Este Blog ha sido creado única y exclusivamente para el uso de los estudiantes del Colegio Parroquial Nuestra Señora de Montserrat del Nivel Secundaria
LA DANZA
La danza es un arte donde se utiliza el movimiento corporal
generalmente con música, como una forma de expresión y de interacción social
con fines de entretenimiento, artísticos, reproductivos y religiosos.
Se diferencia del baile porque este es una actividad natural
todos podemos bailar son movimientos libres propios de cada persona a
diferencia de la danza que requiere movimientos coordinados coreografía,
preparación previa para algunos movimientos y expresa un mensaje o contenido
La danza nos ha acompañado a lo largo de la historia, adquiriendo en cada etapa formas variadas y complejas. Muchos de los bailes que apreciamos hoy en día tienen un origen mucho más antiguo del que suponemos. Incluso, la mayoría tiene un referente directo en las danzas de las primeras manifestaciones culturales de la humanidad.
La danza se compone de diversos elementos estructurales, los
cuales se interrelacionan, logrando transmitir emociones al público y también
para el mismo bailarín. según algunos autores son 6 y otros usan modificaciones
o combinaciones de ellos, por lo que estudiaremos los básicos, el uso
predominante de uno u otro de los elementos del movimiento no es siempre
parejo. En ciertos bailes predomina el ritmo, en otros el uso del espacio, etc.
1- CUERPO El cuerpo es el soporte la base misma de la danza y el movimiento en la danza es básicamente todo, es la forma en la que expresas tus sentimientos por medio de tu cuerpo, tu rostro, etc.
2-MOVIMIENTO
El movimiento esta presente en todas las arte y en todo aquello que forma el mundo externo e interno del ser humano. Podemos engañar con palabras o simular lo que sentimos pero el cuerpo siempre revelara la verdad. Muchos hábitos de movimiento son inconscientes guardan relacion directa con nuestras posturas frente al mundo.
3-ESPACIO: Puede ser Parcial (un espacio reducido alrededor tuyo) o Total (todo el espacio donde puedas desplazarte y moverte). También se manejan términos como los puntos del espacio y los planos: derecha, izquierda, delante, detrás, arriba, abajo y diagonales.
4-TIEMPO: Cada movimiento tiene un tiempo propio, el lapso de tiempo que utilizas al realizar un movimiento esta relacionado con el ritmo y el acompañamiento musical. Puede ser corto, largo. Cualquier traslación del cuerpo o de sus partes de una posición a otra en el espacio lleva un tiempo, por lo tanto además de su forma cada movimiento se caracteriza por su longitud o extensión de tiempo que requiere. algunos autores también consideran a la forma y energía.
El cuerpo es lo único que nos pertenece a través del cuerpo expresamos nuestros sentimientos. Es importante conocerlo, sentirlo y estar conformes con él. Los modelos que nos presenta la sociedad sobre el cuerpo no son reales. Nos llenan de información comercial para adoptar cuerpos plásticos, creando un conflicto interno de aceptación.
La danza creativa nos invita a mirar nuestro cuerpo desde adentro hacia afuera. Nos alerta sobre el
cuidado requerido para un bienestar que responda a las necesidades físicas y emocionales de la persona.
Cuanto más conozcamos nuestro cuerpo y nuestras fuerzas, podremos caminar con mayor facilidad en la dirección de nuestros talentos con pasión y libertad.
CLASIFICACIÓN DE LAS
DANZAS
Las danzas en general se pueden clasificar usando diferentes
criterios vamos a utilizar el más amplio y usado mundialmente, en el caso de la
danza hay muchos autores y posiciones discordantes por lo que se sugiere no
salirse de los siguientes parámetros
Danzas clásica o
académica es conocida como Ballet
requiere estudio de muchos años de preparación para interpretarla
Danza folclórica Es
aquella que es parte de la cultura de un pueblo o localidad y que se mantiene
sin cambios por tradición
Danza popular es
la parte creativa de la danza que evoluciona cambia con el tiempo y la sociedad
QUINCEAVA ACTIVIDAD
Como primera actividad del 3 bimestre no se olviden de abrir un nuevo portafolio, la caratula con datos completos en sentido vertical, enviado en un solo archivo en formato pdf. en la actividad de hoy van a elaborar un organizador visual de los elementos de la danza, recuerden responder las preguntas de la retroalimentación ¿Qué puedes
comentar del primer video del tema Jerusalema? ¿Qué hemos aprendido el día de hoy? ¿Cómo
hemos aprendido?¿Qué dificultades hemos tenido al realizar la
actividad? ¿Cómo las superamos? y enviar su portafolio para revisión de acuerdo a las fechas programadas.
LA EXPRESIÓN CORPORAL EN LA DANZA
La expresión corporal puede definirse como la disciplina
cuyo objeto es la conducta motriz del ser humano con finalidad expresiva, comunicativa y
estética, en la que el cuerpo, el movimiento y el sentimiento funcionan como instrumentos
básicos.
La Expresión Corporal proviene del concepto de Danza Libre, es una
metodología para organizar el movimiento de manera personal y creativa,
constituyéndolo en un lenguaje posible de ser desarrollado a través del estudio
e investigación de los componentes del movimiento, del cuerpo propio y de los
múltiples modos de estructuración del movimiento en el tiempo y el espacio.
Características de la Expresión Corporal:
- Escasa o inexistente importancia asignada a la técnica, o en todo caso ésta,
no concebida como modelo al que deben llegar los alumnos. A veces se pueden utilizan determinadas
técnicas, pero como medio no como un fin.
- Finalidad educativa, es decir tiene
principio y fin en el seno del grupo sin pretensión escénicas, el proceso
seguido y vivido por el alumno es lo importante, desapareciendo la
"obsesión “por el resultado final que aquí adquiere un segundo plano.
Como hemos visto en los vídeos anteriores a través del movimiento podemos expresar emociones como alegría o tristeza y también contar una historia , simplemente prestando atención a que sentiríamos nosotros al ejecutar un movimiento a la velocidad e intensidad que apreciamos.
Como recordaremos la danza es una actividad social que por su naturaleza nos invita a relacionarnos pero con un orden y bajo reglas, tratemos de identificar el contenido de las danzas siguiendo el esquema de la apreciación artística que ya conocemos, ósea comenzamos analizando los tipos de movimientos, el ritmo de la música, la vestimenta, la expresión facial, etc. aspectos muy importantes que tener en cuenta, luego debemos interpretar libremente.
Toda obra de arte puede tener mas de un significado y el comentario es ampliar con tus conocimientos lo que has visto formando relación con otros bailes o el contexto donde fue hecho.
LA APRECIACIÓN ARTÍSTICA
Para la apreciación de una danza usaremos nuestro esquema de lectura visual ya que la danza se admira a través de este sentido con la diferencia que se trata de imágenes en movimiento.
1 CONTEMPLACIÓN
En este primer paso hacemos uso de la PERCEPCIÓN y OBSERVACIÓN trata mirar de lo general a los detalles tamaño color forma líneas
2 DESCRIBIR
En este segundo paso intenta verbalizar mentalmente la descripción de lo que estás viendo, haz de cuenta que lo haces para ayudar a UN CIEGO alguien que no ve y necesita que tú le digas todo lo que estás viendo, en el caso de ser una escena con personas trata de ponerte en el lugar del personaje hacer una DRAMATIZACION no necesariamente física sino empática
3-ANÁLISIS
Es un INVENTARIO de los elementos formales de la obra, en el caso de las artes plásticas la líneas, formas, colores, proporción, estilo, relación figura fondo etc. y buscar las relaciones y funciones de cada una de ellas.
Este es el proceso establecido por el colegio para el desarrollo de la capacidad de análisis, como verán no difiere del nuestro pero nos adaptaremos al esquema propuesto por ser parte de otros cambios previstos en el colegio
4-INTERPRETAR LIBREMENTE
En este paso debemos ensayar PONERLE un TITULO a la obra, ver si coincide con el que le puso el autor con los conocimientos adquiridos con la contemplación hecha en la observación debemos EXPRESAR lo que a nosotros nos comunica en lo PERSONAL, veremos que si la obra está bien construida coincidirá con nuestra apreciación o tendremos una interpretación valida diferente al objetivo del autor, la interpretación variara de acuerdo a la edad sexo o cultura del observados,
5- FUNDAMENTAR
Buscar VÍNCULOS y RELACIONES con otras obras de otros autores así podemos ver la trascendencia de la obra o del artista, claro que para esta etapa del proceso se requiere conocimientos previos más amplios de la especialidad artística observada
En esta actividad van a realizar un ejercicio de apreciación artística que consiste en analizar y comentar la danza presentada por el grupo de Danza Zurcaroh , de acuerdo al video y la información proporcionada en clase. Esta actividad se evaluara en clase sincrónica, los alumnos que no participen en clase enviaran su trabajo de forma escrita de acuerdo a las fechas programadas, recuerden responder las preguntas de retroalimentación al final de cada actividad y colocarlas en su portafolio.
LA COREOGRAFÍA
El término coreografía significa literalmente escritura de
la danza (coreo: danza- grafía: escrito o escritura), por lo cual podemos
pensar a partir de esta definición que la coreografía es un guion donde los
movimientos del cuerpo se complementan y coordinan con la melodía y el ritmo de
una pieza musical en particular.
Es el arte de crear estructuras en las que suceden
movimientos. Las personas que crean la
coreografía son llamadas coreógrafas o coreógrafos, este termino si bien se le asocia a la danza no es solo para ella ya que toda secuencia de movimiento con un fin estético o comunicativo es también una coreografía.
Si bien es usado principalmente en relación con la danza, el término coreografía puede ser aplicado en varios escenarios, entre ellos:
Combate escénico (coreografía de acción o de lucha)
Gimnasia
Patinaje artístico sobre ruedas o hielo
Ballet clásico
Desplazamientos de bandas militares y de marcha
Cinematografía
TIPOS
Coreografía grupal:
Esta es la danza más usada en todo el mundo. Estas se construyen por el coreógrafo quien corrige los movimientos que se actuaran, para ser una coreografía grupal tiene que haber de 2 personas en adelante, o una persona que haga bailar al público.
Coreografía principal:
Es un solo baile realizado por solo una persona en concreto.
Coreografía folclórica: Esta es la más usada entre los pueblos rurales en la que destacan los bailes o danzas culturales correspondiente a cada país.
Coreografía individual: es cuando un bailarín/actor/performer realiza un solo.
Para hacer una coreografía se puede plantear de esta manera:
Se necesita hacer una planigrafia, que consistente en plasmar los movimientos de los artistas en un papel; la planigrafia normalmente la hace el coreógrafo, ya que con este material puede dirigir a un grupo grande de personas en el escenario.
Lafigura coreográfica básica es el circulo o ronda ya que lo encontramos dibujado en el arte rupestre luego irán apareciendo otras como las columnas, la cruz o aspa, la media luna etc. hay que tener presente que en el caso de la danza no hay un consenso o nomenclatura universal sino que cada coreógrafo adopta un nombre o sistema que le parece mas cómodo, nos referimos a la forma como se gráfica los movimientos y la posición de los danzantes una X para el varón y una flor para la mujer un circulo mujer un triangulo para el varón una M para las mujeres y V para el varón, flechas para indicar la dirección del movimiento y números para indicar las veces que se repite el movimiento.
FIGURAS COREOGRAFICAS BASICAS
PUBLICO
PUBLICO
PUBLICO
PUBLICO
Aunque no hay una nomenclatura universal como en la música, en el caso de la danza cada autor trabaja de acuerdo a su criterio y comodidad basándose solo de la planificación de los movimientos, recordemos que una danza es una secuencia de figuras coreográficas organizadas de acuerdo a la melodía tratando de expresar la emoción correspondiente a mensaje de la obra.
Una vez conocidas las figuras básicas la labor de los coreógrafos es secuenciar estas, indicando tiempos y distribuyendo los desplazamientos para formar dichas figuras para esto son importantes las frases musicales que son tiempos en que se repite la melodía o periodos de tiempo de la música, posiblemente si ustedes ya hayan participado en alguna danza folclórica solo deberían recordar los movimientos realizados, también es importante saber donde estar el publico para que los movimientos se vean mejor de un punto de vista.
PLAMIMETRIA EN LA DANZA
Planimetría es el nombre que se le da a estos esquemas gráficos donde el coreógrafo diseña los movimientos de una danza de cualquier genero.
Como hemos indicado anteriormente en la danza no existe una nomenclatura universal de expresiones por lo que vamos a encontrar nombres variados para tratar de expresar ideas movimientos acciones que resultan comunes pero llevan distinta denominación, es el caso de la planimetría o planigrafia temimos topográficos o médicos que se adaptan a la danza para expresar un grafico con la secuencia coreográfica.
La planimetría son aquellos movimientos que se pueden representar en un plano, los movimientos realizados en dicho baile se representan por medio de signos para saber como se mueve cada persona o todas las personas, los hombres tienen que ir diferenciados de las mujeres y viceversa para identificar cual es la posición de cada uno de ellos.
DIECISIETEAVA ACTIVIDAD Luego de desarrollar el tema la de la coreografía y revisar los modelos de planimetría del blog, en una hoja Bond o Word van a elaborar la planimetría o gráficos de la danza Siamsa recuerden que los varones se representan con un triangulo y las mujeres con un circulo, usen flechas para las direcciones y los números para indicar donde empieza los desplazamientos, recuerden responder las preguntas de retroalimentación ¿Qué tan fácil o difícil te resulto graficar los movimientos de una danza? Porque
¿Qué hemos aprendido el día de hoy? ¿Cómo hemos aprendido? ¿Qué dificultades hemos tenido al realizar la actividad? ¿Cómo las superamos? y enviar su portafolio para revisión de acuerdo a las fechas programadas.
LA DANZA La danza es un arte como ya hemos visto que nos acompaña desde el comienzo de nuestra historia y al inicio como en distintas etapas de la historia incluida la actual no se diferencian o se ejecutan en simultaneo ósea el que cantaba bailaba y contaba una historia, concepto que también se empleo en la cultura andina con los tinkuy, este arte tiene varios aspectos importantes que debemos conocer, una es la técnica que les ayudaría a desenvolverse mejor mediante la expresión corporal, todas las niñas que llevan ballet de pequeñas tienen una excelente postura durante el resto de su vida, otro aspecto es el social la danza es una actividad eminentemente social, para desarrollarla se debe organizar y cumplir con normas de convivencia básicas como el respeto la cooperación etc.
La danza como hecho cultural ósea como toda actividad desarrollada por los seres humanos a través del tiempo, nos sirve como base para nuestras acciones futuras, si las desconocemos podemos cometer los mismos errores o retrasan nuestro desarrollo considerablemente, es por eso que debemos conocer como fue la evolución de este arte para usar esos conocimientos en nuestra practica o apreciación artística.
Las danzas de los iniciales pobladores de la Tierra representaban su forma de entender la naturaleza y sus diversos fenómenos, como la lluvia, el día, la noche, las estaciones, así como los animales.
Para los primeros habitantes no existía diferencia entre la vida y la religión. De esta forma, los fenómenos naturales eran considerados dioses frente a los cuales había que realizar sacrificios y danzas rituales para buscar su benevolencia o para evitar su “furia”.
