrar las riquezas naturales del país, nuestro pasado histórico y una
proyección de lo que queremos para el futuro, para su presentación el diseño
deberá estar terminado a color sin texto, la fecha de entrega será hasta el 13
de agosto