Estos primeros habitantes explicaban la existencia de los fenómenos naturales a través de mitos, los cuales representaban con una serie de movimientos corporales que tenían un significado particular. Las danzas de esta etapa se originaron a partir de tres motivaciones
1: a. Danzas religiosas o iniciaciones mágicas (nacimiento, primera menstruación, el paso de la infancia a la pubertad, la muerte, etc.).
b. Representaciones dramáticas de amor y de guerra.
c. Danzas de imitación de animales y de fuerzas de la naturaleza.
El hombre y la mujer de la prehistoria no sabían por qué llovía, lo cual los asustaba. Por ello, bailaban imitando los movimientos de la naturaleza como una manera de desfogue de estas emociones de miedo y alegría.
Es muy posible que estas primeras danzas fueran movimientos impulsivos y desorganizados, sin pasos para aprender. Probablemente, de lo que se trataba era de moverse libremente según lo que cada quien sentía.
Al parecer, el ritmo de estos bailes primigenios era marcado por ruidos hechos con los pies y por recorridos circulares donde una persona marcaba el paso y el resto la seguía.
DANZAS EN EL MUNDO
DANZAS DE LA
ANTIGÜEDAD
EGIPCIAS
El acto de bailar fue, sin duda, un componente importante en las celebraciones del antiguo Egipto. El culto a los dioses Osiris e Isis se festejaba con danzas rituales. Gente de todas las clases sociales tenía contacto con la música y la danza. Existían compañías de danza que bailaban en fiestas, banquetes e incluso en templos religiosos. En su mayoría, estos grupos estuvieron compuestos por mujeres. Muchas danzas ceremoniales fueron realizadas por los Faraones y, en ellas, se representaban la muerte y la reencarnación de Osiris.
Reflejan las tendencias espirituales de la época y sus
marcadas clases sociales superiores y pueblo, ocupan un lugar muy importante en
la vida social se encuentran en las ceremonias en los festejos y cortejos
fúnebres
En la antigüedad la música la poesía y la danza eran
elementos inseparables que constituían una única forma de expresar la alegría y
admiración por el señor en los relatos bíblicos se presentan danzas
individuales, colectiva ligada a la exaltación patriótica, glorificación a
dios, ligándose al éxtasis y frenesí
GRIEGAS
se consideraba como un don divino fuente de placer preparación
para la guerra la danza era mímica con mascara y uso de manos de forma
expresiva con las danzas dionisiacas se manifestaban acciones de héroes y
dioses.
Las danzas incluían giros saltos una comunicación total con
el cuerpo, las danzas guerreras pírricas se empleaban en el adiestramiento de
los jóvenes reclutas como ejercicios de disciplina y fortaleza al mismo tiempo
de preparación psicológica para la guerra
ETRUSCAS
la referencia de estas danzas las encontramos en las tumbas
en alto y bajo niveles, las ilustraciones pertenecen a danzantes vestidos de
transparentes tules que bailan en festines y ceremonias
ROMANAS
no tuvieron mucho apego a este arte lo usaron como diversión
o representaciones para la muchedumbre, introducen el mimo y la máscara y le
agregan cantos de versos jocosos, durante el imperio la danza llega al circo
junto con gladiadores y fieras a fines del periodo pre cristiano las danzas se
integran a los festines como entretenimiento de carácter secundario y
exhibición erótica
La transformación económica en torno a una corte fueron
factores en la evolución de la danza , la danza se consideraba impropia de la
dignidad masculina y estaba reservada para las mujeres a principios del siglo XIII se ablando la rigidez y las clases altas imitaron las clases populares de
este modo damas y caballeros entrelazaban sus manos para bailar formando
círculos abiertos y cerrados , en Francia fue el país que más contribuyó a la
evolución de la danza acompañados de palmas y cantos que escribían para estos
bailes, la CAROLAS fue el baile más difundido en este periodo
medieval con un papel importante en las diversiones populares
DANZAS RELIGIOSAS
Estaban muy extendidas entre los pueblos barbaros que no
podían concebir la veneración a un dios sin el baile ya que tenían la costumbre
de adorar a una divinidad en los cambios de estación la fiesta de los bosques
en la que bailaban cantaban y sacrificaban animales con la llegada dl
cristianismo los evangelizadores se sintieron cerca del pueblo para prohibirlas
pero con el tiempo tenacidad y paciencia lograron que las fiestas paganas
cambiaran ya que la iglesia las condeno y censuro y así fue desapareciendo su
carácter pagano.
DANZAS MACABRAS
En la edad media la religión había inculcado el pensamiento
constante de la muerte entre 1300 y 1400 las danzas macabras más antiguas se
hallan en manuscritos y pinturas en los cementerios era una ronda infernal en
la que los muertos de toda condición edad bailaban tomados de la mano dirigidos
por la muerte, esta alegoría representaba la fatalidad que condena a todos los
hombres de cualquier condición al último tránsito
INDIA
En la India, el Dios Creador, Shiva Natajara, era considerado un bailarín que hacía danzar al mundo a través de los ciclos de nacimiento, muerte y reencarnación. Otros dioses, como Ghanesa y Srikrishna, también estuvieron relacionados con la danza y la música.
Todas las danzas clásicas de la India derivan del estilo Natyashatra y están íntimamente relacionadas con la narración de historias, tanto es así que se las podría llamar danza-teatro, pero con ausencia de diálogo. Las historias se cuentan a través de acciones (que representan algo que quiere conseguir un personaje) y elaborados patrones de expresiones faciales (Mudra), movimientos de las manos (Hasta), y simulación de variadas emociones como: rabia (Mada), envidia (Matsara), avaricia (Lobha), lujuria (Kama), etcétera. La maestría en estas danzas se lograba a través de la perfecta expresión facial de tales emociones con movimientos de labios y ojos.
Las danzas típicas de la edad media continuaron existiendo,
pero se fueron desarrollando otras manifestaciones en las cortes y palacios como,
por ejemplo.
LA PAVANA de origen español danza pomposa y solemne danza de
reyes y señores
CHACONA baile largo que se incluía al final de otras danzas
ZARABANDA de origen árabe grave y solemne era interpretado
por una sola bailarina
LA GIGA danza solemne que se contraponía a la gallarda era
movida se difundió por toda Europa
LA CANARIA O MORISCA de origen exótico predomino por mucho
tiempo sobre las demás danzas populares
Todas las danzas cortesanas que en un principio fueron
cantadas tuvieron a continuación un desarrollo instrumental notable
Con Luis XIV se pusieron de moda otros bailes como:
LA COURANTE danza lenta llamada danza de los doctores
LA GAVETA de origen popular duro hasta el siglo XVIII
LA BOURREE danza de genero festivo
LA CONTRY DANCE
Llamada CONTRE O CONTRADANZA trataba de evocar la diversión campesina
MINUE danza alegre y simple que impuso Luis XIV ocupa el 1
lugar entre todos los bailes
DANZA DEL SIGLO XIX
Surge un nuevo baile
el vals en ciudades como Viena Berlín San Petersburgo luego las polcas mazurcas
cracovianas polonesas luego el bolero de Francia después la cuadrilla y el can
can danza picara vivaz ágil acrobática
Luego de observar los vídeos de las diferentes danzas van a seleccionar una de ellas de la cual realizaran una apreciación artística, de forma sincrónica un análisis y comentario, o de forma asincrónica, en no mas de 10 líneas en una hoja Word o bond, el trabajo es analizar y comentar el video, describir los movimientos, la vestimenta, y el ritmo, recuerden responder la retroalimentación ¿Cuál de los videos observados te pareció el más interesante? Porqué ¿Qué hemos aprendido el día de hoy? ¿Cómo hemos aprendido?¿Qué dificultades hemos tenido al realizar la actividad? ¿Cómo las superamos? y presentar su portafolio en las fechas programadas
LA DANZA EN EL
RENACIMIENTO
Se puede decir que su origen puede encontrarse en las danzas
de la antigüedad, aunque fue en el Renacimiento italiano cuándo su estructura
da forma al ballet. Es la época en la que los príncipes organizaban costosas
puestas de escena, siempre acompañadas de lujosos banquetes, con artistas de su
corte (bailarines, mimos) que representaban y cantaban sobre las tramas
mitológicas. En ese momento es donde comienza a surgir el ballet, la ópera y el
drama poético.
En el origen del ballet hay diversas versiones, aunque
algunas fuentes señalan que fue la reina Catalina de Medici quien organizó una
función de gala para celebrar el casamiento del duque Joyeuse con Margarita de
Lorena el 15 de Octubre de 1581, bajo el título del Ballet Comique de la Reine.
Mientras otras recalcan que fue la misma reina la que llevó a cabo, en 1573, la
primera representación del ballet de la corte titulada Ballet de Polonais
Más tarde Luis XIV crea la Academia Real de la Danza en
1661, convirtiéndose después en la Academia de la Música y la Danza de la Ópera
de París. Fue aquí donde surgió la compañía Ballet de la Opera de París. Perece
ser que la fecha más lógica del nacimiento del primer ballet fue en el año
1762.
Jean George Noverre, personaje importante en la historia de
la danza, coreógrafo francés que en 1790 publicó sus Letres sur de la dance et
les Ballets, planteaba que la técnica se había vuelto muy rígida y que el
hombre y la mujer debían emplear su habilidad en expresar emociones. Proclamaba
algo que él llamaba El ballet de acción, que se conoce como ballet con
argumento o drama bailado. En definitiva, transmitir los sentimientos y
pasiones al espectador mediante la expresión sincera de nuestros movimientos y
nuestros gestos.
EL BARROCO Y ROCOCÓ
En 1650, el ballet de cour alcanzó su máximo esplendor con
Lully que lo transforma en la Comédie- Ballet con la colaboración de Molière y
más tarde en la tragédie lyrique. En 1661, Luis XVI de Francia autorizó la
creación de la primera Real Academia de la Danza, bajo la responsabilidad
artística de Beauchamp, quien reglamentó las cinco posiciones básicas de los
pies, con el acompañamiento port debras Determinó la terminología académica de
la danza de escuela, colaborando con Lully y Moliére en el mariage forcé. A la
creación de la Real Academia de la Danza, los maestros franceses le sumaron la
de los cuerpos de baile profesional. A raíz de esta decisión, el ballet de cour
fue sustituido por el ballet teatral.
La aristocracia europea en esa época, en aquella época se
prodigaba en el lujo, celebrando cualquier acontecimiento con majestuosas
fiestas , donde la música y la danza siempre estaban presentes. Un importante
maestro de danza Feullie, estableció en 1700 el primer sistema denotación de
danza de la historia, conservándose gracias a esto más de 350 coreografías de
salón y de teatro. Así la danza, poco a poco, fue adquiriendouna reglamentación
que dará lugar a la Danza Clásica.
Las danzas que en esa época se bailaban eran las mismas que
se habían dado a lo largo del Renacimiento, especialmente una nueva, que se
convertiría en la protagonista de este periodo: MINUE
Hacia 1670, nació una danza en Francia originaria de Portou
llamado Minué o minuete, que adquirio gran popularidad. Este baile y su
correspondiente música empezaron a formar parte de todas las óperas y los
ballets de la época, a partir de que Lully la introdujera en sus obras. Más
tarde con la subida al trono de Luis XIV, este baile se introdujo en la corte y
este compositor hubo de crear especialmente para la realeza numerosos minués,
que dieron origen a los bailes solos.
EL BALLET
Algunos historiadores dicen que la fecha de nacimiento del
ballet es el 15 de octubre de 1581, cuando Catalina de Médicis, reina de
Francia organizó una función de gala celebrando el matrimonio del duque Joyeuse
y Margarita de Lorena. Esta representación se llamaba “Le Ballet Comique de la
Reine”. La música fue creada por un italiano llamado Baldassarino de
Belgiojoso. Es importante señalar que en esta época el ballet reflejaba las
costumbres de la corte y la política del momento.
Estas representaciones siguieron hasta que en 1636 se
construyó el teatro Le Palais Cardinal para estas puestas en escena, cuyo
carácter había cambiado notablemente.
Con el paso de los años en vez de ser un pasatiempo llego a
ser una profesión, el ballet empezó a tener cambios importantes, tal como la
extensión en la técnica y la aparición de mujeres bailarinas, siendo en 1681 en
el ballet Le Triunphe de’lAmour. Donde la primera bailarina, recibe el título
de reina de la danza.
La vestimenta, como parte esencial de la técnica del ballet,
fue innovada en primer lugar por Maillot, quien inventó una vestidura sumamente
ajustada que después fue prohibida en Italia por la Iglesia. Posteriormente en
1726 apareció Marie Camargo, ella acortó la falda tradicional para que sólo le
llegara al tobillo y adoptó la zapatilla sin tacón lo cual le permitió
movimientos de elevación exclusivos de los bailarines en ese entonces. Marie
Sallé fue también una precursora. En 1734 apareció en el ballet Pigmalión
envuelta en velos de inspiración griega.
Las posiciones clásicas aparecen difundidas por los más
diversos mundos, los cuales, aparentemente, carecen de puntos comunes. Tal vez
los tengan realmente, y mucho más profundos de lo que podamos pensar. Este
hecho sólo habría debido inspirar cierta prudencia o reserva a los que acusan a
la ligera a la danza clásica de ser anormal y artificial.
Ángela Isadora Duncan (San Francisco EE.UU 1887 – 1927),
precursora de un ballet innovador, estaba convencida de asistir a una
renovación, al nacimiento de una magnifica era de la danza, arrollando con
irresistible corriente todas la tradiciones. El ballet parecía despojado de las
convenciones y posiciones anormales‟ de la escuela académica.
Después de muchos años de estudio, llegó a la siguiente
conclusión: el ritmo natural del cuerpo y el de la música contemporánea se
hallaban en completo desacuerdo; el gesto más simple no halla en sus notas una
línea donde inscribirse.
En 1909 surgió el ballet ruso, enumerando factores
poderosos, propios del siglo XX, en tanto en cuanto son acontecimientos que han
influido en el ballet académico, los deportes, el music-hall, Jazz, las danzas
negras, el exotismo en todos sus aspectos y principalmente, el mecanicismo tan
propio de esta época.
La danza clásica no es ni ha sido jamás „el ballet ruso‟. Lo
clásico nació en Francia, se desarrolló en Italia y fue únicamente conservado
en Rusia. Han jugado un papel importante al lado de lo clásico las danzas
características, nacionales, las cuales han dado origen al ballet.
El Ballet Mariinski, en San
Petersburgo, es una de las más famosas compañías de ballet de la historia. Esta
fue conocida como el Ballet Imperialista los inicios del siglo XX. Después del
asesinato de Serguei Kirov, fue renombrado como Ballet Kirov, pero retomó su
nombre original después de la caída del comunismo.
Para esta compañía fue el gran coreógrafo Marius Petipa el
que escenificó la mayoría de las obras quintaesénciales y las revisó notablemente.
Después de la revolución de 1917, la maestra de ballet
Agrippina Vaganova, determinó continuar las tradiciones del Ballet Imperial
Ruso. Su obra permitió el trabajo preliminar para la formación y desarrollo del
ballet clásico en el mundo.
Los orígenes del Ballet Bolshoi, uno de los más famosos e
importantes de la historia de la danza, se remontan a 1773, en las clases de
danza que se dictaban en el orfanato de Moscú. La compañía comenzó sus
actuaciones en 1776. En 1825 se trasladan al Teatro Bolshoui, mientras Adanm
Gluszkovsky estaba en la dirección.
BALLET DE KIEV
Teatro de Ópera y Ballet de Kiev (Ukrania), comienza su
historia en 1860, debido a la gran demanda que existía en la ciudad de Kiev. De
esta manera, en 1867 el Teatro de la Ópera de Kiev inició sus actividades con
la ópera de Alexis Werstovsky titulada la Tumba de Ascold. Entre 1917 y 1925,
la compañía atravesó un periodo de dificultades hasta que, en 1926, su
prestigiosa compañía de ballet reanudó sus actividades creativas, comenzando en
este mismo año su prestigiosa compañía de ballet.
ROYAL BALLET OF
LONDON
Royal Ballet of London, bajo la dirección de Kevin O‟Hare, es la compañía Royal Opera -House en Londres. A día de hoy lo componen los
bailarines más dinámicos, junto con una orquesta de clase mundial y los
principales coreógrafos, compositores, directores, diseñadores y equipos
creativos que comparte una impresionante experiencia y representaciones por
todo el mundo.
BALLET NACIONAL DE
CUBA
Ballet Nacional de Cuba, fundado en octubre de 1948 con el
nombre Ballet de Alicia Alonso, siendo la primera compañía de la historia de
Cuba y adoptando, en 1955, el nombre de Ballet Nacional de Cuba.
En 1956 se enfrenta a la agresión del gobierno de Batista,
que trata de convertirlo en su agente propagandista. Al no conseguirlo, les
retira el apoyo económico estatal. Alicia Alonso denuncia esta situación y como
consecuencia de la misma realiza una gira como protesta. En la actualidad
Alicia Alonso sigue al frente del mismo, siendo sus máximas figuras Viengsay
Valdés, Elier Bourzac, entre otros.
AMERICAN BALLET
THEATRE
La compañía fue originalmente fundada en 1937 como el
Mordkin Ballet, y luego se reorganizó en 1940 con su nuevo nombre como Ballet
Theatre, bajo la dirección de Lucia Chase y Rich Pleasant. En 1956 se convertiría
en el American Ballet Theatre, y desde entonces ha conservado aquel nombre. La
Ópera del Metropolitan en Nueva York es ahora la residencia del American Ballet
Theatre.
En 1960, la compañía se convirtió en la primera compañía
estadounidense en danzar en la Unión Soviética.
Entre los bailarines principales han estado Mijaíl
Barýshnikov, Alicia Alonso, Erik Bruhn, Anton Dolin, Leslie Browne y Natalia
Makarova.
COMPAÑÍA NACIONAL DE
DANZA (ESPAÑA)
fue fundada en 1979, originariamente se llamo Ballet
Nacional de España clásico y posteriormente Ballet Lirico del Teatro de la
Zarzuela, para cambiarlo definitivamente por Compañía Nacional de Danza.
Todos sus directores han sido bailarines y coreógrafos, La
compañía Nacional de Danza se creó para fomentar y difundir el arte de la danza
y su repertorio en sentido amplio, a través de una compañía
sólida, abierta a todos los estilos, coreografías y artes
del movimiento en general, tanto de creación española como internacional con el
fin de acercarse a nuevos públicos e impulsando su proyección a nivel nacional
e internacional, con plena autonomía artística y creativa.
LA DANZA CREATIVA
Danza Creativa es un método de trabajo
corporal en el que a través de pautas de improvisación y de una danza libre y
espontánea, se lleva a cabo un divertido proceso creativo que proporciona
bienestar físico y psíquico. Este tipo de danza, no sólo desarrolla las
capacidades motrices y físicas del alumnado como la agilidad, flexibilidad,
coordinación…, sino que además estimula y potencia su capacidad de expresión y
comunicación, desarrolla la creatividad e imaginación, fomenta la seguridad en
la persona, la autoestima y el respeto hacia el grupo.
Para el desarrollo de este tipo de danza se emplea la expresión corporal que ya vimos anteriormente porque se necesita primero que el cuerpo del bailarín pueda expresar cualquier movimiento propio del ser humano sin lastimarse en coordinación con los demás miembros de su grupo, segundo entrar en un estado de comunicación con su interior para para expresar o seguir el sentido de la música o dirigir sus movimientos de acuerdo aun determinado objetivo comunicativo.
la danza creativa o danza contemporánea es una expresión libre no responde a un formato o pautas establecidas cada coreografo puede plantear sus movimientos desplazamientos con libertad de expresión, el mensaje resulta ser la parte mas importante de la presentación de la danza
Este Blog ha sido creado única y exclusivamente para el uso de los estudiantes del Colegio Parroquial Nuestra Señora de Montserrat del Nivel Secundaria
Como ya sabemos la música nos acompaña desde el comienza de la humanidad, vamos a recordar algunos conceptos y luego veremos como fue su desarrollo y transformación a través del tiempo
CLASIFICACIÓN DE ACUERDO A HORNBOSTEL Y SACH
En
1914, los musicólogos Erich M. Von Hornbostel y Curt Sachs idearon una
clasificación mucho más lógica que pretendía englobar a todos los instrumentos
existentes. Esta clasificación es mucho más precisa, ya que tiene en cuenta los
principios acústicos que hacen sonar a los diferentes instrumentos. Se basa en un sistema desarrollado a fines
del siglo XIX por Victor Mahillon, restaurador de la colección del
Conservatorio Real de Bruselas. El sistema Mahillon fue uno de los primeros en
clasificar de acuerdo con el material o parte del instrumento que producía el
sonido, pero estaba limitado en su mayor parte a los instrumentos occidentales
usados en música clásica. El sistema Hornbostel-Sachs es una expansión de
aquel, en el que es posible clasificar cualquier instrumento musical de
cualquier cultura.
Así, se establecen cinco grandes clases de instrumentos musicales, que a su vez
se dividen en grupos y subgrupos:
AERÓFONOS:
utilizan el aire como fuente
de sonido. Se subdividen en aerófonos de columna (constan de un tubo sonoro
cuya columna aérea actúa como cuerpo sonoro y determina la frecuencia de los
sonidos emitidos más que el dispositivo de excitación) y aerófonos libres (la
frecuencia del sonido depende del dispositivo que excita la columna o masa de aire,
que actúa sólo como resonador). El aire incluido en una cámara puede ser puesto
en movimiento al ser empujado soplando hacia un bisel (flautas), por la
vibración de una lengüeta batiente (oboes y clarinetes) o libre (armónicas), o bien de los
labios del ejecutante. Algunos instrumentos actúan directamente en el aire
circundante (roncadores).
el sonido es producido mediante una o varias
cuerdas en tensión. Se suelen subdividir en cuatro categorías según el modo de
excitación: punteados con los dedos o con ayuda de un plectro (arpas,
guitarras, bandurrias, laúdes, vihuelas, salterios, clavecines), frotados con
un arco (violines, etc.), o golpeados con macillos (pianos, tímpanos...)
están formados por materiales
naturalmente sonoros. Se los subdivide según el modo de excitación: percutidos,
punteados, sacudidos, frotados, raspados... (campanas tubulares, xilófono...).
producen sonido mediante una o
más membranas tendidas sobre sus correspondientes aberturas (son, básicamente,
los tambores, aunque también otros instrumentos, como el mirlitón o el kazoo).
ELECTRÓFONOS :
El sonido se produce y/o modifica mediante
corrientes eléctricas. Se suelen subdividir en instrumentos mecánico-eléctricos
(mezclan elementos mecánicos y elementos eléctricos) y radio-eléctricos
(totalmente a partir de oscilaciones eléctricas).
1. IDIÓFONOS: el sonido es producido por la materia del propio instrumento, sin ayuda de membranas o cuerdas en tensión
11. Idiófonos golpeados
111. Idiófonos golpeados directamente: los sonidos pueden ser producidos claramente de forma individual
111.1 Golpe entre dos o más partes sonoras complementarias generalmente simétricas: castañuelas, cucharas, platos, crótalos, campanas entrechocadas sin badajo
111.2 Idiófonos de percusión.
El instrumento es golpeado con un objeto no sonoro o contra un objeto no sonoro
Percusión de palos: triángulo, xilófono
Percusión de placas: litófono, metalófono
Percusión de tubos: campana tubular
Percusión de cavidades: gong, tam-tam, campana
112. Idiófonos golpeados indirectamente
112.1 Idiófonos sacudidos: maracas, plancha de tormenta, matraca
112.2 Idiófonos rascados
112.21 Palo con estrías
112.22 Tubo rascado: botella de anís, güiro
112.23 Cavidad con estrías: conchas, vieira
112.24 Rueda dentada con una o más lengüetas sujetas a un marco: carracas
112.25 Tabla con estrías o surcos: tabla de lavar
12. Idiófonos punteados. Vibración de una lámina elástica fijada por un extremo
121. Punteados dentro de un marco: guimbarda
122. Punteados de tabla. Las láminas están sujetas o talladas en una tabla a semejanza de las púas de un peine: caja de música, sanza
13. Idiófonos de fricción
131. Fricción de palos: palo forrado con piel de lija
132. Fricción de placas. Lámina de acero y marco: sierra musical
133. Fricción de cavidades: copas musicales, Glassharmonika
134. Fricción de láminas: máquina de viento
14. Idiófonos soplados
141. Palos soplados: Aeosklavier
142. Placas sopladas
2. MEMBRANÓFONOS: el sonido es producido al poner en vibración una membrana o diafragma en tensión
21. Membranófonos de percusión
211. De percusión directa. Con la mano o mediante un palillo o baqueta:
211.1 De cavidad semiesférica: timbal
211.2 Membranófonos tubulares
211.21 Tubular cilíndrico: tambor
211.22 En forma de barril: tabla
211.23 Doble cónico
211.24 En forma de reloj de arena
211.25 Cónico
211.26 En forma de copa
211.3 Con marco: pandero
212. Sacudidos por impacto interior o exterior
212.1 Con cavidad
212.2 Tubular: springdrum
212.3 Sacudidos con marco
22. Membranófonos punteados
23. Membranófonos de fricción
231. De fricción a un palo en contacto con la membrana: zambomba (cómo hacerse una)
232. De fricción mediante una cuerda sujeta a la membrana: lion´s roar
233. De fricción con las manos
24. Membranas sonoras o cantadoras
Libres o de soplo directo, sin cámara de aire: papel de fumar
Con tubo o cavidad. Membrana sujeta en un tubo: kazoo, mirlitón
3. CORDÓFONOS: el sonido se produce al poner en vibración una o más cuerdas tensadas entre dos puntos fijos
31. Cordófonos simples o cítaras. El soporte de las cuerdas y el resonador pueden ser separados sin destruir el instrumento
311. Cítaras de vara: berimbao
312. Cítaras de tubo. El soporte de las cuerdas tiene la superficie curva
313. Cítaras en forma de balsa
314. Cítaras de tabla: clave a pedal, clavisimbalum, salterio, piano, cítara de concierto, dulcemel, címbalo, zanfona
315. Cítaras de artesa. Cuerdas sobre un canalón o depresión
316. Cítara de marco. Cuerdas tensadas en un marco abierto
32. Cordófonos compuestos. El soporte de las cuerdas y la caja de resonancia no pueden ser separados sin destruir el instrumento
321. Laúdes. El plano de las cuerdas es paralelo a la tabla sonora: tiorba, laúd barroco,viola da spalla, vihuela, laúd renacentista
322. Arpas. El plano de las cuerdas forma aproximadamente ángulo recto con la tapa de resonancia
323. Arpas-laúd. Idéntico al anterior, pero puente perforado: kora.
324. Tambores de cuerda punteada
4. AERÓFONOS
41. Aerófonos libres. El aire que vibra no está dentro del cuerpo del instrumento
411. Libres con desplazamiento. Aire contra los bordes de un objeto o viceversa como en un látigo
413. Aerófonos plosivos. El aire es puesto en vibración al producirse un choque en el aire contenido en la cavidad: pétard
42. Instrumentos de viento propiamente dichos
421. Flautas de soplo directo al tubo
421.1 Sin conducto. La columna de aire es conducida contra el canto del tubo
421.11 De soplo directo contra el canto o borde superior del tubo abierto. Quena, sakuhachi
421.12 Flauta de soplo lateral. Flautín, flauta travesera
421.13 Flauta globular. Sin boquilla. Ocarina
421.2 Flautas con conducto de aire. Un estrecho conducto de aire conduce la columna de aire contra el bisel de un orificio lateral. Flauta de pico, órganos positivo y portativo
422. Instrumentos de viento con lengüeta. El aire pone en vibración de forma intermitente una o dos láminas ajustadas a la parte superior del instrumento. Aulós
422.1 De doble lengüeta. Tipo oboe. Dos cañas o láminas golpean una contra la otra. Chirimía, oboe, cromorno, aulos
422.2 De lengüeta simple. Tipo clarinete. Una caña o lámina golpea sobre una parte del instrumento al entrar en vibración por acción del aire. Clarinete, alboka
423. Instrumentos de viento tipo trompeta. El aire es conducido a través de los labios en vibración
423.1 Trompeta natural. Sin mecanismos para modificar el sonido. Caracola, cuerno de animal, añafil, cornu, trompa de caza, trompa de postillón
423.2 Trompeta con mecanismos para modificar el sonido fundamental
423.21 Con agujeros digitales: cornetto, serpentón
423.22 Extensible: trombón de varas
423.23 Bugle de válvulas. El tubo es cónico
423.231Trompa de válvulas. Una parte considerable del tubo es cónica
423.232 Trompeta de válvulas. El tubo es básicamente cilíndrico
5. ELECTRÓFONOS
51. Instrumentos electromecánicos
Se basan en las vibraciones producidas por medios mecánicos usuales y transformadas en vibraciones
eléctricas: guitarra eléctrica
52. Instrumentos radioeléctricos
Se basan en circuitos eléctricos oscilantes. Algunos tienen una escala continua y otros tienen teclado: theremin, ondas martenot
ONCEAVA ACTIVIDAD
En una hoja bond o Word van a realizar un trabajo de investigación sobre una familia de instrumentos musicales, el trabajo debe contener una imagen, características, historia y comentar su expresividad en las obras en que participa, recuerden que una vez terminado el trabajo deben colocarlo en el portafolio virtual de arte para su revisión de acuerdo a las fechas programadas
No se sabe con exactitud cuándo empezó la música, pero los
relatos populares cuentan que la música tuvo un origen divino y que su sonido
representaba el mensaje de la naturaleza y del hombre. El ser humano sintió la
necesidad de expresarse y de comunicarse. Buscaba cómo hacerlo: emitía ruidos,
gritaba, gemía, imitaba, en fin, ansiaba un lenguaje, y ¡nació la música! Esto
ocurrió hace aproximadamente 40 mil años, cuando el primer hombre (Homo sapiens)
fue capaz de imitar los sonidos de la naturaleza, que eran diferentes a los que
hacía cuando estructuraba su lenguaje. A este hombre se le conoce como Homo
musicus. Así, la música fue el medio de expresión colectiva de la vida diaria y
estuvo presente en rituales funerarios, cacerías y ceremonias vinculadas a la
fertilidad de la tierra.
Los primeros instrumentos musicales se crearon hace más de
dos millones y medio de años (Paleolítico Inferior), cuando el hombre aprendió
a crear utensilios de piedra y hueso. Con ellos logró obtener sonoridades ya
fuera soplando, entrechocando o, bien,
frotando. El ser humanoexploró sonidos utilizando objetos, como hojas, sus labios
o susdientes. Así, por ejemplo: el rombo, que consistía en una
pieza planade hueso o piedra con un agujero en uno de sus extremos, en
el quese ataba una cuerda. El instrumento producía un zumbido al
hacerlogirar con el brazo en alto y por encima de la cabeza. Fue
usado pararituales nocturnos que evocaban a los espíritus.
En China, cada grupo aborigen
tenía sus propias danzas tradicionales. Por ejemplo, los habitantes de la isla
de Taiwán, influidos por su entorno, instituyeron una danza ejecutada por
varias personas formadas en hilera y cogidas de las manos, como ritual de
recolección.
LA MÚSICA DE
MESOPOTAMIA
Influyó poderosamente en
Egipto, Grecia y en otros territorios cercanos. Vale decir, en la región que se
desarrolló entre los ríos Tigris y Éufrates, desde el año 3000 a.C. hasta los
tiempos helenísticos, e incluyó Babilonia, Asiria, Sumeria, entre otros
pueblos. Bajorrelieves, textos y restos arqueológicos muestran los instrumentos
musicales que usó la gente de aquella región. Asimismo, la religión cumplió un
rol muy importante, pues los textos sagrados hablan de un tipo de canto
responsorial y del acompañamiento instrumental. En las esculturas se observan cantantes
e instrumentistas. Los músicos sumerios y babilonios se dividían en dos grupos:
nar, los que cantaban las alabanzas de dioses o reyes, y gala, los que cantaban
lamentos.
Los instrumentos musicales más
importantes de Sumeria fueron las arpas arqueadas y las grandes liras. Otros
instrumentos que aparecen en el arte mesopotámico son laúdes y tambores. Los
textos, además, informan sobre la afinación de los instrumentos de cuerda.
■ Canto responsorial. Solista
o grupo de solistas que cantaban alternándose con un coro.
■ Chirimía doble. Instrumento
de viento de doble tubo que se tocaba con las manos cruzadas.
■ Kithara. Instrumento de
siete cuerdas, de la familia de la lira. Como el arpa, pero con caja de
resonancia. Predecesor de la cítara.
■ Laúd. Instrumento de dos o
tres cuerdas hecho con caparazón de tortuga.
■ Quironomía. Signos manuales y
posiciones del brazo para designar determinados sonidos.
Instrumentos musicales del antiguo Egipto:
■ Imperio Antiguo y Medio: la
gran arpa de arco (que se apoyaba en el suelo), la antigua flauta vertical y la
chirimía doble.
■ Imperio Nuevo: el laúd de
mástil largo, el arpa de pie, de hombro y de mano, los oboes dobles y la lira.
Las ejecuciones musicales se hacían con un grupo de músicos, tocando varios
tipos de instrumentos junto a cantantes y bailarines/Mesopotamia)
La
música de Egipto
La música de Egipto comprende
tres fases: el Imperio Antiguo (2700-2100 a.C.), el Imperio Medio (2100-1580
a.C.) y el Imperio Nuevo (1580-712 a.C.), hasta llegar a la época griega y
romana. Sus temas son siempre religiosos: textos de himnos y salmos, estatuas
de dioses músicos y retratos de músicos de los templos, de bailarines religiosos
o de comidas sagradas que se acompañaban con música. Existen representaciones
donde se ve a personas haciendo signos con las manos a cantantes e
instrumentistas, como si fueran representaciones de notas y, quizá, como ritmo
(quironomía).
LA MÚSICA EN LA
ANTIGUA GRECIA
Función social de la música en Grecia
Por otra parte, el arte de los
sonidos se hizo inseparable de la tragedia y la poesía. El manejo de la voz, el
gesto de los actores y sus movimientos dependían de la música. Grandes dramaturgos,
como Esquilo, Sófocles, Eurípides y Aristófanes, fueron también músicos y
danzarines. Igualmente,
los mejores citaristas
alcanzaron privilegios sociales. La cítara fue el instrumento más importante de
la Grecia clásica (periodo helenístico); anteriormente fue la lira. Había también
cantantes que interpretaban melodías de origen popular, que admitían la
improvisación y partes para solistas. Los frescos y los mosaicos etruscos (norte
y centro de la actual Italia) nos muestran que los instrumentos más usados
fueron los de los griegos. Grecia transmite todo a Roma a partir del siglo II
a.C.
EDAD MEDIA
Durante el papado de Gregorio
I, surgen los cantos llanos, cantus firmus o cantos gregorianos, que fueron los
primeros cantos escritos con símbolos musicales llamados neumas, los cuales
indicaban la línea melódica del canto. Se caracterizan por tener una sola línea
melódica y ritmo libre. Muchas veces eran cantados en estilo antifonal.
Son cantos religiosos cantados
por voces masculinas (los monjes), escritos para ser entonados en las iglesias.
Lo que da lugar a que surjan las llamadas escuelas de copia (copistas de
música) en diferentes tiempos y lugares. Del mismo modo, en el siglo IX
aparecen los cantos a dos voces u organum, siendo una de las voces: el cantus
firmus. Así se presenta la primera manifestación escrita de polifonía.
En el siglo XIII la palabra
adquiere mayor importancia, dando lugar a una nueva forma musical, los motetes
(mots, en francés significa “palabras”). Es así, que sobre los organum a dos
voces se agregaba una tercera voz que cantaba diferentes palabras, y a veces
hasta en diferentes idiomas (francés, latín). Ocasionalmente se agregaba cierto
acompañamiento instrumental. Se tienen muchos motetes seculares para ser
tocados fuera de la iglesia.
Las danzas y canciones,
durante los siglos XII y XIII fueron escritas por los trovadores y los troveros
utilizando una línea melódica. El término “trovador” está vinculado al término
francés trouver que significa“buscar”, es decir, el trovador era un músico
aventurero que narraba historias de un lugar a otro. En esta época encontramos
algunas danzas como el estampie y el saltarello.
RENACIMIENTO
La palabra, “Renacimiento”
viene de renacer, pues durante este periodo se vuelve a las ideas de los
griegos y los romanos. Fue una época de famosos exploradores, de
descubrimientos y avances en ciencia y astronomía. El hombre investigó también
en los misterios del espíritu y de las emociones. Todo esto influyó en
pintores, arquitectos y artistas.
Los compositores demostraron
mayor interés en escribir canciones populares y música para instrumentos solos,
pues hasta ese momento se escribía mucha música vocal religiosa. La textura
predominante fue la polifónica, con el uso de imitación de voces. En esta época
se escribía tanto música religiosa como secular, la mayoría para ser cantada a
capella. Las formas principales fueron motetes y misas dentro de la religiosa,
y los madrigales en la música secular. Los compositores escribieron para varias
voces en forma imitativa. A este estilo se le conoce como contrapuntístico.
Durante el siglo XVI, la
iglesia protestante de Martín Lutero entonaba himnos en alemán en lugar de
cantarlos en latín. Estos himnos o corales alemanes eran cantados por toda la
congregación, como una manera de atraer nuevos fieles.
En cuanto a la música secular,
se escribieron canciones populares, algunas en estilo contrapuntístico y otras
en forma de melodía con acompañamiento (textura homofónica). Entre estos tipos
de canciones destacan: frottola (italiana), lied (alemana), villancico
(española), chanson (francesa) y madrigal (italiano).
Música instrumental
Hasta principios del siglo
XVI, los instrumentos cumplían un rol secundario, acompañaban a las voces o servían
para danzar. A partir de ese momento, los compositores demostraban su interés
por escribir música pura instrumental. Josquin des Prez y Palestrina fueron sus
principales compositores.
EL BARROCO
El estilo Barroco nació en
Italia y significa “piedra preciosa irregular”, y está relacionado con la
cargada ornamentación manifestada en el arte y la arquitectura del siglo XVII.
Comprende desde el año 1600 (nacimiento de la ópera y el oratorio) hasta 1750
(muerte de J.S. Bach).
El Barroco fue una época de
arte exquisito, tanto en la pintura como en la música. Las primeras
composiciones barrocas, en las que predominaba la música instrumental, las
hicieron los maestros italianos, como: Corelli, Albinoni (renombrado por su
adagio) y Vivaldi (famoso por su obra Las cuatro estaciones). Otros compositores
famosos fueron: Pachelbel, conocido por su Canon; Henry
Purcell, el gran compositor inglés; Handel, quien
escribió la famosa obra coral El Mesías; y Johann Sebastian Bach, considerado uno de los compositores más
grandes de todos los tiempos.
Algunos compositores menos
comprometidos con las iglesias fueron empleados por miembros de la realeza para
escribir música destinada a ocasiones especiales, como las danzas
aristocráticas. De este modo, al escribir la música que les encargaban, podían
acceder a una vida confortable y gozar de comodidades.
A principios de siglo,
predominó la textura homofónica que antencedió a la textura polifónica. Durante
los primeros años del Barroco, los viols fueron reemplazados por los violines.
Algunas familias italianas construyeron los mejores violines, entre ellas la
prestigiosa familia Stradivari (Stradivarius). Al mismo tiempo, se formaba la
primera orquesta constituida, principalmente, por cuerdas y clavecín. Este
último era un instrumento de teclado que cumplió un rol muy importante por su
brillante sonoridad. En la música escrita para orquesta estuvo siempre presente
el basso continuo, una melodía en el bajo interpretada por los violoncelos y
contrabajo, acompañada por el clavecín; cuyas mayores obras se encuentran en la
música vocal religiosa. A fines del siglo XVII, la mayoría de las obras estaban
basadas en el sistema de tonalidades mayores o menores.
Los compositores barrocos
crearon nuevas formas musicales como la ópera, el oratorio, la cantata, el
recitativo y el aria; también, la suite, la obertura, la sonata, el concerto
grosso, el solo concerto, la forma ritornello y la fuga.
Estos artistas tenían la
certeza de que las obras debían ser uniformes en carácter. Así, una pieza
barroca suena alegre o triste de principio a fin. En cuanto a la dinámica de la
música, esta presentaba contrastes. Por ejemplo, una sección de la música se
tocaba fuerte y la repetición de la misma se hacía suavemente, de manera
súbita. Los dos máximos representantes del barroco tardío fueron: George Frederic
Handel y Johann Sebastian Bach. Asimismo, en este periodo se escribieron las
primeras óperas.
CLASISISMO
El neoclasicismo representa el
volver a las características de la época clásica (1750-1810), en la segunda
mitad del siglo XVIII. En este periodo se afirmaron formas musicales que
continúan vigentes hasta nuestros días: la sinfonía, el concierto solista y la
sonata. Del mismo modo, se dio mucha importancia a las obras instrumentales. La
música y los músicos empezaron a depender menos de las clases altas, ya que en
este tiempo emergió la burguesía.
Por tanto, los compositores se
dedicaron a escribir obras que no dependían del mecenazgo. Viena pasó a ser un
centro importante de difusión musical. Aparte de ello se fundaron casas
editoras que abastecieron a los amantes de la música y surgieron las fábricas
de instrumentos, sobre todo de pianos que sustituyeron gradualmente a los clavicémbalos.
Fueron características de la
época: el uso de la textura homofónica (melodía con acompañamiento), el
balance, el equilibrio, la simplicidad, la belleza y el predominio de la línea
melódica. En la orquesta se agregó la sección de vientos de madera y se retiró
el clavecín; mientras que en la forma concierto, el solista adquirió mayor
importancia. Antes de finalizar el primer y/o tercer movimiento, usualmente, se
presentaba una sección de música llamada cadenza, que sugiere que el movimiento
va a terminar. En ella, el solista hace un brillante y decorado resumen de las
ideas musicales expuestas anteriormente. Era común que el mismo intérprete
escribiese su propia cadenza. Haydn y Mozart fueron dos músicos notables de
este periodo, seguidos posteriormente por Beethoven. Haydn fue uno de los
grandes revolucionarios, aportó avances en la estructura y en la forma, en la
armonía y en la melodía. Le gustaba experimentar y sorprender a su audiencia
con lo inesperado, como un súbito cambio de tonalidad.
Mozart fue un niño prodigio,
quien se desarrolló como un brillante compositor con gran facilidad. “Nadie ha
dedicado tanto cuidado al estudio de la composición como yo lo hago”, dijo a su
padre. Su música combina deslumbrantes melodías con profundidad emocional. A
diferencia de Haydn, Mozart se obsesionó con la perfección simétrica.
Por su parte, Beethoven,
compositor alemán, fue un excéntrico genio atormentado. Se aisló del mundo
debido a su sordera. Utilizó las formas que Haydn, Mozart y otros músicos desarrollaron,
combinándolas con su auténtica y poderosa musicalidad. Todo ello dio como
resultado una música que, además de ser popular, era profunda. Beethoven abrió
las puertas al Romanticismo.
La ópera, principalmente la
italiana, decae y se inicia un proceso de identidad nacional con óperas en
lengua alemana, francesa, rusa e inglesa. Se establece la diferencia entre la
ópera trágica y la ópera bufa. Mozart hizo que la música fuese el elemento más
importante, permitiendo la evolución de sus personajes en el escenario y
aportando situaciones de la vida cotidiana. La Flauta Mágica, una de sus
óperas, es una de las más conocidas que se hayan escrito.
ROMANTICISMO
“Lo que hay en mi corazón debe
salir y por eso lo escribo”, dijo Beethoven, declarándose, así como el primer
músico romántico. El Romanticismo comprende casi todo el siglo XIX, o sea,
desde 1820 hasta 1900, época cuando las emociones fluían. En cierto modo, fue
una rebelión en contra del Neoclasicismo del siglo XVIII y de la era de la
razón. Los escritores se apartaron de los esquemas convencionales y pusieron
énfasis en la libertad de expresión. Fue un movimiento internacional que
influenció en todas las artes, en que la subjetividad emocional fue la cualidad
básica. El Romanticismo tenía como precepto que en el mundo existían realidades
inevitables que solo se podían captar mediante la emoción, el sentimiento y la
intuición. La música intentaba expresar estas emociones y describir esas
verdades más profundas. Los compositores utilizaron las formas musicales del
periodo anterior y la tonalidad para expresar sus sentimientos.
Además, fue un tiempo de contrastes. Schumann y Chopin
escribieron bellísimas piezas cortas para piano, mientras que Mahler y Bruckner
escribieron sinfonías de una hora de duración, aproximadamente. Tchaikovsky,
quien tuvo una vida difícil, escribió magnífica música para ballet, al mismo
tiempo que lúgubres sinfonías. Asimismo, Sibelius basó sus composiciones en la música
tradicional de Finlandia. Cabe mencionar la importancia de la música de
Rachmaninov, cuyas expresivas sinfonías son muy usadas en el cine.
Wagner escribió su gran drama
musical, El anillo de los Nibelungos, de aproximadamente 16 horas de duración;
el cual narra la fortuna de Sigfrido y Brunilda en la fantasiosa tierra del
Rin. Por otra parte, la música empezó a conectarse con la política: Wagner,
quien era antisemita, que muy requerido por las máximas figuras nazis de
Alemania.
Verdi, autor de las célebres
óperas Rigoletto, La fuerza del destino y Aida, se vio involucrado con la
política, ya que vivió durante la dictadura posnapoleónica.
Puccini, su compañero y compatriota,
fue el maestro del melodrama; sus óperas contienen algunas de las más bellas y
memorables melodías vocales de todos los tiempos.
LOS SIGLOS XX Y XXI
La música se divide en dos etapas: la música moderna,
que va de 1900 a 1945, y la música contemporánea, desde 1946 hasta la
actualidad. Los músicos siempre buscan nuevas sonoridades, así tenemos
diferentes corrientes o tendencias que se dieron y se siguen dando en este
periodo:
El expresionismo trajo como
consecuencia que los compositores elaboraran diferentes sistemas para componer.
Tenemos así:
■ La atonalidad, sistema
contrario al de la tonalidad; es decir, no tiene un centro de atracción común
como se veía en las épocas anteriores.
Relación sin referencia a la
escala diatónica; su fi n es la melodía (fuerza generadora). Favorece las
formaciones disonantes (estridentes).
■ El dodecafonismo, es una
forma de música que establece nuevas relaciones entre los sonidos; esto es,
trabaja con una serie o planteamiento de doce notas de una escala cromática,
sin establecer ninguna jerarquía entre ellas. Contraria a la música tonal, como
también al caos que generó la atonalidad, trajo como consecuencia la independencia
entre cada sonido. Su inventor fue el vienés Arnold Schöenberg (1874-1951), miembro
de la Escuela de Viena, quien en 1912 compuso Pierrot Lunaire. Fueron sus
discípulos: Alban Berg (1885-1935), creador de las óperas Lulú y Wozzeck, y
Anton Webern (1833-1945). El desarrollo de los medios de comunicación, gracias
a los avances tecnológicos, posibilitó no solo la producción de nuevas fuentes
sonoras, sino también, la rápida difusión de cualquier innovación, como de
nuevos movimientos musicales, entre ellos destacan:
El minimalismo. Apareció en
Estados Unidos en la década de 1960, partió como una reacción constante al laberinto
de la música serial y al lúdico método de la música aleatoria. Se caracteriza
por trabajar con pocos elementos; fue impulsado por el movimiento Fluxus, el rock,
las ragas, polirritmias del norte de África, entre otros. Insistente repetición
de motivos melódicos cortos, con una actitud musical muy meditativa.
■ La simbología musical. A
mediados de la década de 1960, muchos compositores vieron necesario inventar sus
propios símbolos para sus obras, como citar fragmentos de obras de épocas
anteriores (collage). Su exponente principal es George Crumb (n. 1929), autor
de Voces Ancestrales de Niños (1970).
Luego de leer la historia de la música, en una hoja Bond o Word elabore una linea de tiempo resumiendo las principales características, compositores y obras de cada periodo musical, recuerde que una vez terminado su trabajo deben colocarlo en su portafolio virtual de arte para su revisión de acuerdo a las fechas programadas, recuerda enviar tu portafolio del segundo bimestre completo ya que se evalúa el proceso de aprendizaje no el producto, en el formato pdf usando la orientación vertical.
Si bien la historia de la
música se remonta a las tribus prehistóricas, comenzamos nuestro recorrido
por el Renacimiento (finales del siglo XIV – siglo XVII). Fue
entonces cuando los compositores de música clásica pudieron por fin imprimir
sus obras. La imprenta de Gutenberg (1450) contribuyó a la difusión
musical. En esta época, además, nacen los primeros sistemas de afinación
de instrumentos y se comienza a alterar las notas con sostenidos, bemoles y
becuadros, buscando una mayor expresividad.
Hay varias escuelas musicales
renacentistas: la franco-flamenca, la inglesa, la alemana, la española… Y sobre
todo, la italiana, que destaca por Giovanni Pierluigi da Palestrina y
por Claudio Monteverdi.
Monteverdi es un compositor de
música clásica clave en la transición entre el Renacimiento y el Barroco
musical. Son famosos sus madrigales (piezas musicales de tres a seis voces que
cuentan una historia laica), así como L‘Orfeo, que se considera la primera
ópera de la historia.
GEORGE FREDERIC HAENDEL
La característica principal de
la música barroca (de 1600 a 1750) es el contraste: se busca la oposición
en el ritmo, en los matices, en la sonoridad, en los instrumentos, etc. Además,
enesta
época surge la orquesta (que de momento es aun pequeña) con instrumentos
agrupados por familias: cuerda, viento y a veces percusión.
Friedrich Haendel es uno de
los más importantes compositores de música clásica de esta etapa. Alemán
nacionalizado inglés, Haendel comienza escribiendo óperas en italiano, sin
éxito. Sin embargo, se da cuenta de que en inglés sí que funcionan, así que
dedica su carrera a obras instrumentales y vocales en este idioma. Ponía música
a los grandes eventos de la corte, por ejemplo la Música acuática,
compuesta para los paseos en barco por el Támesis del rey Jorge I.
Su obra más famosa es El
Mesías, una de las piezas fundamentales de la música sacra de todos los
tiempos.
ANTONIO LUCIO VIVALDI
Vivaldi nació en una familia
de músicos, y comenzó a estudiar en la escuela de San Marcos de Venecia. Para
seguir su vocación musical, se ordenó sacerdote, por lo que se ganó el apodo de
“el cura rojo”, ya que era pelirrojo. Sin embargo, el compositor y músico
italiano ofició pocas misas y demostraba escaso interés por la vida religiosa.
Por el contrario, Antonio
Vivaldi es uno de los compositores de música clásica más prolíficos, ya que
compuso más de 700 obras, entre ellas 46 óperas y más de 400
conciertos. El más famoso es el Concierto opus 8, RV 269, 315, 293,
294: en otras palabras, Las cuatro estaciones. En realidad son cuatro
conciertos, con una intención claramente pictórica: cada instrumento representa
algo descriptivo del paisaje, arroyos, pájaros, fuegos, etc.
JOHANN SEBASTIAN BACH
Considerado por muchos como el
más grande de los compositores de música clásica de todos los tiempos, la
carrera de Bach puede dividirse en varias etapas. Se corresponden con las
ciudades donde vivió: Arnstadt (1703-1707); Mülhausen (1707-1708); Weimar
(1708-1717); Köthen (1717-1723) y Leipzig (1723-1750).
Su periodo en Köthen fue uno
de los más fértiles musicalmente hablando: de esta época son sus dos conciertos
para violín y los seis Conciertos de Brandenburgo. Sin embargo, sus obras
más conocidas son de la época de Leipzig. Se trata de sus
dos Pasiones (Pasión según San Mateo y Pasión según San
Juan), la Misa en si menor y el Oratorio de Navidad.
Tal es su importancia en la
historia, que se considera que con la muerte de Johann Sebastian en 1750
finalizó la era Barroca en la música.
JOSEPH HAYDN
El Clasicismo musical coincide
con la época de la Ilustración. Con la Revolución Francesa, los ideales de
igualdad, libertad y fraternidad se aplican a la música. El arte y la
enseñanza se popularizan, y la música busca ser un lenguaje universal,
accesible para todos. Se dejan atrás las florituras y artificios del barroco.
Lo fundamental es que la música clásica sea agradable, que ‘entre por el oído’.
El austríaco Haydn es uno de
los compositores de música clásica más influyentes en el desarrollo de la
música clasicista. Con 27 años compuso sus primeros cuartetos de cuerda,
por los que se hizo famoso. El propio compositor reconoció la supremacía
de su amigo Mozart; pero Haydn hizo grandes aportaciones al desarrollo de la
sinfonía. A partir de entonces, esta comenzó a estructurarse en cuatro
movimientos.
Wolfang Amadeus Mozart (1756 –
1791). Clasicismo
Amadeus Mozart fue un
niño prodigio que a los seis años ya era un intérprete avanzado de violín, pero
tuvo una vida corta y llena de penurias económicas.
A pesar de todo, en sus 35
años de vida, este genio de la música compuso más de 600 piezas. Su obra
abarca todos los géneros: sinfonías, divertimentos, sonatas, música de cámara,
conciertos, opera y música de iglesia. Su última composición,
una Misa de Réquiem, quedó inacabada, pues una dolencia renal acabó con la
vida de Wolfang Amadeus en 1791. Solo unos pocos amigos fueron al funeral de
Mozart, quien, sin embargo, ejerció una gran influencia en los compositores de
música clásica posteriores.
Ludwig van Beethoven (1770 –
1827). Inicios del Romanticismo.
El Romanticismo musical
comienza en 1800, con la 1ª Sinfonía de Ludwig van Beethoven. En
esta época, se defiende la libertad creadora del artista. Beethoven será
considerado el primer artista independiente. Ya no se apela a la razón, sino al
sentimiento. La música se convierte en un lenguaje que intenta expresar aquello
que no se puede explicar con palabras. Cada autor romántico tiene su estilo
personal, subjetivo.
Beethoven estudió con Joseph
Haydn, y aunque decía no haber aprendido nada de él, asimiló enseguida el
clasicismo vienés. Poco a poco, fue creando su propio lenguaje, en todos los
géneros musicales.
La mayoría de las obras más
conocidas de Beethoven pertenecen a su primera etapa, la llamada ‘década
heroica’. Sin embargo, la sordera del músico hizo que se aislara de la
sociedad justo cuando su fama alcanzó su punto culminante, y desde 1818, su
música quedó relegada a un pequeño grupo de expertos, salvo por los estrenos de
la sinfonía n 9 y la Missa Solemnis.
FREDERIC FRANCOIS CHOPIN
La construcción y ampliación
del piano cambió el rumbo de la historia de la música clásica. El piano ganó en
matices y en volumen. Y si hay un compositor famoso por su virtuosismo al
piano, ese es Frédéric Chopin.
Su primera obra para piano la
compuso con tan solo siete años, aunque tuvo que ser su padre quien escribiera
la partitura. Con ocho años ya era considerado un niño prodigio, y daba
conciertos ante los aristócratas.
Chopin es un exponente
fundamental del Romanticismo pleno (el que se desarrolló entre 1830 y 1850),
por su azarosa vida personal y, musicalmente, por su uso de las formas del
folclore popular.
Wilhelm Richard Wagner.
Con el Romanticismo llegando a
su fin, los compositores de música clásica buscan un lenguaje único. Usan las
sonoridades de una manera más libre.
Richard Wagner se caracterizó
por el uso de cromatismos (es decir, de notas intermedias en la
escala). Así conseguía dar mayor expresividad a sus obras, sobre todo
a sus óperas (que él llamaba “dramas musicales”). En ellas, cada personaje
tenía una tonalidad distinta. La música estaba al servicio de la expresión
dramática.
Wagner buscaba que todas las
artes dentro de una ópera tuvieran la misma importancia (música,
vestuario, coreografía, libreto…). Él mismo escribió el libreto y diseñó
la escenografía de, entre otras, El anillo de los Nibelungos o Tristán
e Isolda.
La lista seria larga pero nos centraremos en los compositores señalados a continuación
George Bizet
Johannes Brahms
Igor Stravinsky
Peter Ilyich Tchaikovsky
Giussepe Verdi
Johannes Brahms
Antonin Dvorak
Joaquin Rodrigo
Maurice Ravel
Giacomo Puccini
Johann Strauss
Rimsy korsacov
Felix Mendelssohn
Gioachino Rossini
Manuel de Falla
Cada uno de ellos tiene una o muchas obras de gran calidad artística que la gente disfruta escucharlas y muy conocidas ahora nos toca ubicaras en su contexto histórico para comprender la evolución o el aporte que cada uno de ellos dio a la música en su tiempo pero que trascendió hasta la actualidad TRECEAVA ACTIVIDAD
Luego de desarrollar el tema van a elaborar una infografía de un compositor de música clásica, el trabajo debe contener biografía obras y características de su estilo, recuerde que una vez terminado su trabajo deben colocarlo en su portafolio virtual de arte para su revisión de acuerdo a las fechas programadas
EL PROYECTO ARTISTICO
Como ya sabemos una de nuestras competencias del área es la elaboración de proyectos en esta oportunidad vamos a imaginar un proyecto artístico para la especialidad de música, recordemos que este lenguaje artístico puede manifestarse de distintas formas, como la interpretación instrumental y vocal de forma individual o grupal, la composición de temas musicales de diferentes géneros, la elaboración de instrumentos formales (los luthieres) o creativos usando material reciclado, también se podrían incluir la organización de festivales concursos o talleres de enseñanza musical, entre otros ya que esta queda a nuestra imaginación, lo que debemos tener en claro que este documento es una planificación del trabajo necesario para el cumplimiento del objetivo.
Es un trabajo mental teórico, no se puede iniciar alguna actividad sin haberlo concluido, presentado y aprobado por la autoridad competente.
Es un documento formal debe seguir todas las pautas APA de márgenes tipo de letra espaciamiento y redacción argumentativa en su elaboración, no se explican las técnicas o procedimientos de elaboración, (no es un tutorial) puede llevar imágenes planos esquemas para ayudar a su comprensión.
recordemos que la fundamentación es lo mas importante, el porque es necesario que se realice el proyecto, no debe ser muy extensa pero debe ser persuasiva y con argumentos validos , debe mencionar lo beneficios que traerá su ejecución.
el objetivo debe ser claro y concreto debe poder evaluarse, no añadir mas de 2 objetivos secundarios y de preferencia no se mencione el aspecto económico solo la parte artística.
el procedimiento es un cronograma de actividades del inicio o presentación del proyecto hasta su evaluación de termino del proyecto no olvidar colocar los tiempos totales de ejecución.
en los costos y servicios colocar cantidades y precios los mas cercanos a la realidad, en algunos casos se debe considerar posibles cambios por inflación, no olvida colocar el costo total del proyecto
En la evaluación debe colocarse los criterios para una calificación del producto artístico y un instrumento para la evaluación de proceso ya que este debe ser supervisado durante su ejecución para evitar errores o retrasos.
TITULO
CORO MONTSERRATINO 2020
DATOS INFORMATIVOS
Profesora Lourdes La Rosa Collantes
FUNDAMENTOS
Dentro del objetivo primordial de nuestra institución educativa como es brindar una educación integral y de calidad, y siendo las artes un área tan importante en la formación espiritual de los estudiantes, es que proponemos la continuación del coro escolar con los estudiantes de primero, segundo y tercer año, ésta actividad iniciada hace 3 años brindó numerosas presentaciones en las actividades religiosas y culturales del colegio.
Cabe destacar que la música coral es una actividad promovida por el Padre Serpa, muy vinculada a la historia de nuestro colegio desde su fundación, así como también ésta actividad va a desarrollar en los estudiantes diferentes capacidades como la responsabilidad, el trabajo en equipo, sensibilidad a las manifestaciones artísticas, la técnica vocal, dicción, memoria musical, así como la interpretación vocal.
Este proyecto permitirá tener un grupo de estudiantes que participen en las diferentes actividades internas del colegio, así como representarnos en eventos culturales a nivel local.
El repertorio que se abordará es la música popular peruana, latinoamericana, universal y de corte religioso, adaptado a la tesitura de los estudiantes.
Esperamos desarrollar con el proyecto coro, las potencialidades expresivas de los estudiantes a través del canto, formar la disciplina tanto a nivel personal como de trabajo en equipo para alcanzar un nivel musical coral adecuado.
OBJETIVOS
Objetivo principal
Formar un grupo coral de nivel competitivo que represente a nuestra institución en actividades internas y externas de nivel local
Objetivos secundarios
1.Enriquecer su vivencia estética musical de los estudiantes a través de la interpretación coral.
2.Fortalecer su identidad cultural mediante el conocimiento de las diversas manifestaciones culturales de su entorno.
3.Crear un espacio donde se pueda realizar una educación mutua en valores através de la participación de toda la comunidad en un proyecto coral escolar.
4.Fomentar la práctica de valores cristianos, a través de la reflexión y vivencia de losmismos, para crear actitudes que contribuyan a actuar con responsabilidad ylograr una mejor convivencia.
PROCEDIMIENTOS
Este proyecto consta de 5 etapas, las mismas que encierran una serie de actividades que se llevarán a cabo en forma secuencial y coordinada, favoreciendo el logro de los objetivos trazados.
1 PRIMERA ETAPA:
Aprobación del proyecto y determinación del horario, ubicación y equipamiento básico
Selección de los alumnos de primero, segundo y tercero dentro de las clases de arte como integrantes de base del coro
Solicitar la autorización y apoyo de los padres de familia
Convocar a los alumnos con interés en la música de otros grados a integrarse al coro
2 SEGUNDA ETAPA:
·Implementar la logística necesaria para los ensayos
·Elaborar un programa de actividades y horario de ensayos
·Inicio de los ensayos con el desarrollo de los fundamentos teóricos y técnicas básicas de respiración e Impostación vocal.
3 TERCERA ETAPA:
·Elaborar una ficha de observación para monitorear el trabajo de los alumnos.
·Seleccionar canciones corales para el repertorio
4 CUARTA ETAPA:
· Coordinar un horario de ensayos semanales (2 veces por semana)
·Coordinar las presentaciones corales tanto a nivel interno como externo.
·Buscar auspicios para el uniforme del coro institucional
5 QUINTA ETAPA:
·Presentaciones en fechas cívicas y actividades institucionales.
RECURSOS Y MATERIALES
Docente y estudiantes de primero y segundo
Órgano electrónico, Equipo de sonido
Sillas, agua, folders para las partituras
Partituras fotocopiadas.
20 ponchos azules para uniforme institucional
EVALUACIÓN
La evaluación se contempla como un proceso permanente y continuo durante el desarrollo del proyecto, con la utilización de instrumentos que evaluarán los siguientes aspectos:
·Participación activa de los alumnos
·Nivel de logro técnico (empaste, vocalización, uso de la polifonía )
·El producto final será el concierto coral (grabación en vídeo)
·Satisfacción del publico (encuesta)
·Organización logística en el desarrollo del proyecto. (auditorio, folders, órgano)
En hoja Bond o Word van a elaborar un proyecto artístico de la especialidad de música, el trabajo debe seguir el formato que ya conocen, proponer una actividad o producto relacionado a esta especialidad artística, al terminar lo colocaran en el portafolio virtual de arte para su revisión de acuerdo a lo programado, se insiste en la necesidad de presentar su portafolio completo del 2 bimestre en el formato pdf, en sentido vertical y recordando a los alumnos que se evalúa el proceso de aprendizaje, como va evolucionando su trabajo de la 1 actividad hasta la ultima del bimestre, recuerden responder las preguntas de retroalimentación ¿Qué tan importante consideras que será su proyecto musical? Porque ¿Qué hemos aprendido el día de hoy? ¿Cómo hemos aprendido?-¿Qué dificultades hemos tenido al realizar la actividad? ¿Cómo las superamos.
EL REPERTORIO MUSICAL
Repertorio es un concepto que tiene origen en el
vocablo latino repertorĭum. Este es un término latino que significa “conjunto
de obras” En el campo teatral y musical, el término repertorio alude a un grupo
de textos comúnmente representados en teatros y salas de conciertos o bien
interpretados por un determinado intérprete, y pueden por tanto hacer
referencia:
a un repertorio operístico, conjunto de óperas que
suelen representarse con cierta regularidad en un teatro de ópera;
a un repertorio coral, conjunto de obras de canto
interpretadas habitualmente en una época
a un repertorio teatral, textos representados habitualmente
en un teatro o por un artista;
a un repertorio de canciones, es una lista de
canciones, interpretadas por diferentes o varios cantantes solistas e grupos
musicales;
Un repertorio de canciones, repertorio musical o
set de canciones (setlist en inglés) es una lista de canciones para una
presentación que enumera el orden de canciones, chistes, historias u otros
elementos de interpretación que un artista intenta reproducir, o tiene
planeado, durante un concierto específico.
Los artistas usan repertorios de canciones por una
variedad de razones más allá de ser solo un recordatorio del orden en que se
tocará su material durante una presentación. Se usan con mayor frecuencia para
ayudar al cantante o la banda a crear el ambiente general de un concierto en
vivo al permitirles crear una sensación memorable de extensión y variedad en el
tono, el tempo y la dinámica dentro de su interpretación, que a menudo es un
factor al crear grandes espectáculos.
Recordemos términos básicos
1.- Intérprete:
Es aquel
músico que ejecuta un instrumento, instrumentista o canta una canción cantante,
Si además de interpretar la música compone la misma se lo puede denominar como
cantautor. Un intérprete resulta ser un intermediario entre la música y el
oyente.
2.- Compositor:
es aquella
persona con la capacidad de hacer composiciones musicales. Es el que
sabe escribir composiciones musicales según las reglas del arte,
donde básicamente organiza una serie de sonidos solos o agrupados en forma de
acordes teniendo como base los parámetros de la teoría.
3.-Cantautor:
es aquel que
canta, y les pone música a sus propias creaciones. Reúne las cualidades de
poeta, músico y cantante, o sea una gran capacidad de expresar en bellas o
impactantes palabras, sentimientos o hechos, y, a la vez, posee conocimientos
musicales y una voz privilegiada y educada para el canto.
Los
cantautores, que frecuentemente son solistas, pueden elegir temáticas variadas
en sus repertorios. Puede tratarse de temas románticos, de protesta social, o
filosóficos.
Para conocer bien
la música hay que hacer un análisis musical de la pieza, conocer la
forma, acordes, como está construida, etc. Conocer del autor. Quién fue,
porque la escribió, en qué momento de su vida saber
el significado preciso de todas las palabras usadas en la
canción, así como el contexto en el que están dichas.
Saber
la historia del género o estilo musical encontrar
las emociones que destacan en la pieza vivir y sentir como si
fuera en carne propia, las emociones y situaciones que describe la pieza, conectar las
emociones y situaciones de la pieza con las propias trasladar
las emociones al cuerpo para así mostrarlas al público convencerte de
lo que estás diciendo y/o cantando
EL REPERTORIO MONTSERRATINO
En este sentido los alumnos del colegio Montserrat deben tener un repertorio musical propio compuesto de música religiosa con la que acompañamos las misas los triduos y procesiones (María mírame, el profeta, ), música criolla por pertenecer al centro de lima al barrio de Montserrat que tradicionalmente es un baluarte del genero criollo(los temas de polo Campos o Chabuca Granda) del vals criollo y la música cívica que usamos en las ceremonias cívicas patrióticas (Himno nacional, Himno del colegio, Gigantes del Cenepa ) así será necesario que cada alumno escriba y memorice las letras de estas canciones, ya que poco a poco se ira aumentando nuestro repertorio
https://www.youtube.com/watch?v=XVBRsbjCuFg
MARÍA MÍRAME
CORO
María mírame, María mírame, Si tú me miras Él también me mirará, Madre mía mírame, de la mano llévame, muy cerca de El ahí me quiero quedar.
I
María cúbreme con tu manto, que tengo miedo no sé rezar, que por tus ojos misericordiosos, tendré la fuerza tendré la paz.
CORO
María mírame, María mírame, Si tú me miras Él también me mirará, Madre mía mírame, de la mano llévame, muy cerca de El ahí me quiero quedar.
II
María consuélame de mis penas, es que no quiero ofenderle más, que por tus ojos misericordiosos
Quiero ir al cielo y verlos ya
CORO
María mírame, María mírame, Si tú me miras Él también me mirará, Madre mía mírame, de la mano llévame, muy cerca de El ahí me quiero quedar.
María mírame, María mírame, Si tú me miras, Él también me mirará, Madre mía mírame,…mírame de la mano llévame…llévame, muy cerca de Él que ahí me quiero quedar.
Jesucristo, Jesucristo, Jesucristo Yo estoy aquí! Jesucristo, Jesucristo, Jesucristo Yo estoy aquí! Jesucristo, Jesucristo, Jesucristo Yo estoy aquí! 1.-Miro al cielo y veo una nube blanca que está pasando miro a la tierra y veo una multitud que está caminando como esa nube blanca esa gente no sabe a dónde va quien les podrá decir el camino cierto es nuestro Señor!!
Jesucristo, Jesucristo, Jesucristo Yo estoy aquí! Jesucristo, Jesucristo, Jesucristo Yo estoy aquí!
Jesucristo, Jesucristo, Jesucristo Yo estoy aquí!
2.- Toda esa multitud en el pecho lleva el amor y paz y a pesar de todo la esperanza aumenta más mirando la flor que nace en el suelo de aquel que tiene amor! Miro al cielo y siento aumentar la fe en mi Salvador!!
Jesucristo, Jesucristo, Jesucristo Yo estoy aquí! Jesucristo, Jesucristo, Jesucristo Yo estoy aquí!
Jesucristo, Jesucristo, Jesucristo Yo estoy aquí!
3.- En cada esquina veo el mirar perdido de un hermano en busca del mismo viento una misma fe viene caminando Es mi deseo ver aumentando siempre esa procesión para que todos canten en una voz Esta oración!!
Jesucristo, Jesucristo, Jesucristo Yo estoy aquí! Jesucristo, Jesucristo, Jesucristo Yo estoy aquí! Jesucristo, Jesucristo, Jesucristo Yo estoy aquí! Jesucristo, Jesucristo, Jesucristo Yo estoy aquí! Jesucristo, Jesucristo, Jesucristo Yo estoy aquí! Jesucristo, Jesucristo, Jesucristo Yo estoy aquí!
Cuando despiertan mis ojos y veo Que sigo viviendo contigo Perú Emocionado doy gracias al cielo Por darme la vida contigo Perú Eres muy grande Y siempre lo seguirás siendo
Pues todos estamos contigo Perú Sobre mi pecho Yo llevo tus colores Y están mis amores contigo Perú Somos tus hijos Y nos uniremos Y asi triunfaremos contigo Perú
Unida la costa Unida la sierra Unida la selva Contigo Perú Unido el trabajo Unido el deporte Unidos el norte, el centro y el sur A triunfar Peruanos Que somos hermanos Que sea la victoria nuestra gran gratitud
Te darte mi vida Y cuando yo muriera Me uniré en la tierra contigo Contigo Perú Te daré mi vida Y cuando yo muera me uniré en la tierra Contigo Perú
Cholo soy y no
me compadezcas
Que esas son monedas que no valen nada
Y que dan los blancos como quien da plata
Nosotros los cholos no pedimos nada
Pues faltando todo, todo nos alcanza
Déjame en la
puna, vivir a mis anchas
Trepar por los cerros detrás de mis cabras
Arando la tierra, tejiendo los ponchos, pastando mis llamas
Y echar a los vientos la voz de mi quena
Dices que soy triste
¿Qué quieres que haga?
No dicen ustedes
que el cholo es sin alma
Y que es como piedra, sin voz, sin palabra
Y llora por dentro, sin mostrar las lágrimas
Acaso no fueron
los blancos venidos de España
Que nos dieron muerte por oro y por plata
No hubo un tal Pizarro que mató a Atahualpa
Tras muchas promesas, bonitas y falsas
¿Entonces qué
quieres, qué quieres que haga?
Que me ponga…
La música como las demás expresiones artísticas el ser humano, se puede aproximar mediante la practica o ejecución, así como de la apreciación estética para esto nos guiaremos de algunas pautas:
PRIMERA se recomienda una escucha libre simplemente para disfrutar la pieza musical, luego una escucha atenta para la descripción, busquemos reconocer instrumentos, ritmos, géneros si es suave o vibrante, de fuerte sonoridad o más bien baja, en realidad lo que debemos reconocer son los elementos o cualidades del sonido.
SEGUNDA debemos buscar relacionarla con lo que ya sabemos quién es su autor, a que genero pertenece, en que año se compuso, toda esta información debe surgir de una investigación bibliográfica o de internet, otra parte del análisis seria describir la forma o estructura compositiva, el uso de los tiempos el ritmo y el tipo de melodía, esta parte si se requiere además de conocimientos musicales cierta experiencia en la identificación auditiva de las mismas.
TERCERA ensayar una interpretación o reflexión creativa o critica de la obra, esta parte está referida a la música clásica llamada también música culta, y es una parte muy subjetiva ya que si bien los grandes compositores pudieron legarnos obras que conmueven nuestra sensibilidad de manera clara e inequívoca hay otras expresiones musicales que no lo hacen de forma clara o que no están hechas para transmitir un mensaje por lo que no habría nada que interpretar
Para apreciar adecuadamente una pieza musical lo primero que debemos tratar de eliminar son las interferencias sonoras, recordemos que la música puede tener fragmentos de muy baja intensidad y si tenemos ruido de fondo no escucharemos la pieza completa.
Esta actividad pretende acercar al alumno al lenguaje de la música para la mejor comprensión de las obras de los diferentes géneros, períodos y compositores.
Se procura, además, dar una visión integral de la música dentro del proceso histórico y cultural.
·Viento metal: trompeta, trompas, trombones tenores y bajos, tuba, saxofones.
·Percusión: varía muchísimo dependiendo de la obra, el instrumento principal son los timbales la caja, la marimba, los platillos, el gong o el triángulo entre muchos otros.
·Cuerdas: violines, violas, chelos, contrabajos, también el arpa y el piano.
La apreciación musical al final tiene el objeto que se adquiera y refine el gusto artístico en forma general debemos seguir los siguiente pasos
1.-nombre de la obra
2.- nombre del autor con indicación de su nacionalidad años de vida y contexto histórico
3.-referencia al conjunto de instrumentos con que se toca
4.-referencia a la finalidad de la audición ya sea la observación de instrumentos, voces, o formas musicales
Veamos un ejemplo con una obra muy conocida y de carácter narrativo como es Pedro y el lobo
AUTOR DE LA MÚSICA Serge Prokofief compositor Ruso nacido en 1891 al 1953
CONJUNTO QUE TOCA orquesta sinfónica
FINALIDAD DE LA AUDICIÓN escuchar un cuento sinfónico
INSTRUMENTOS QUE REPRESENTAN A LOS PERSONAJES
PAJARITO flauta
PATO oboe
GATO clarinete
ABUELO fagot
CAZADORES timbales y el bombo
PEDRITO instrumentos de cuerda
LOBO cornos y trompas
DESCRIPCIÓN
Siguiendo la linea narrativa del cuento los instrumentos van apeteciendo de uno en uno primero el fagot que representa al abuelo luego los violines que representa a Peter, luego ingresa la flauta, luego el oboe, luego el clarinete y después del desarrollo de la melodía aparecen los cornos y trompas para el desenlace de la obra creando un clima de tensión y agitación, luego hacen su ingreso los instrumentos de percusión como los timbales y el bombo para el desenlace de la historia, luego sigue una melodía mas alegre antes de el final.
COMENTARIO
Aquí colocaran sus impresiones luego de escuchas la obra, al igual que nuestro ejercicio de lectura visual nos servirá para valorar mejor estas expresiones artísticas, partimos del principio que todos los seres humanos reaccionamos de forma similar ante un estimulo, por lo que las opiniones tendrán un rango de variación pero no podrán ser contrapuestas, nos podrá agradar o no, eso dependerá de nuestro temperamento, estado emocional, cultura general y gusto estético.
Identificar los instrumentos empleados en las obras musicales.
Reconocer el “ánimo” o disposición de la obra musical.
Relacionar el contexto histórico cultural de la obra con sus características musicales.
Identificar las principales características del género musical al que pertenece la obra.
Investigar las particularidades (características) de la obra musical
CONOCIMIENTOS Y DESTREZAS PREVIAS DEL ESTUDIANTE
Para realizar una correcta apreciación debemos estar en capacidad de:
Encontrar información pertinente en forma efectiva (eficientemente) utilizando diferentes medios como Internet, enciclopedias virtuales, videotecas, libros, revistas, etc.
Conocer conceptos musicales básicos, como: ritmo, melodía y género.
Tener destrezas en el análisis de textos y en la síntesis de información proveniente de diferentes fuentes.
Nuestras siguientes actividades se van a
basar en los siguientes vídeos producidos por los animadores del área de formación
de públicos del gran teatro nacional, al que pertenecíamos hace algunos años, por
favor en cuanto puedan véanlos tomen notas porque la actividad n 4 será
elaborar un proyecto de teatro y la actividad n 5 será producir elaborar la obra
según las indicaciones de este curso hecho especialmente para jóvenes y cuya culminación
fue un concurso de las obras de teatro ya he visto algunas de sus publicaciones
y espero que todos ustedes puedan elaborar obras de teatro interesantes.
El lunes 13 se publicará la actividad n
4 cuyo producto será un proyecto de obra de teatro personajes argumento
contexto y desenlace.
El lunes 20 la actividad 5 será el desarrollo
de la obra presentada la semana anterior es decir su libreto terminado y un
vídeo o foto de un fragmento del montaje de la obra
Estimados alumnos para mejorar la presentación de sus
trabajos les sugiero que cuando se envíen fotos o imágenes de sus trabajos por
favor envíenlos de forma que se vean sin sombra y de forma nítida.
Para lograr esto les sugiero que empleen el google fotos
scan que es una app gratuita que puede usarse en todos los celulares, pueden
usar otras aplicaciones como algunos alumnos que ya lo hacen ya que el
resultado es el mismo
Por
las importantes fechas cívicas pasadas no tuvimos actividades las semanas
anteriores por lo que ahora deberán resolver el siguiente
cuestionario de música, la recomendación es que estudien los contenidos
desarrollados de este tema antes de rendir su prueba y como ya conocen es
un formulario de google auto calificable una vez que ingresan a él se graba sus
respuestas y no se puede volver a repetir porque conociendo las preguntas
las respuestas serian todas correctas, lean con atención hay preguntas de
respuesta múltiple ósea que para tener el puntaje valido
deberán seleccionar las 2 características que exige la pregunta. tendrán solo un día para responder ya que el 14 de julio a las 10 pm se cerrara el link para el examen.
Al comienzo de la historia los seres humanos vivían solo con
la naturaleza que los rodeaba, no existían las ciudades, ni los puentes, ni el
dinero; ni siquiera las casas se construían como ahora. Y mucho menos existía
la idea del teatro tal como muchos lo conocemos hoy día. Sin embargo, ya desde
el inicio de la historia de la humanidad apareció una necesidad muy fuerte en
los seres humanos: la de representar. Los primeros hombres y mujeres empezaron
a imitar algunos fenómenos de la naturaleza, como la lluvia, el rayo, el día,
la noche, o cualquier otro que conocían, pero no sabían explicar. Imitaban
también acciones que ejecutaban ellos o los miembros de su comunidad, como
cazar animales, dar a luz, etcétera. Dichas representaciones estaban ligadas a
algunas creencias religiosas. Así, si representaban el acto de la caza,
pensaban que esta sería un éxito; si homenajeaban a sus dioses, quienes muchas
veces eran personajes de la naturaleza, estos se lo agradecerían
posteriormente. Las representaciones se realizaban siempre de un modo similar y
eran conocidas por todos los miembros de la comunidad. A estas ceremonias se
les llamó rituales.
TEATRO GRIEGO
Los griegos de la ciudad de Atenas celebraban rituales en honor
a Dionisio (el dios que simbolizaba la fecundidad y la vida). A esta deidad se
le atribuía la introducción de la vid (uva) y por eso se le consideraba también
dios del vino. Sus fiestas eran excesivas y apasionadas. En ellas, unos 50
hombres dirigidos por un jefe constituían un coro que, mediante cantos y
danzas, alababan a este dios y, a menudo, contaban una historia antigua o un
mito. A esta celebración se le nombró ditirambo. Tiempo después, el coro se
dividió en semicoros, cada uno de los cuales respondía al otro y era guiado por
un líder llamado corifeo o jefe, de modo que estos corifeos comenzaron a
dialogar entre sí. Un día a tales cantos alguien respondió con palabras de
Dionisio y fue entonces cuando se introdujo la representación del “propio dios”.
Más adelante se invocó a otros dioses o héroes griegos, surgiendo de esta
manera los personajes. Habiendo historia, diálogos y personajes estamos muy
cerca de lo que es el teatro que conocemos actualmente. Posteriormente,
aparecieron distintas formas teatrales, tres de las cuales marcaron las pautas
de lo que sería el teatro: la tragedia, el drama satírico y la comedia.
LA TRAGEDIA
En la tragedia se mantuvo el coro, integrado por 12 a 15
hombres. El relato que se representaba estaba escrito en verso y se
estructuraba en escenas o episodios. Los cantos del coro eran seguidos por
momentos de diálogo entre los personajes importantes (nunca más de tres
personajes en una escena) y así sucesivamente. Después del último episodio el
coro cerraba la historia con un canto final.
Como las historias que se representaban estaban basadas en
mitos y relatos griegos, los ciudadanos se sentían muy identificados con ellas.
El objetivo no era solamente contarlas, sino reflexionar sobre el carácter de
los personajes y las consecuencias de las acciones individuales.
Los tres principales autores de la tragedia griega y algunas
de sus obras:
■
Esquilo (Prometeo encadenado, La Orestiada).
■ Sófocles (Antígona, Edipo
Rey, Edipo en Colona).
■ Eurípides (Medea, Electra, Las suplicantes).
EL DRAMA SATÍRICO Y LA COMEDIA
En la antigua Grecia
se convocaban concursos para que los escritores o poetas representaran sus
obras. Aparte de tres obras trágicas (una trilogía), cada poeta tenía que
presentar una sátira. El drama satírico se parecía a la tragedia tanto en su
estructura formal como en su temática de carácter mitológico, sin embargo, se
atrevía a burlarse de los dioses y sus mitos. Podría decirse que era una
tragedia divertida. La comedia tuvo un origen similar. Era representada después
del drama satírico. Su argumento se extraía más de la vida cotidiana que del
mito. Los grupos que danzaban se burlaban de los espectadores. Luego
aparecieron personajes que entablaban un diálogo en el cual ridiculizaban las
tendencias políticas, religiosas, filosóficas y literarias de la época. En el
teatro griego los actores eran todos hombres, quienes caracterizaban a varios
personajes, ya fueran estos masculinos o femeninos. Ellos usaban como vestuario
túnicas de calidades y colores distintos, según los personajes, y grandes
máscaras para que el público pudiera verlos desde lejos. Dichas máscaras
recalcaban las características de los personajes. Las máscaras morenas
representaban personajes masculinos, y las claras, los femeninos. Además, usaban
zapatos con una plataforma muy alta para ganar tamaño, a los cuales llamaban
coturnos. El movimiento era estilizado y se daba gran importancia a la voz. La
música acompañaba a las danzas todo el tiempo.
EL ESPACIO ESCÉNICO
El teatro se volvió
tan popular que, si bien al inicio se representaba en las plazas públicas bajo
toldos o tiendas, más adelante se escenificaba en construcciones especialmente
edificadas para ello en cada ciudad importante; algunos de estos teatros aun
hoy sobreviven. En la base de los cerros se creó primero un área circular y
plana utilizada para las danzas del coro, llamada orquesta o ’lugar donde se
baila’. Alrededor de la orquesta se colocaban gradas de madera para los
espectadores. Posteriormente, aprovechando la falda de los cerros, se
construyeron graderías semicirculares alrededor de la orquesta, reforzadas con
piedras. Este espacio fue llamado theatrón , palabra griega que significa
’lugar desde el cual se ve. Ahí se ubicaba al público y tenía una capacidad
para 15 mil a 20 mil espectadores. Los toldos o tiendas que se armaban en las
plazas para los actores (o skené) se convirtieron en un cuarto rectangular
frente a la orquesta, y delante de esta se armó un espacio alargado (proscenio
o ‘lugar frente a la skené’) desde donde hablaban los actores; este es el
origen del escenario. Conforme los actores ganaban importancia y la del coro
disminuía, los escenarios se fueron agrandando y tomando parte del espacio de
la orquesta. Además, se erigieron tres niveles que separaban a los grupos
participantes en la ceremonia: en el más bajo se situaba el coro; en el
intermedio, los actores, y en el más alto, los dioses.
TEATRO ROMANO
En el siglo IV a.C., la república romana había empezado su
expansión y Grecia terminó siendo absorbida por esta. Los romanos reconocieron
el alto nivel cultural alcanzado por los griegos e intentaron imitarlos en
muchos sentidos, hasta llegar a fusionar finalmente esta cultura con la suya.
Por eso se suele hablar de la cultura grecolatina.
Los romanos heredaron
la tradición de las últimas comedias griegas; y aunque sus primeras
representaciones también estuvieron ligadas a lo religioso, terminaron
convirtiéndose especialmente en un medio de entretenimiento. Los más grandes
autores de estas comedias romanas fueron Plauto y Terencio. Asimismo,
introdujeron el arco dentro de las construcciones. Con este elemento
arquitectónico, los teatros ya no necesitaron las colinas como apoyo para las
graderías y pudieron ser situados en medio de una manzana o cuadra. La reducción
de la importancia del coro hizo que el área destinada a él, la orquesta, fuera
reduciéndose cada vez más, mientras el espacio de la escena fue ampliándose.
Hacia el siglo II
d.C., la gran masa de la población romana demandaba espectáculo más que drama.
La tragedia y la comedia fueron usadas como pretextos para crear otros
entretenimientos, de tal forma que incluso las sangrientas luchas de los
gladiadores se organizaban de modo teatral. El gusto popular se orientó tanto a
la obscenidad como a la crítica política, lo que empezó a originar la censura
de la Iglesia emergente.
EL TEATRO EN LA EDAD
MEDIA Y EL RENACIMIENTO
Edad Media (siglos V
y XV) Con la caída del Imperio Romano en el 476 d.C. decae también el teatro
clásico grecolatino. La Edad Media se caracterizó por una influencia muy fuerte
de la Iglesia católica en todos los ámbitos de la sociedad: la censura eliminó
el teatro de crítica dura y entretenimiento. El teatro volvió a vincularse con
lo religioso, pero a diferencia de las ceremonias rituales de los primeros
siglos, las ceremonias teatrales medievales tuvieron un objetivo muy claro:
adoctrinar o enseñar a los pobladores, muchos de ellos analfabetos, la historia
de la Biblia. La celebración litúrgica de la misa es ya una representación
teatral de la muerte y resurrección de Cristo. En la Edad Media fueron los
mismos clérigos los que crearon y actuaron los primeros diálogos entre
personajes importantes de la historia bíblica. Tales representaciones se
realizaban al interior de las iglesias alrededor del siglo X
Estas pequeñas piezas de teatro representaban especialmente
los episodios de la Navidad (nacimiento de Cristo) y el de la Pasión
(resurrección), son conocidas con el nombre de Misterios. Como derivación de
los Misterios pero utilizando más elementos simbólicos y un tono más
trascendental, aparecen las Moralidades, las cuales tenían siempre una
intención pedagógica. Las representaciones se hicieron cada vez más largas y
con más elementos de espectáculo (decorados, vestuarios). Surgieron personajes
irreverentes que ya no podían ser representados por clérigos, entonces se
incorporó a actores del pueblo. Cada vez se incluyeron más elementos profanos
(no religiosos) y cómicos. Fue entonces que los clérigos decidieron que este
drama litúrgico debía abandonar el interior de las iglesias. Al principio se
usaron los pórticos y atrios de estas, pero luego ocuparon las calles, plazas y
cementerios. Al salir a la calle, la forma de representación cambió, se
utilizaron espacios escénicos independientes creados sobre carros de madera o
tablados, en cada uno de los cuales se escenificaba una parte de la obra: fue
el inicio de los escenarios múltiples.
“El juglar inicialmente fue el intérprete de los poemas y
canciones de los trovadores, era un artista popular que en tablados instalados
en plazas públicas ejecutaba juegos, malabares, acrobacias o improvisaciones
teatrales antes de vender al público objetos diversos.
Paralelamente al teatro medieval religioso
surgió con fuerza el teatro medieval popular (siglo XIV), realizado por los
pobladores de la ciudad. En este se dejaban de lado los contenidos directamente
ligados con la religión. El teatro medieval popular halló su espacio en las fiestas
de carnavales, los mercados o cualquier ambiente transitado cotidianamente
RENACIMIENTO (SIGLOS XVI Y XVII)
Humanismo: en el Renacimiento surgió un tipo de pensamiento
en el cual el ser humano volvió a ser tomado como centro del universo y de las
investigaciones, y es visto como una fuente casi inagotable de posibilidades.
Este pensamiento humanista influyó en muchas áreas, incluyendo el teatro.
La historia marca el fin de la Edad Media con la toma de
Constantinopla por los turcos en el año 1453. Con la caída de Bizancio (o
Constantinopla), muchos latinos huyeron a Occidente llevando consigo textos
clásicos a los cuales el resto de europeos no había tenido acceso. Esto, unido
a otros cambios sociales, hizo surgir, hacia el siglo XV, un movimiento
cultural que buscaba recuperar el arte clásico de Grecia y Roma, al que se le
llamó Renacimiento.
Durante el Renacimiento comenzó un proceso de recreación del
teatro clásico grecolatino. La corriente que persigue el estilo, las reglas y
las formas clásicas (es decir, las de la antigua Grecia) es frecuentemente
llamada corriente clasicista. Sin embargo, al no tener conocimiento exacto de
cómo eran las representaciones en las épocas antiguas, las obras clásicas se
reconstruyeron nutriéndose del teatro que se había hecho durante esos años y
que tenía gran aceptación (el teatro popular, especialmente).
EL TEATRO ITALIANO Y
LA COMEDIA DEL ARTE EN ITALIA
Siguiendo la corriente clasicista, se edificaron teatros al
estilo antiguo (tal como habían sido en el Imperio Romano), pero sobre espacios
rectangulares ya existentes; así adquirieron una forma más parecida a los
teatros de hoy (el teatro “a la italiana”).
Durante el Renacimiento comenzó un proceso de recreación del
teatro clásico grecolatino. La corriente que persigue el estilo, las reglas y
las formas clásicas (es decir, las de la antigua Grecia) es frecuentemente
llamada corriente clasicista. Sin embargo, al no tener conocimiento exacto de
cómo eran las representaciones en las épocas antiguas, las obras clásicas se
reconstruyeron nutriéndose del teatro que se había hecho durante esos años y
que tenía gran aceptación (el teatro popular, especialmente). Se descubre la
perspectiva con la cual se logra crear la ilusión de profundidad en las
pinturas de los decorados. En los teatros más cultos se puede ver un gusto
especial por el refinamiento clásico, tanto de las formas como de los textos
dramáticos. Sin embargo, en el teatro popular aparece con gran fuerza la
tendencia a la improvisación con la Comedia del Arte.
En la mencionada Comedia del Arte, los actores improvisaban
todo el tiempo sobre la base de estructuras definidas (pequeños diálogos o
secuencias ya conocidas o creadas por ellos con anticipación) que incorporaban
según la situación originada en el momento.
EL TEATRO FRANCÉS: MOLIÈRE
Francia fue el país donde más se intentó seguir al pie de la
letra las líneas clásicas establecidas por los griegos y romanos. Esta
tendencia clasicista tenía su público especialmente en las cortes, frente a
espectadores aristocráticos y cultos. Sin embargo, aunque se escribieron
algunas tragedias, estas no alcanzaron tanto éxito como la comedia francesa de
finales del siglo XVI, derivadas de la farsa ya popular en la Francia de esos
tiempos.
INGLATERRA (SIGLOS
XVI Y XVII): EL TEATRO ISABELINO Y SHAKESPEARE
Al teatro inglés de esta época se le conoce también como
teatro isabelino porque se desarrolló durante el reinado de Isabel I, a finales
del siglo XVI. Este fue el teatro que más se alimentó de las anteriores formas
populares medievales, dejando de lado muchas de las reglas del teatro
clasicista. El teatro inglés se estructuraba en actos y escenas, intercalaba el
verso con la prosa, mezclaba la tragedia y la comedia, combinaba diversas
tramas a través de grandes márgenes de tiempo y espacio, unía personajes de
distintas clases sociales, e incorporaba música, danza y espectáculo en toda la
presentación.
WILLIAM SHAKESPEARE
El mayor representante del teatro inglés, considerado además
uno de los más grandes dramaturgos de todos los tiempos. Era especialmente
hábil con el lenguaje, no solo por lo poético de sus versos y prosa, sino por
la capacidad de trasladar al espectador, mediante la palabra, a espacios muy
alejados y distintos entre sí. Fue también un gran conocedor de los impulsos y
procesos humanos. Shakespeare escribió numerosas obras que hasta hoy se siguen
representando, no solamente en Inglaterra sino en diferentes partes del mundo y
de muy diversas formas, incluso muchas de estas han sido llevadas al cine.
Algunas de sus obras más importantes son Romeo y Julieta, Hamlet, El rey Lear,
El mercader de Venecia, Otelo, Macbeth, Sueño de una noche de verano, entre
muchísimas más.
EL TEATRO ESPAÑOL Y
EL SIGLO DE ORO (SIGLO XVII): LOPE DE VEGA
En España, como en Inglaterra, el teatro también se pudo
liberar un poco de las reglas más rígidas del Renacimiento. En el siglo XVI,
España intercambió mucho con el teatro italiano, creando, para fines del XVII,
un nuevo teatro propiamente español. Las obras se escenificaban en corrales de
comedia, que eran espacios al aire libre (patios o corrales) ambientados para
la representación. Los grupos de teatro en ese entonces estaban consolidados en
compañías de actores, donde cada actor tenía un “papel tipo” que interpretaba
siempre (el gracioso, la dama, etcétera)
Otro autor importante de ese tiempo fue Calderón de la
Barca, quien escribió la conocida obra La vida es sueño y autos sacramentales
como El Gran Teatro del Mundo. Por esta misma época, el gran novelista español
Miguel de Cervantes escribió su obra maestra Don Quijote de la Mancha, llevada
también al teatro y al cine en múltiples ocasiones.
ACTIVIDAD N 5
Luego de haber visto los primeros vídeos de "como hacer una obra de teatro", deberán presentar en una hoja word o Bond un proyecto para elaborar una obra de teatro de tema actual siguiendo los 7 pasos de el formato que ya hemos estado utilizando, el proyecto debe contener necesariamente el nombre, descripción de los personajes y el argumento en 5 lineas, en coordinación con el Sr. instructor tambiénpodrán incluir el tema bicentenario o aniversario patrio, este trabajo se recepcionara hasta el 16 de julio
Felicitaciones a los alumnos que desarrollaron la actividad correctamente, al parecer algunos no leen con atención el material que se envía con la actividad ni observan los vídeos, pero todos desde hace algunos años ya se les evalúa bajo 2 competencias del curso, aprecia críticamente .... y crea proyectos desde distintos lenguajes artísticos, y eso fue lo que se le solicito, ya trabajamos el formato de proyectos el bimestre pasado excluyendo al teatro justamente porque lo íbamos a desarrollar este bimestre, como ya esta establecido la revisión de trabajos es en escrito orden de llegada al correo institucional, por cualquier otro medio saben que no responderé por que no es la vía establecida por el colegio, también quisiera comentar que me extraña que algunos tutores se han comunicado conmigo para preguntar por la actividad en la fecha de entrega, no de elaboración con preguntas de alumnos que no han formulado directamente al correo del profesor, lamentablemente al escribir las respuestas no me detengo a comentar lo bueno del trabajo sino por el tiempo solo mis recomendaciones para mejorarlos, espero podamos superar estas dificultades en la siguiente actividad ya que es la continuación de la anterior
ACTIVIDAD N 6
En máximo 2 hojas word o bond van a enviar el guion completo
de la obra de teatro presentada la semana pasada, deben recordar que toda obra
debe cumplir con la descripción del contexto (lugar y tiempo) el conflicto (cuál
es el deseo del personaje de la obra y cuáles son sus dificultades) y un
desenlace (preferentemente creativo o inesperado) el trabajo deben enviarlo
hasta el 23 del presente.
Estamos terminado el bimestre con estas 2 ultimas actividades dedicadas a proyectos, espero se hayan superado los inconvenientes del proyecto anterior en donde muchos alumnos tuvieron que modificar sus proyectos respectivos
ACTIVIDAD N 7
PROYECTO MURAL
BICENTENARIO
En esta actividad vamos a elaborar un proyecto de mural
dedicado al bicentenario del Perú, aunque el diseño es libre deben tener en
cuenta que su proporción será de 6 longitudes de largo por 3.5 de alto, el
formato del proyecto es el mismo fundamentación porque es importante conmemorar
el bicentenario, el objetivo, que será
logra una imagen que representa al Perú en el siglo XXI y que motive al
patriotismo, procedimiento, luego de elaborar el diseño como lo trasladaremos a
una pared del colegio, entre cuantos alumnos se trabajara etc. el costo de los
materiales pinturas disolventes lijas andamios o escaleras etc. , la evaluación
como calificar la obra por el uso de colores la precisión del dibujo por el
mensaje que transmite , por la creatividad mostrada, etc. recordando que los
proyectos son planificaciones teóricas de lo que se planea hacer, pero que
requiere la selección y aprobación y financiamiento del proyecto para su
ejecución la fecha de entrega será hasta el 6 de agosto
EL PROYECTO ARTÍSTICO
Para la presentación
y desarrollo de cualquier actividad artística primero debemos tener un proyecto
artístico, que es un documento en el que se señala antes de iniciar nada, por
qué el cómo, cuánto costaría y su finalidad, etc. a fin de poder comunicar a los
demás compañeros, a las autoridades del colegio (en algunos casos pedir
permisos a nivel municipal) que se tiene planificado en todos sus detalles un
trabajo artístico, esta es una competencia del área por lo que debemos manejar
la elaboración de este documento, además nos ayudara a planificar mejor
nuestras acciones antes de comenzarla.
en forma general
trabajaremos con el siguiente esquema:
1.- TITULO DEL PROYECTO Debe ser llamativo explicito pero
no muy largo
Algunos ejemplos
podrían ser para una imagen religiosa “Pintando a María”
“Imágenes del cielo”
o más concretos como “Mural a la virgen”, “Dibujo religioso”
2.-DATOS INFORMATIVOS Aquí deben poner tus datos personales nombre apellido grado y sección en caso de
grupo el nombres de los integrantes del grupo su grado y sección
3.- FUNDAMENTACION Aquí deben redactar en forma clara y precisa
porque es útil o necesario llevar a cabo tu proyecto, a quien o quienes beneficiara y que apoyo requieren
para hacerlo algunos autores proponen resolver estas preguntas
¿QUÉ HACER?:
Propuesta.
¿PARA QUÉ? :
planteamiento del contexto y del problema.
¿A QUIÉNES?:
personas implicadas como destinatarios.
¿CON QUIÉNES?:
personas implicadas como responsables.
¿DÓNDE? : lugares y
espacios en donde se realizan las actividades.
¿CUÁNDO? : cuadro
temporal en el que se realizará.
¿CUÁNTO? : Etapas
previstas y cantidad de actividades especificas a llevar a cabo.
¿CÓMO? : técnicas a
usar.
¿CON QUÉ? : medios e
instrumentos con los que contamos.
1.-Que siendo el
aniversario de la virgen una fecha importante para los alumnos del colegio
deseamos elaborar murales alusivos a esta fecha como decoración de las
instalaciones del plantel
2.- Que deseando
explorar nuevas técnicas artísticas, mostrar nuestras habilidades para el
dibujo, canto o danza, o sintiendo la necesidad de expresar
nuestros sentimientos o postura en esta significativa fecha
4.- OBJETIVOS En esta parte del proyecto se deben definir
exactamente qué es lo van a lograr o
elaborar al termino del proyecto, son de 2 tipos el objetivo principal y los
secundarios, en todo caso no deben ser más de dos o tres y en ningún caso
para el curso el objetivo debe ser económico o de una campaña de solidaridad, por
ejemplo:
Se elaborará un
mural dedicado a la virgen de 4.00 por 1.20 mts.
Realizaremos una
pintura en lienzo de 40 x 30 cm. a tempera
Se interpretará una
canción peruana en grupo
Y como objetivo
secundario podemos poner
demostraremos
nuestra habilidad artística, el conocimiento de esta técnica, etc.se recomienda
que los objetivos sean:
CLAROS: Formulados en un lenguaje comprensible y preciso,
fáciles de identificar.
FACTIBLES: Posibles de alcanzar con los recursos
disponibles, con la metodología adoptada y dentro de los plazos previstos.
PERTINENTES: Tienen una relación lógica con
el tipo de problema que se pretende solucionar.
5.-PROCEDIMIENTOS En el procedimiento debe ir un cronograma de las actividades a realizar,
desde la presentación del proyecto hasta el término de el mismo y luego la
evaluación de cumplimiento de objetivos, si bien estas fechas podrían cambiar
un poco deben mantenerse los tiempos programados, si se planifica para una
semana de trabajo no se puede demorar un mes ya que eso invalidaría el plan de
trabajo
6.-COSTOS Y MATERIALES En esta parte se enumeran los materiales a emplear con cantidades y costos lo
más exacto posible, ya que una variación importante de costos podría invalidar
el proyecto, se debe tomar en cuenta los servicios que son pagos por algún
proceso del proyecto que no se va a ver físicamente pero es indispensable para
su culminación, como por ejemplo si vamos a comprar material la movilidad es un
costo pero no aparece en el producto final
7.- EVALUACIÓN
La evaluación de un proyecto debe ser parte del proceso, como se está
desarrollando y plantear criterios acordes al lenguaje artístico del proyecto,
por ejemplo no es lo mismo evaluar una pintura que una danza, se deberá evaluar
con diferentes criterios, indicadores como creatividad,
presentación o limpieza, cumplimiento del trabajo en equipo se deben
tener en cuenta, asi como el tiempo, si se plantea un proyecto para una
semana de trabajo y vamos 4 días y no se ha llegado a la mitad eso debe ser
parte de la evaluación.
ACTIVIDAD N 8
DISEÑO DE MURAL
BICENTENARIO
En esta actividad vamos a elaborar un diseño de mural dedicado
al bicentenario del Perú, aunque el diseño es libre deben tener en cuenta que la
dimensión del diseño será de 24 cm de largo por 14 cm de alto que las imágenes
deben mostrar las riquezas naturales del país, nuestro pasado histórico y una
proyección de lo que queremos para el futuro, para su presentación el diseño
deberá estar terminado a color sin texto, la fecha de entrega será hasta el 13
de agosto
Este es el proceso establecido por el colegio para el desarrollo de la capacidad de análisis, como verán no difiere del nuestro pero nos adaptaremos al esquema propuesto por ser parte de otros cambios previstos en el colegio 
El acto de bailar fue, sin duda, un componente importante en las celebraciones del antiguo Egipto. El culto a los dioses Osiris e Isis se festejaba con danzas rituales. Gente de todas las clases sociales tenía contacto con la música y la danza. Existían compañías de danza que bailaban en fiestas, banquetes e incluso en templos religiosos. En su mayoría, estos grupos estuvieron compuestos por mujeres. Muchas danzas ceremoniales fueron realizadas por los Faraones y, en ellas, se representaban la muerte y la reencarnación de Osiris.
se consideraba como un don divino fuente de placer preparación
para la guerra la danza era mímica con mascara y uso de manos de forma
expresiva con las danzas dionisiacas se manifestaban acciones de héroes y
dioses.
En la edad media la religión había inculcado el pensamiento
constante de la muerte entre 1300 y 1400 las danzas macabras más antiguas se
hallan en manuscritos y pinturas en los cementerios era una ronda infernal en
la que los muertos de toda condición edad bailaban tomados de la mano dirigidos
por la muerte, esta alegoría representaba la fatalidad que condena a todos los
hombres de cualquier condición al último tránsito
Con Luis XIV se pusieron de moda otros bailes como: 
Danza Creativa es un método de trabajo
corporal en el que a través de pautas de improvisación y de una danza libre y
espontánea, se lleva a cabo un divertido proceso creativo que proporciona
bienestar físico y psíquico. Este tipo de danza, no sólo desarrolla las
capacidades motrices y físicas del alumnado como la agilidad, flexibilidad,
coordinación…, sino que además estimula y potencia su capacidad de expresión y
comunicación, desarrolla la creatividad e imaginación, fomenta la seguridad en
la persona, la autoestima y el respeto hacia el grupo.
